Straipsnio turinys

JAPONIJOS MENAS. Nuo seniausių laikų japonų menas pasižymėjo aktyvia kūryba. Nepaisant jų priklausomybės nuo Kinijos, kur nuolat atsirasdavo naujų meninių ir estetinių judėjimų, japonų menininkai visada įvesdavo naujų bruožų ir keisdavo savo mokytojų meną, suteikdami japonišką išvaizdą.

Japonijos istorija kaip tokia pradeda įgauti tam tikras formas tik V amžiaus pabaigoje. Ankstesniais šimtmečiais (archajiniu laikotarpiu) menančių objektų aptikta palyginti nedaug, nors kai kurie kasinėjimų ar statybos darbų metu rasti radiniai rodo puikų meninį talentą.

Archajiškas laikotarpis.

Seniausi japonų meno kūriniai – jomon tipo (laido įspaudas) moliniai puodai. Pavadinimas kilęs nuo paviršiaus puošybos spiraliniais virvelės atspaudais, apvyniotais aplink lazdeles, kurias meistras naudojo gamindamas indą. Galbūt iš pradžių meistrai netyčia atrado pintus atspaudus, bet vėliau pradėjo juos naudoti sąmoningai. Kartais ant paviršiaus buvo klijuojamos į virvelę panašios molio garbanos, sukurdamos sudėtingesnį dekoratyvinį efektą, beveik reljefą. Pirmoji japonų skulptūra atsirado Džomonų kultūroje. Asmens ar gyvūno dogas (liet. „molinis atvaizdas“) tikriausiai turėjo kokią nors religinę reikšmę. Žmonių, dažniausiai moterų, atvaizdai labai panašūs į kitų primityvių kultūrų molio deivius.

Radioaktyviosios anglies datavimas rodo, kad kai kurie radiniai iš Džomono kultūros gali būti datuojami 6–5 tūkst. pr. Kr., tačiau datavimas toks ankstyvas nėra visuotinai priimtas. Žinoma, tokie patiekalai buvo gaminami ilgą laiką, ir nors tikslios datos kol kas nustatyti nepavyksta, galima išskirti tris laikotarpius. Seniausi pavyzdžiai smailiu pagrindu ir beveik neornamentuoti, išskyrus puodžiaus įrankio pėdsakus. Vidurinio laikotarpio indai yra gausiau ornamentuoti, kartais su lipdiniais elementais, sukuriančiais apimties įspūdį. Trečiojo laikotarpio indų formos labai įvairios, tačiau puošyba vėl išsilygina ir tampa santūresnė.

Maždaug II a. pr. Kr. Jomon keramika užleido vietą Yayoi keramikai, kuri pasižymi grakščiomis formomis, dizaino paprastumu ir aukšta technine kokybe. Indo šukė tapo plonesnė, ornamentas ne toks įmantrus. Šis tipas vyravo iki III a. REKLAMA

Meniniu požiūriu bene geriausi ankstyvojo laikotarpio kūriniai yra haniwa, moliniai cilindrai, datuojami III–V a. REKLAMA Būdingi šios eros paminklai – didžiulės kalvos, arba piliakalniai, imperatorių ir galingų bajorų laidojimo statiniai. Dažnai jie yra labai dideli, jie liudija imperatoriškosios šeimos ir dvariškių galią ir turtus. Tokio statinio statyba imperatoriui Nintoku-tenno (apie 395–427 m. po Kr.) truko 40 metų. Ryškiausias šių piliakalnių bruožas buvo juos tarsi tvora juosiantys moliniai cilindrai, haniva. Dažniausiai šie cilindrai būdavo visiškai paprasti, bet kartais būdavo puošiami žmonių, rečiau – arklių, namų ar gaidžių figūrėlėmis. Jų tikslas buvo dvejopas: užkirsti kelią didžiulių žemės masyvų erozijai ir aprūpinti velionį būtiniausiais daiktais, kuriuos jis naudojo žemiškame gyvenime. Natūralu, kad cilindrai buvo gaminami iš karto dideliais kiekiais. Temų, veido išraiškų ir jas puošiančių figūrų gestų įvairovė daugiausia yra meistro improvizacijos rezultatas. Nepaisant to, kad tai yra amatininkų, o ne dailininkų ir skulptorių kūriniai, jie yra labai svarbūs kaip japonų meno forma. Pastatai, apkloti žirgai, pirmos moterys ir kariai pateikia įdomų ankstyvosios feodalinės Japonijos karinio gyvenimo vaizdą. Gali būti, kad šių cilindrų prototipai atsirado Kinijoje, kur įvairūs objektai buvo dedami tiesiai į palaidojimus, tačiau hanivos atlikimas ir panaudojimo būdas priklauso vietinei tradicijai.

Archajinis laikotarpis dažnai vertinamas kaip aukšto meninio lygio kūrinių nebuvimas, daugiausia archeologinės ir etnologinės vertės dalykų dominavimo metas. Tačiau reikia atsiminti, kad visos šios ankstyvosios kultūros kūriniai turėjo didelį gyvybingumą, nes jų formos išliko ir vėlesniais laikotarpiais išliko kaip specifiniai nacionaliniai japonų meno bruožai.

Asuka laikotarpis

(552–710 m. po Kr.). Budizmo įvedimas VI amžiaus viduryje. padarė reikšmingų pokyčių japonų gyvensenoje ir mąstyme bei tapo postūmiu šio ir vėlesnių laikotarpių meno raidai. Budizmo atėjimas iš Kinijos per Korėją tradiciškai datuojamas 552 m. po Kr., bet tikriausiai buvo žinomas anksčiau. Pirmaisiais metais budizmas susidūrė su politine opozicija, kuriai pasipriešino nacionalinė šintoizmo religija, tačiau vos po kelių dešimtmečių naujasis tikėjimas gavo oficialų patvirtinimą ir galiausiai buvo įtvirtintas. Pirmaisiais savo įvedimo į Japoniją metais budizmas buvo gana paprasta religija su nedideliu skaičiumi dievybių, kurioms reikėjo atvaizdų, tačiau maždaug po šimto metų jis sustiprėjo ir panteonas labai išaugo.

Šiuo laikotarpiu buvo įkurtos šventyklos, kurios tarnavo ne tik tikėjimo sklaidai, bet ir buvo meno ir švietimo centrai. Horyuji vienuolynas-šventykla yra viena svarbiausių ankstyvojo budizmo meno studijoms. Tarp kitų lobių yra ir didžiosios triados Syaka-Nerai (623 m. po Kr.) statula. Šis pirmojo mums žinomo didžiojo japonų skulptoriaus Tori Bussi kūrinys yra stilizuotas bronzinis atvaizdas, panašus į panašias grupes didžiosiose Kinijos urvų šventyklose. Sėdinčio Shaky (japoniška žodžio „Shakyamuni“, istorinis Buda transkripcija) ir dviejų figūrų, stovinčių abiejose jo pusėse, poza yra griežtai priekinė. Žmogaus figūros formas slepia sunkios simetriškos schematiškai perteiktų drabužių klostės, o lygiuose pailgintuose veiduose jaučiamas svajingas savęs įsisavinimas ir kontempliacija. Šio pirmojo budizmo laikotarpio skulptūra paremta penkiasdešimties metų senumo žemyno stiliumi ir prototipais; ji ištikimai laikosi kinų tradicijos, kuri į Japoniją atkeliavo per Korėją.

Kai kurios svarbiausios šių laikų skulptūros buvo pagamintos iš bronzos, tačiau naudotas ir medis. Dvi garsiausios medinės skulptūros yra deivės Kannon: Yumedono Kannon ir Kudara Kannon, abi yra Horyuji. Jie yra patrauklesnis garbinimo objektas nei Shaki triada, savo archajiškomis šypsenomis ir svajingomis išraiškomis. Nors Kannon figūrėlės taip pat turi schematišką ir simetrišką drabužių klosčių išdėstymą, jos yra lengvesnės ir kupinos judesio. Aukštos, lieknos figūros pabrėžia veidų dvasingumą, abstraktų gerumą, nutolusios nuo visų pasaulietiškų rūpesčių, bet jautrios kenčiančiųjų maldoms. Skulptorius šiek tiek atkreipė dėmesį į Kudaros Kannono figūros kontūrus, paslėptus drabužių klostėmis, o priešingai nei dantytas Yumedono siluetas, tiek figūros, tiek audinio judėjimas nukreiptas į gylį. Profilyje Kudara Kannon turi grakščius S formos kontūrus.

Vienintelis išlikęs tapybos pavyzdys, suteikiantis idėją apie VII amžiaus pradžios stilių, yra Tamamushi Zushi, „sparnuotos šventovės“ paveikslas. Ši miniatiūrinė šventovė pavadinta nuo vaivorykštės vabalo sparnų, įtaisytų į perforuotą metalinį rėmą; vėliau papuošta religinėmis kompozicijomis ir spalvotu laku padarytomis atskirų personažų figūromis. Kaip ir šio laikotarpio skulptūra, kai kurie vaizdai rodo didelę dizaino laisvę.

Naros laikotarpis

(710–784). 710 m. sostinė buvo perkelta į Narą – naują miestą, sukurtą pagal Kinijos sostinės Čangano pavyzdį. Čia buvo plačios gatvės, dideli rūmai ir daugybė budistų šventyklų. Ne tik budizmas visais jo aspektais, bet ir visas Kinijos kultūrinis bei politinis gyvenimas buvo suvokiamas kaip sektinas pavyzdys. Jokia kita šalis tikriausiai nesijautė netinkamesnė savo kultūroje ar buvo tokia jautri išorės įtakoms. Mokslininkai ir piligrimai laisvai judėjo tarp Japonijos ir žemyno, o vyriausybės ir rūmų gyvenimas buvo modeliuojamas pagal Tangų dinastijos Kiniją. Tačiau turime prisiminti, kad, nors ir mėgdžiodami Tang China pavyzdžius, ypač mene, suvokdami jo įtaką ir stilių, japonai beveik visada pritaikydavo svetimas formas prie savųjų.

Skulptūroje ankstesnio Asukos laikotarpio griežtas frontalumas ir simetrija užleido vietą laisvesnėms formoms. Idėjų apie dievus plėtojimas, išaugę techniniai įgūdžiai ir medžiagos naudojimo laisvė leido menininkams kurti intymesnius ir prieinamesnius kulto įvaizdžius. Naujų budistų sektų įkūrimas išplėtė panteoną, įtraukiant net šventuosius ir budizmo įkūrėjus. Be bronzinės skulptūros, žinoma nemažai kūrinių iš medžio, molio ir lako. Akmuo buvo retas ir beveik niekada nenaudotas skulptūrai. Sausas lakas buvo ypač populiarus galbūt dėl ​​to, kad, nepaisant kompozicijos paruošimo proceso sudėtingumo, iš jo pagaminti darbai atrodė įspūdingiau nei mediniai ir buvo tvirtesni už lengviau pagaminamus molio gaminius. Lako figūrėlės buvo formuojamos ant medinio ar molio pagrindo, kuris vėliau buvo pašalintas, arba ant medinės ar vielos armatūros; jie buvo lengvi ir patvarūs. Nepaisant to, kad ši technika padiktavo tam tikrą pozų nelankstumą, vaizduojant veidus buvo suteikta didelė laisvė, o tai iš dalies prisidėjo prie to, ką galima pavadinti portretine skulptūra. Dievybės veidas vaizduojamas laikantis griežtų budizmo kanonų reikalavimų, tačiau kai kurių tikėjimo pradininkų ir skelbėjų populiarumas ir net sudievinimas suteikė puikių galimybių portretiniam panašumui perteikti. Šį panašumą galima įžvelgti Japonijoje gerbiamo Kinijos patriarcho Genjino skulptūroje, pagamintoje iš sauso lako, esančioje Toshodaiji šventykloje. Genjinas buvo aklas, kai atvyko į Japoniją 753 m., o jo neregėtas akis ir apšviestą vidinę kontempliaciją nuostabiai užfiksavo nežinomas skulptorius. Šią realistinę tendenciją ryškiausiai išreiškė medinė pamokslininko Kujos skulptūra, kurią XIII–XIV a. sukūrė skulptorius Kosho. Pamokslininkas apsirengęs kaip klajojantis elgeta su lazda, gongu ir plaktuku, o iš pusiau atviros burnos išnyra mažos Budos figūrėlės. Nepatenkintas dainuojančio vienuolio įvaizdžiu, skulptorius bandė išreikšti slapčiausią savo žodžių prasmę.

Naros laikotarpio Budos atvaizdai taip pat išsiskiria dideliu tikroviškumu. Sukurtos vis didesniam skaičiui šventyklų, jos nėra tokios nepakartojamai šaltos ir santūrios kaip jų pirmtakai, grakštesnio grožio ir kilnumo, o jas garbinantiems žmonėms kreipiamasi su didesniu malonumu.

Iš šių laikų paveikslų išliko labai mažai. Įvairiaspalvis dizainas ant popieriaus vaizduoja praeities ir dabarties Budos gyvenimą. Tai vienas iš nedaugelio senovinių emakimono arba slinkties tapybos pavyzdžių. Slinktys lėtai išsivyniojo iš dešinės į kairę, o žiūrovas galėjo mėgautis tik ta paveikslo dalimi, kuri buvo tarp slinktį išvyniojančių rankų. Iliustracijos buvo dedamos tiesiai virš teksto, kitaip nei vėlesniuose slinktyse, kur teksto dalis kaitaliodavosi su aiškinamuoju vaizdu. Šiuose seniausiuose išlikusiuose slinkties tapybos pavyzdžiuose kontūrinės figūros yra pastatytos prieš vos išryškintą kraštovaizdį, o centrinis veikėjas, šiuo atveju Šaka, pasirodo įvairiose scenose.

Ankstyvas Heianas

(784–897). 784 m. sostinė buvo laikinai perkelta į Nagaoką, iš dalies siekiant išvengti Naros budistų dvasininkų dominavimo. 794 m. ji persikėlė į Heianą (dabar Kiotas) ilgesniam laikui. VIII ir IX amžiaus pabaiga buvo laikotarpis, kai Japonija sėkmingai asimiliavosi, prisitaikydama prie savo ypatybių, daug užsienio naujovių. Budistų religija taip pat patyrė pokyčių laiką, naujų ezoterinio budizmo sektų atsiradimą su išvystytu ritualu ir etiketu. Iš jų įtakingiausios buvo Tendai ir Shingon sektos, kilusios iš Indijos, pasiekusios Kiniją ir iš ten atvežtos į Japoniją dviejų mokslininkų, grįžusių į tėvynę po ilgos pameistrystės. Shingon („Tikrieji žodžiai“) sekta buvo ypač populiari teisme ir greitai užėmė dominuojančią padėtį. Pagrindiniai jos vienuolynai buvo Kojos kalne netoli Kioto; kaip ir kiti svarbūs budizmo centrai, jie tapo didžiulių meno kolekcijų saugyklomis.

9 amžiaus skulptūra daugiausia buvo medinis. Dievybių atvaizdai išsiskyrė griežtumu ir neprieinama didybe, kurią pabrėžė jų išvaizdos iškilmingumas ir masyvumas. Draperijos buvo meistriškai iškirptos pagal standartinius raštus, o šalikai gulėjo bangomis. Šio stiliaus pavyzdys yra stovinti Shaki figūra iš Muroji šventyklos. Už šį ir panašius vaizdus iš IX a. pasižymi standžiais raižiniais su gilesnėmis, traškesnėmis klostėmis ir kitomis detalėmis.

Didėjantis dievų skaičius menininkams sukėlė didelių sunkumų. Sudėtingose, į žemėlapį panašiose mandalose (geometriniai piešiniai su magiškomis reikšmėmis) dievybės buvo išdėstytos hierarchija aplink centrinį Budą, kuris pats buvo tik viena absoliuto apraiška. Šiuo metu atsirado nauja liepsnų apsuptų dievybių sargėjų figūrų, baisios išvaizdos, bet geranoriškos prigimties, vaizdavimo maniera. Šios dievybės buvo išsidėsčiusios asimetriškai ir buvo vaizduojamos judančiomis pozomis, su didžiuliais veido bruožais, įnirtingai ginant tikėjimą nuo galimų pavojų.

Vidurinis ir vėlyvasis Heiano, arba Fujiwara laikotarpis

(898–1185). Sostinės perdavimas Heianui, kuriuo buvo siekiama išvengti sunkių dvasininkijos reikalavimų, sukėlė pokyčius ir politinėje sistemoje. Bajorai buvo dominuojanti jėga, o jos atstovai buvo Fujiwara šeima. Laikotarpis 10–12 amžiai dažnai siejamas su šiuo vardu. Prasidėjo ypatingos galios laikotarpis, kai tikriems imperatoriams buvo „primygtinai patarta“ palikti nuošalyje valstybės reikalus malonesniems poezijos ir tapybos užsiėmimams. Iki pilnametystės imperatoriui vadovavo griežtas regentas, dažniausiai iš Fujiwara šeimos. Tai buvo prabangos ir nuostabių literatūros, kaligrafijos ir meno pasiekimų amžius; Visur tvyrojo nuovargis ir emocionalumas, kuris retai pasiekdavo gilumą, bet apskritai buvo žavus. Elegantiškas rafinuotumas ir pabėgimas atsispindėjo šių laikų mene. Net budizmo šalininkai ieškojo lengvesnių kelių, ypač išpopuliarėjo dangiškojo Budos Amidos garbinimas. Idėjos apie Amidos Budos užuojautą ir gelbstinčią malonę giliai atsispindėjo šio laikotarpio tapyboje ir skulptūroje. IX amžiaus statulų masyvumas ir santūrumas. 10–11 amžiuje. užleido vietą palaimai ir žavesiui. Dievybės vaizduojamos svajingos, apgalvotai ramios, raižinys ne toks gilus, paviršius spalvingesnis, gausiai išvystyta faktūra. Svarbiausi šio laikotarpio paminklai priklauso skulptoriui Jocho.

Dailininkų darbai įgavo ir švelnesnių bruožų, primenančių piešinius ant audinio, o net baisiosios dievybės – tikėjimo gynėjos – tapo mažiau gąsdinančios. Sutros (budistiniai tekstai) buvo parašytos auksu ir sidabru ant giliai mėlynos spalvos popieriaus, prieš gražią teksto kaligrafiją dažnai buvo pateikta nedidelė iliustracija. Populiariausios budizmo kryptys ir su jomis susijusios dievybės atspindi aristokratijos pageidavimus ir laipsnišką perėjimą nuo griežtų ankstyvojo budizmo idealų.

Šių laikų atmosfera ir jo darbai iš dalies susiję su formalių santykių su Kinija nutrūkimu 894 m. Budizmas Kinijoje tuo metu buvo persekiojamas, o korumpuotas Tango teismas – nuosmukio būsenoje. Nuošali salos egzistavimas po šio nutraukimo paskatino japonus atsigręžti į savo kultūrą ir sukurti naują, grynesnį japonų stilių. Išties pasaulietinė tapyba 10–12 a. buvo beveik vien japoniškas – ir technika, ir kompozicija, ir siužetais. Šių japoniškų ritinių, vadinamų yamato-e, išskirtinis bruožas buvo engi (kilmės, istorijos) dalykų vyravimas. Nors kiniškuose ritiniuose dažniausiai buvo vaizduojama didžiulė, nuostabi gamta, kalnų, upelių, uolų ir medžių panoramos, o žmonės atrodė gana nereikšmingi, japoniškuose naratyviniuose ritiniuose piešinyje ir tekste pagrindinis buvo žmogus. Peizažas vaidino tik pasakojamos istorijos fono vaidmenį, pavaldus pagrindiniam veikėjui ar asmenims. Daugelis ritinių buvo ranka pieštos kronikos apie garsių budistų pamokslininkų ar istorinių asmenybių gyvenimą, jų keliones ir karines kampanijas. Kiti pasakojo apie romantiškus epizodus iš didikų ir dvariškių gyvenimo.

Akivaizdžiai išskirtinis ankstyvųjų ritinių stilius atsirado dėl paprastų rašalo eskizų budistų sąsiuvinių puslapiuose. Tai meistriški piešiniai, karikatūruojantys žmonių elgesį per gyvūnų atvaizdus: vienuoliniais drabužiais vilki beždžionė, garbinanti pripūstą varlę, kiškių, beždžionių ir varlių varžybos. Šie ir kiti vėlyvieji Heiano ritiniai buvo pagrindas sudėtingesniems XIII ir XIV amžių išplėtoto stiliaus naratyviniams ritiniams.

Kamakuros laikotarpis

(1185–1392). XII amžiaus pabaiga atnešė didelių pokyčių Japonijos politiniame ir religiniame gyvenime ir, žinoma, jos mene. Kioto teismo elegancija ir estetiškumas buvo pakeistas arba, vadovaujantis „ypatingos“ taisyklės tradicijomis, „gavo papildymą“ naujos, griežtos ir drąsios taisyklės - Kamakuros šogunato - forma. Nors sostinė išliko nominaliai Kioto, Shogun Minamoto no Yoritomo (1147–1199) įkūrė savo būstinę Kamakuros mieste ir vos per 25 metus sukūrė griežtą karinės diktatūros ir feodalizmo sistemą. Budizmas, kuris tapo toks sudėtingas ir ritualizuotas, kad jį menkai suprato paprasti pasauliečiai, taip pat patyrė didelių pokyčių, kurie nežadėjo meno globos. Yodo (Gryna žemė) sekta, Amida Budos garbinimo forma, vadovaujama Honen Shonin (1133–1212), reformavo Budų ir dievybių hierarchiją ir suteikė viltį išsigelbėti visiems, kurie tiesiog tikėjo Amida. Šią lengvai pasiekiamo rojaus doktriną vėliau supaprastino kitas vienuolis Shinran (1173–1262), Shin sektos įkūrėjas, pripažinęs, kad Amidos nuolaidžiavimas buvo toks didelis, kad nereikia atlikti religinių veiksmų, tiesiog kartoti užkeikimą. Namu Amida Butsu“ (pirmasis žodis reiškia „paklusti“; antrieji du – „Buddha Amida“). Šis paprastas sielos gelbėjimo būdas buvo nepaprastai patrauklus ir dabar juo naudojasi milijonai. Po kartos karingas pamokslininkas Nichirenas (1222–1282), kurio vardu ir pavadinta sekta, atsisakė šios supaprastintos religijos formos. Jo pasekėjai gerbė Lotoso Sutrą, kuri nežadėjo momentinio ir besąlygiško išsigelbėjimo. Jo pamokslai dažnai lietė politines temas, o jo įsitikinimai ir siūlomos bažnyčios bei valstybės reformos patiko naujajai karinei klasei Kamakuroje. Galiausiai dzeno filosofija, atsiradusi dar VIII amžiuje, šiuo laikotarpiu pradėjo vaidinti vis svarbesnį vaidmenį budizmo mąstyme. Zenas pabrėžė meditacijos svarbą ir panieką bet kokiems įvaizdžiams, kurie gali trukdyti žmogui siekti susijungti su Dievu.

Taigi tai buvo laikas, kai religinė mintis ribojo anksčiau kultui reikalingų tapybos ir skulptūros kūrinių skaičių. Nepaisant to, vieni geriausių japonų meno kūrinių buvo sukurti Kamakura laikotarpiu. Paskata buvo būdinga japonų meilė menui, tačiau raktas į sprendimą slypi žmonių požiūryje į naujus tikėjimus, o ne dogmas kaip tokias. Iš tiesų, patys kūriniai rodo jų sukūrimo priežastį, nes daugelis šių gyvybės ir energijos kupinų skulptūrų ir paveikslų yra portretai. Nors dzen filosofija įprastus religinius objektus galėjo laikyti kliūtimi nušvitimui, mokytojų pagerbimo tradicija buvo gana priimtina. Portretas pats savaime negalėjo būti garbinimo objektas. Toks požiūris į portretą buvo būdingas ne tik dzenbudizmui: daugelis Grynos žemės sektos tarnų buvo gerbiami beveik kaip budistų dievybės. Portreto dėka netgi atsirado nauja architektūrinė forma – mieido, arba portretinė koplyčia. Spartus realizmo vystymasis visiškai atitiko laikmečio dvasią.

Nors vaizdingi kunigų portretai iš tiesų buvo konkrečių žmonių atvaizdai, dažnai tai buvo paveikslų, vaizduojančių budizmo pradininkus Kinijoje, perdirbiniai. Jie buvo vaizduojami pamokslaujantys, atmerktomis burnomis, gestikuliuojančiomis rankomis; kartais buvo vaizduojami piktadariai vienuoliai, leidžiantys sunkią kelionę tikėjimo garbei.

Viena iš populiariausių temų buvo raigo (geidžiamas atvykimas), kuriame buvo vaizduojamas Buda Amida su savo palydovais, nusileidžiantis ant debesies, kad išgelbėtų tikinčiojo sielą mirties patale ir perkeltų ją į dangų. Tokių vaizdų spalvas dažnai paryškindavo aplikuotas auksas, o banguotos linijos, tekantys pelerinos ir besisukantys debesys Budos nusileidimui suteikdavo judėjimo pojūtį.

Unkei, veikęs XII a. antroje pusėje ir 13 amžiaus pradžioje, buvo naujovės, palengvinusios medžio raižymą, kuris išliko mėgstamiausia skulptorių medžiaga Kamakuro laikotarpiu, autorius. Anksčiau meistrą ribodavo rąsto ar rąsto, iš kurio buvo išpjauta figūra, dydis ir forma. Rankos ir drabužių elementai buvo pritaikyti atskirai, tačiau gatavas gabalas dažnai priminė originalią cilindro formą. Taikant naują techniką, dešimtys mažų gabalėlių buvo kruopščiai sujungti ir suformuota tuščiavidurė piramidė, iš kurios mokiniai galėjo apytiksliai iškirpti formą. Skulptorius disponavo lankstesnė medžiaga ir sugebėjimu kurti sudėtingesnes formas. Raumeningi šventyklų sargybiniai ir dievybės tekančiais apsiaustais ir apsiaustais atrodė gyvesnės ir dėl to, kad į jų akiduobes buvo pradėta kišti krištolą ar stiklą; statulos pradėtos puošti paauksuota bronza. Jie tapo lengvesni ir mažiau linkę įtrūkti medienai džiūstant. Jau minėta medinė Kuya Shonin statula, kurią sukūrė Unkei sūnus Kosho, demonstruoja aukščiausią Kamakuro eros realizmo pasiekimą portretinėje skulptūroje. Iš tiesų, skulptūra tuo metu pasiekė savo vystymosi apogėjų, o vėliau ji nebeužėmė tokios svarbios vietos mene.

Pasaulietinė tapyba taip pat atspindėjo laikmečio dvasią. Vėlyvojo Heiano laikotarpio naratyviniai ritiniai santūriomis spalvomis ir grakščiomis linijomis bylojo apie romantiškus princo Genji išsišokimus ar atsiskyrėliškų dvaro damų pramogas. Dabar ryškiomis spalvomis ir energingais teptuko potėpiais Kamakuros epochos menininkai vaizdavo kariaujančių klanų mūšius, liepsnų apimtus rūmus ir išgąsdintus žmones, bėgančius nuo puolančių karių. Net tada, kai ritinyje buvo atskleista religinė istorija, vaizdas buvo ne tiek ikona, kiek istorinis šventųjų žmonių kelionių ir jų atliktų stebuklų įrašas. Kuriant šias scenas galima aptikti augančią meilę gamtai ir susižavėjimą vietiniais kraštovaizdžiais.

Muromachi arba Ašikagos laikotarpis

(1392–1568). 1392 m., po daugiau nei 50 metų trukusių nesutarimų, trečiasis Ašikagų šeimos šogunas Yoshimitsu (1358–1408) vėl suvienijo šalį. Vyriausybės būstinė vėl tapo nominalia Kioto sostine, kur Ašikagos šogunai pastatė savo rūmus Muromachi kvartale. (Šis laikotarpis kartais vadinamas Muromachi arba Ašikaga.) Karas nepagailėjo daug šventyklų – japonų meno saugyklų, kurios buvo sudegintos kartu su ten esančiais lobiais. Šalis buvo žiauriai sugriauta, ir net taika neatnešė daug palengvėjimo, nes kariaujantys klanai, pasiekę sėkmę, dalino malones pagal savo užgaidą. Atrodytų, situacija buvo itin nepalanki meno raidai, tačiau iš tikrųjų ašikagos šogunai jį globojo, ypač XV–XVI a., kai klestėjo tapyba.

Reikšmingiausias šių laikų meninis reiškinys buvo vienspalviai poetinio rašalo paveikslai, paskatinti dzenbudizmo ir paveikti Kinijos Songų ir Juanių dinastijų pavyzdžių. Mingų dinastijos (1368–1644) laikais ryšiai su Kinija buvo atnaujinti, o meno kolekcionierius ir mecenatas Yoshimitsu skatino rinkti ir studijuoti kinų paveikslus. Tai tapo modeliu ir atspirties tašku gabiems menininkams, kurie lengvais ir sklandžiais teptuko potėpiais piešė peizažus, paukščius, gėles, dvasininkų ir išminčių atvaizdus. Šių laikų japonų tapybai būdingas linijos ekonomiškumas; menininkas tarsi išgauna vaizduojamo siužeto kvintesenciją, leisdamas žiūrovui jį užpildyti detalėmis. Pilko ir blizgančio juodo rašalo perėjimai šiuose paveiksluose labai artimi dzen filosofijai, kuri neabejotinai įkvėpė jų autorius. Nors šis tikėjimas padarė didelę įtaką valdant Kamakurai, jis sparčiai plito XV–XVI a., kai iškilo daug dzen vienuolynų. Skelbdama daugiausia „išsigelbėjimo“ idėją, ji nesusiejo išsigelbėjimo su Buda, o labiau rėmėsi griežta žmogaus savidisciplina, kad pasiektų staigų intuityvų „nušvitimą“, jungiantį jį su absoliutu. Ekonomiškas, bet drąsus tušo naudojimas ir asimetrinė kompozicija, kai netapytos popieriaus dalys vaidino svarbų vaidmenį vaizduojant idealizuotus kraštovaizdžius, išminčius ir mokslininkus, atitiko šią filosofiją.

Vienas žymiausių sumi-e, monochrominės tapybos tušu stiliaus, atstovų buvo Sesshu (1420–1506), dzen kunigas, ilgas ir vaisingas gyvenimas pelnė jam ilgalaikę pagarbą. Gyvenimo pabaigoje jis pradėjo taikyti haboku (greito rašalo) stilių, kuris, priešingai nei brandus stilius, reikalaujantis aiškių, ekonomiškų potėpių, monochrominės tapybos tradiciją atvedė beveik iki abstrakcijos.

Tas pats laikotarpis žymi Kano menininkų šeimos veiklą ir jų stiliaus raidą. Temų pasirinkimu ir rašalo naudojimu ji buvo artima kinų kalbai, tačiau išraiškingomis priemonėmis išliko japoniška. Kano, remiamas šogunato, tapo „oficialia“ tapybos mokykla arba meniniu stiliumi ir klestėjo iki pat XIX a.

Naivi Yamato-e tradicija ir toliau gyvavo Tosos mokyklos, antrojo svarbaus japonų tapybos judėjimo, darbuose. Tiesą sakant, tuo metu abi mokyklos, Kano ir Tosa, buvo glaudžiai susijusios, jas vienijo domėjimasis šiuolaikiniu gyvenimu. Motonobu Kano (1476–1559), vienas iškiliausių šio laikotarpio menininkų, ne tik vedė savo dukrą už garsaus menininko Tosos, bet ir tapė jo maniera.

XV–XVI a. Atsirado vos keli dėmesio verti skulptūros kūriniai. Tačiau reikia pastebėti, kad noo dramos raida su savo nuotaikų ir emocijų įvairove atvėrė skulptoriams naują veiklos lauką - jie drožė aktoriams kaukes. Klasikinėje japonų dramoje, kurią vaidina aristokratija, aktoriai (vienas ar keli) dėvėjo kaukes. Jie perteikė įvairius jausmus nuo baimės, nerimo ir sumaišties iki santūraus džiaugsmo. Kai kurios kaukės buvo taip gražiai išraižytos, kad menkiausias aktoriaus galvos pasukimas sukėlė subtilius jausmų raiškos pokyčius. Įspūdingi šių kaukių pavyzdžiai daugelį metų buvo saugomi šeimose, kurių nariams jos buvo pagamintos.

Momoyama laikotarpis

(1568–1615). 1593 m. didysis karinis diktatorius Hideyoshi pastatė savo pilį ant Momoyama, „Persikų kalno“, ir šiuo pavadinimu 47 metų laikotarpis nuo Ašikagos šogunato žlugimo iki Tokugavos, arba Edo, įkūrimo 1615 m. priimtas, tai buvo visiškai naujos karinės klasės, kurios dideli turtai prisidėjo prie meno klestėjimo, dominavimo metas. Įspūdingos pilys su didžiulėmis publikos salėmis ir ilgais koridoriais atėjo į madą XVI amžiaus pabaigoje. ir reikalavo jų didybę atitinkančių dekoracijų. Tai buvo griežtų ir drąsių žmonių metas, o naujieji mecenatai, skirtingai nei ankstesnė aristokratija, ne itin domėjosi intelektualiniais ieškojimais ar amato subtilybėmis. Laimei, naujoji menininkų karta buvo gana nuosekli su savo mecenatais. Per šį laikotarpį pasirodė nuostabūs ekranai ir kilnojamos plokštės ryškiai tamsiai raudonos, smaragdo, žalios, violetinės ir mėlynos spalvos. Tokios ryškios spalvos ir dekoratyvinės formos, dažnai aukso ar sidabro fone, buvo labai populiarios šimtą metų, o jų kūrėjai buvo teisingai vadinami „didžiaisiais dekoratoriais“. Dėl subtilaus japoniško skonio sodrus stilius neperaugo į vulgarumą, o net santūrumui ir neįvertinimui užleidus vietą prabangai ir dekoratyviems pertekliams, japonai sugebėjo išlaikyti eleganciją.

Eitoku Kano (1543–1590), vienas pirmųjų šio laikotarpio didžiųjų menininkų, kūrė Kano ir Tosos stilius, praplėsdamas pirmojo piešimo koncepcijas ir derindamas jas su pastarųjų spalvų turtingumu. Nors išlikę tik keli darbai, kuriuos galima drąsiai priskirti Eitokui, jis laikomas vienu iš Momoyama stiliaus pradininkų, o dauguma šio laikotarpio menininkų buvo jo mokiniai arba buvo jo paveikti.

Edo arba Tokugawa laikotarpis

(1615–1867). Ilgas taikos laikotarpis, atėjęs po naujai suvienytos Japonijos, vadinamas arba Tokugavos laiku, valdovo pavardės, arba Edo (šiuolaikinis Tokijas), nes 1603 m. šis miestas tapo naujuoju valdžios centru. Du garsūs trumpo Momoyama laikotarpio generolai Oda Nobunaga (1534–1582) ir Toyotomi Hideyoshi (1536–1598) kariniais veiksmais ir diplomatija pagaliau sugebėjo sutaikyti galingus klanus ir karingus dvasininkus. 1598 m. mirus Hideyoshi valdžiai perėjo Ieyasu Tokugawa (1542–1616), kuris užbaigė bendrai pradėtą ​​veiklą. Lemiamas Sekigaharos mūšis 1600 m. sustiprino Ieyasu pozicijas 1615 m., kai žlugo Oska pilis, kartu sugriuvo Hideyoshi namas ir įsigalėjo nedaloma Tokugavos šogunato valdžia.

Taikus Tokugavos viešpatavimas truko 15 kartų ir baigėsi tik XIX a. Tai daugiausia buvo „uždarų durų“ politikos laikotarpis. 1640 dekretas uždraudė užsieniečiams atvykti į Japoniją, o japonai negalėjo keliauti į užsienį. Vienintelis komercinis ir kultūrinis ryšys buvo su olandais ir kinais per Nagasakio uostą. Kaip ir kitais izoliacijos laikotarpiais, augo tautiniai jausmai, o XVII amžiaus pabaigoje atsirado XVII a. vadinamoji žanrinės tapybos ir graviūros mokykla.

Sparčiai auganti Edo sostinė tapo ne tik salos imperijos politinio ir verslo gyvenimo, bet ir meno bei amatų centru. Reikalavimas, kad provincijos feodalai daimijai būtų sostinėje tam tikrą kiekvienų metų dalį, sukėlė naujų pastatų, įskaitant rūmus, poreikį, taigi ir menininkams, kurie juos puoštų. Tuo pačiu metu besiformuojanti turtingų, bet ne aristokratiškų pirklių klasė suteikė menininkams naują ir dažnai neprofesionalią globą.

Ankstyvojo Edo laikotarpio menas iš dalies tęsia ir plėtoja Momoyama stilių, stiprindamas jo tendencijas į prabangą ir puošnumą. Iš ankstesnio laikotarpio paveldėtas keistų vaizdų ir polichromijos turtingumas toliau vystosi. Šis dekoratyvinis stilius savo viršūnę pasiekė paskutiniame XVII amžiaus ketvirtyje. vadinamojoje Tokugavos laikotarpio Genroku era (1688–1703). Japonijos dekoratyviniame mene ji neturi paralelės ekstravagantiškumu ir spalvų turtingumu bei dekoratyviniais motyvais tapyboje, audiniuose, lakuose, meninėse detalėse – prabangaus gyvenimo būdo atributuose.

Kadangi kalbame apie gana vėlyvą istorijos laikotarpį, nenuostabu, kad išliko daugybės menininkų pavardės ir jų kūriniai; Čia galima įvardyti tik keletą iškiliausių. Dekoratyvinės mokyklos atstovai, gyvenę ir dirbę Momoyama ir Edo laikotarpiais, yra Honnami Koetsu (1558–1637) ir Nonomura Sotatsu (m. 1643). Jų darbai demonstruoja nepaprastą dizaino, kompozicijos ir spalvų pojūtį. Koetsu, talentingas keramikas ir lakuotojas, garsėjo savo kaligrafijos grožiu. Kartu su Sotatsu jie kūrė eilėraščius ant ritinių, kurie tuo metu buvo madingi. Šiame literatūros, kaligrafijos ir tapybos derinyje vaizdai nebuvo paprastos iliustracijos: jie kūrė arba siūlė teksto suvokimą atitinkančią nuotaiką. Ogata Korin (1658–1716) buvo vienas iš dekoratyvinio stiliaus paveldėtojų ir kartu su jaunesniuoju broliu Ogatu Kenzanu (1663–1743) ištobulino jo techniką. Kenzanas, geriau žinomas kaip keramikas nei kaip menininkas, šaudė indus su savo garsaus vyresniojo brolio piešiniais. Šios mokyklos atgimimas XIX amžiaus pradžioje. poeto ir dailininko Sakai Hoitsu (1761–1828) buvo paskutinis dekoratyvinio stiliaus bangavimas. Gražūs Horitsu ritinėliai ir ekranai sujungė Korino dizaino pojūtį su domėjimusi gamta, būdingu Maruyama mokyklos natūralizmui, išreikštu ankstesniam laikotarpiui būdingu spalvų ir dekoratyvinių motyvų turtingumu, kurį sušvelnino teptuko puošnumas ir grakštumas.

Kartu su polichrominiu dekoratyviniu stiliumi ir toliau buvo populiarus tradicinis Kano mokyklos piešinys tušu. 1622 m. Kanō Tan'yu (1602–1674) buvo paskirtas šoguno teismo dailininku ir pakviestas į Edo. Jį paskyrus į šias pareigas ir įkūrus Kano tapybos mokyklą Edo mieste, Kobikito mieste, prasidėjo pusę amžiaus trukęs šios tradicijos meninės lyderystės laikotarpis, sugrąžinęs Kano šeimą į iškilią vietą ir pavertęs kūrinius Edo laikotarpis reikšmingiausias Kano tapyboje. Nepaisant auksu ir ryškiomis spalvomis nudažytų ekranų populiarumo, sukurtų „didžiųjų dekoratorių“ ir varžovų, Tanyu dėl savo talento tvirtumo ir oficialios padėties sugebėjo atgaivintos Kano mokyklos paveikslą išpopuliarinti tarp aukštuomenės. Prie tradicinių Kano mokyklos bruožų Tanyu pridėjo galios ir paprastumo, paremto standžia laužta linija ir apgalvotu kompozicinių elementų išdėstymu dideliame laisvame paviršiuje.

Nauja kryptis, kurios pagrindinis bruožas buvo domėjimasis gamta, pradėjo vyrauti XVIII amžiaus pabaigoje. Naujosios mokyklos vadovas Maruyama Okyo (1733–1795) buvo valstietis, vėliau tapo dvasininku ir galiausiai menininku. Pirmosios dvi studijos jam neatnešė nei laimės, nei sėkmės, tačiau kaip menininkas pasiekė didelių aukštumų ir yra laikomas realistinės Maruyamos mokyklos įkūrėju. Mokėsi pas Kano mokyklos meistrę Ishida Yutei (m. apie 1785 m.); Remdamasis importuotomis olandų graviūromis, jis išmoko vakarietiškos perspektyvinio vaizdavimo technikos, o kartais šias graviūras tiesiog nukopijuodavo. Jis taip pat studijavo kinų stilius iš Song ir Yuan dinastijų, įskaitant subtilų ir tikrovišką Chen Xuan (1235–1290) ir Shen Nanping stilių; pastarasis XVIII amžiaus pradžioje gyveno Nagasakyje. Ōkyo padarė daug darbų iš gyvenimo, o jo moksliniai stebėjimai buvo gamtos suvokimo pagrindas, kuriuo buvo grindžiama Maruyama mokykla.

Be domėjimosi natūralizmu XVIII a. atnaujinta kinų meno tradicijos įtaka. Šio judėjimo atstovai patraukė į Ming (1368–1644) ir Čing (1644–1912) epochų menininkų-mokslininkų tapybinę mokyklą, nors jų idėjos apie šiuolaikinę meno būklę Kinijoje tikriausiai buvo ribotos. Šios japonų mokyklos menas buvo vadinamas bujinga (išsilavinusių žmonių menas). Vienas įtakingiausių bujingos stiliumi dirbusių menininkų buvo Ikeno Taiga (1723–1776), žymus menininkas ir kaligrafas. Jo brandžiam stiliui būdingos storos kontūrinės linijos, užpildytos lengvais plunksniniais šviesių tonų ir rašalo potėpiais; Jis taip pat tapė plačiais, laisvais juodo rašalo potėpiais, vaizduodamas vėjo ir lietaus sulenktus bambuko kamienus. Trumpomis lenktomis linijomis jis pasiekė graviravimo efektą, vaizduojant ūkanotus kalnus virš ežero, apsupto miško.

XVII a pagimdė dar vieną nuostabų Edo laikotarpio meno judėjimą. Tai vadinamosios ukiyo-e (kintančio pasaulio nuotraukos) – paprastų žmonių kuriamos žanrinės scenos. Ankstyvieji ukiyo-e pasirodė senojoje Kioto sostinėje ir daugiausia buvo vaizdingi. Tačiau netrukus jų gamybos centras persikėlė į Edą, o meistrų dėmesys sutelktas į medžio raižinį. Glaudus medžio blokelių atspaudų ryšys su ukiyo-e lėmė klaidingą nuomonę, kad medžio blokelių atspaudai buvo šio laikotarpio atradimas; iš tikrųjų ji atsirado dar XI amžiuje. Tokie ankstyvieji vaizdai buvo votyvinio pobūdžio, vaizduojantys budizmo pradininkus ir dievybes, o Kamakuros laikotarpiu kai kurie pasakojimo ritiniai buvo atkuriami iš raižytų luitų. Tačiau graviūros menas ypač išpopuliarėjo XVII–XIX amžiaus viduryje.

Ukiyo-e spaudinių objektai buvo gražios linksmų rajonų kurtizanės, mėgstami aktoriai ir dramų scenos. Ankstyvas, vadinamasis Primityvios graviūros buvo atliktos juodos spalvos, su stipriomis ritmingomis banguotomis linijomis ir pasižymėjo paprastu dizainu. Kartais jie buvo dažomi rankomis oranžinės raudonos spalvos, vadinamos tan-e (ryškiai raudoni paveikslai), su garstyčių geltonos ir žalios spalvos ženklais. Kai kurie „primityvūs“ menininkai naudojo tapybą rankomis, vadinamą urushu-e (tapyba laku), kai tamsios vietos buvo sustiprintos ir pašviesintos pridedant klijų. Ankstyvas kelių spalvų spaudinys, pasirodęs 1741 arba 1742 m., buvo vadinamas benizuri-e (raudonos spalvos spauda) ir dažniausiai naudojo tris spalvas - rožinę raudoną, žalią ir kartais geltoną. Tikrai kelių spalvų spaudiniai, naudojantys visą paletę ir vadinami nishiki-e (brokatiniai vaizdai), pasirodė 1765 m.

Daugelis graviruotojų ne tik kūrė atskirus spaudinius, bet ir iliustravo knygas ir užsidirbo pinigų gamyboje erotines iliustracijas knygose ir ritiniuose. Reikėtų nepamiršti, kad ukiyo-e graviūrą sudarė trijų rūšių veikla: tai buvo braižytojo, kurio vardas yra spaudinys, drožėjas ir spausdintuvas, darbas.

Hishikawa Moronobu (apie 1625–1694) laikomas ukiyo-e grafikos tradicijos pradininku. Kiti „primityvūs“ šio judėjimo menininkai yra Kiyomasu (1694–1716) ir Kaigetsudo grupė (keista menininkų draugija, kurios egzistavimas lieka neaiškus), taip pat Okumura Masanobu (1686–1764).

Pereinamojo laikotarpio menininkai, kūrę benizuri-e spaudinius, buvo Ishikawa Toyonobu (1711–1785), Torii Kiyohiro (aktyvus apie 1751–1760) ir Torii Kiyomitsu (1735–1785).

Suzuki Harunobu (1725–1770) darbai pradėjo polichrominės graviūros erą. Švelniomis, beveik neutraliomis spalvomis pripildyti, grakščių damų ir galantiškų meilužių apgyvendinti Harunobu piešiniai sulaukė didžiulės sėkmės. Maždaug tuo pačiu metu su juo dirbo Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) ir Kitagawa Utamaro (1753–1806). Kiekvienas iš jų prisidėjo prie šio žanro plėtros; meistrai iki tobulumo ištobulino graviūras, vaizduojančias grakščias gražuoles ir žinomus aktorius. Per kelis mėnesius 1794–1795 m. paslaptingasis Tosusai Saraku sukūrė stulbinančiai galingus ir atvirai žiaurius to meto aktorių portretus.

Pirmaisiais XIX a. žanras buvo pasiekęs brandą ir ėmė nykti. Katsushika Hokusai (1760–1849) ir Ando Hiroshige (1797–1858) – didžiausi epochos meistrai, kurių kūryba sieja graviūros meno nuosmukį XIX a. pradžioje ir naujas jos atgimimas. Abu pirmiausia buvo peizažistai, kurie savo graviūrose užfiksavo šiuolaikinio gyvenimo įvykius. Puikus drožėjų ir spaustuvininkų technikos įvaldymas leido graviruojant perteikti įnoringas linijas ir menkiausius besileidžiančios saulės ar auštant kylančio rūko atspalvius.

Meiji restauracija ir modernusis laikotarpis.

Dažnai atsitinka, kad tam tikros tautos senovės menas yra skurdus vardų, datų ir išlikusių kūrinių, todėl bet kokius sprendimus galima priimti tik labai atsargiai ir sąlygiškai. Tačiau ne mažiau sunku spręsti apie šiuolaikinį meną, nes iš mūsų atimama istorinė perspektyva teisingai įvertinti bet kurio judėjimo ar menininko ir jo kūrybos mastą. Japonijos meno studijos nėra išimtis, o daugiausia, ką galima padaryti, tai pateikti šiuolaikinio meno panoramą ir padaryti preliminarias išvadas.

antroje pusėje XIX a. Japonijos uostai vėl buvo atidaryti prekybai, o politinėje arenoje įvyko didelių pokyčių. 1868 metais buvo panaikintas šogunatas ir atkurta imperatoriaus Meiji valdžia. Oficiali imperatoriaus sostinė ir rezidencija buvo perkelta į Edo, o pats miestas tapo žinomas kaip Tokijas (rytų sostinė).

Kaip ir praeityje, tautinės izoliacijos pabaiga sukėlė didelį susidomėjimą kitų tautų pasiekimais. Tuo metu japonai padarė didžiulį šuolį mokslo ir technologijų srityje. Meniškai Meiji eros pradžia (1868–1912 m.) rodo, kad priimta viskas, kas vakarietiška, įskaitant technologijas. Tačiau šis uolumas truko neilgai, o po jo sekė asimiliacijos laikotarpis, naujų formų atsiradimas, derinantis grįžimą prie savų tradicijų ir naujų vakarietiškų tendencijų.

Žymūs menininkai buvo Kano Hogai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seiho (1864–1924) ir Tomioka Tessai (1836–1942). Pirmieji trys laikėsi tradicinio japoniško stiliaus ir temos, nors ir siekė būti originalūs savo nuotaika ir technika. Pavyzdžiui, Seiho dirbo ramioje ir konservatyvioje Kioto atmosferoje. Ankstyvieji jo darbai buvo sukurti natūralistiniu Maruyama stiliumi, tačiau vėliau jis daug keliavo po Kiniją ir buvo stipriai paveiktas kinų tapybos tušu. Jo kelionės į muziejus ir pirmaujančius meno centrus Europoje taip pat paliko pėdsaką jo kūryboje. Iš visų iškilių šių laikų menininkų tik vienas Tomioka Tessai priartėjo prie naujo stiliaus kūrimo. Energinguose ir galinguose jo darbuose derinamos grubios, vingiuotos, dantytos linijos ir juodo rašalo dėmės su smulkiai perteiktais spalvų ploteliais. Vėlesniais metais kai kuriems jauniems aliejiniais tapytojais pasisekė ten, kur nepasisekė jų seneliai. Pirmieji bandymai dirbti su šia neįprasta medžiaga priminė paryžietiškas drobes ir nepasižymėjo nei ypatinga verte, nei konkrečiai japoniškais bruožais. Tačiau dabar kuriami išskirtinio patrauklumo kūriniai, kuriuose per abstrakčias temas šviečia būdingas japonų spalvos ir nuosaikos pojūtis. Kiti menininkai, dirbdami su natūralesniu ir tradiciniu rašalu, o kartais kaip pradinį motyvą naudodami kaligrafiją, kuria energingus abstrakčius darbus ryškiomis juodomis spalvomis su pilkais atspalviais.

Kaip ir Edo laikotarpiu, XIX–XX a. skulptūra nebuvo populiari. Tačiau ir šioje srityje labai sėkmingai eksperimentavo šiuolaikinės kartos atstovai, studijavę Amerikoje ir Europoje. Nedidelės bronzinės skulptūros, abstrakčios formos ir keistais pavadinimais, rodo japonišką linijos ir spalvų pojūtį, ryškų naudojant švelniai žalią ar šiltą rudą patiną; Medžio drožyba liudija japonų meilę medžiagos tekstūrai.

Sosaku hanga, japonų „kūrybinis spaudinys“, atsirado tik pirmajame XX amžiaus dešimtmetyje, tačiau kaip ypatingas meno judėjimas užtemdė visas kitas modernaus meno sritis. Šis modernus medžio blokelių spaudinys, griežtai tariant, nėra senesnio ukiyo-e medžio blokelių spaudinio įpėdinis; jie skiriasi stiliumi, temomis ir kūrimo metodais. Menininkai, kurių daugelis patyrė didelę Vakarų tapybos įtaką, pripažino savo meninio paveldo svarbą ir rado medieną tinkamą medžiagą savo kūrybiniams idealams išreikšti. Hangų meistrai ne tik piešia, bet ir drožia atvaizdus ant medinių kaladėlių, patys juos margina. Nors aukščiausi pasiekimai šioje meno formoje siejami su medžio dirbiniais, naudojamos visos šiuolaikinės vakarietiškos graviūros technikos. Eksperimentuodami su lapais, virvelėmis ir „rasti objektais“ kartais galima sukurti unikalius paviršiaus tekstūros efektus. Iš pradžių šio judėjimo meistrai buvo priversti siekti pripažinimo: juk net geriausi ukiyo-e mokyklos pasiekimai intelektualiems menininkams buvo siejami su neraštinga minia ir laikė plebėjų menu. Tokie menininkai kaip Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi ir Maekawa Senpan daug nuveikė, kad sugrąžintų pagarbą spaudai ir taptų verta vaizduojamojo meno šaka. Į savo grupę jie pritraukė daug jaunų menininkų, o graverių dabar – šimtai. Tarp šios kartos meistrų, pelniusių pripažinimą Japonijoje ir Vakaruose, yra Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen ir Saito Kiyoshi. Tai meistrai, kurių naujovės ir neabejotinas talentas pelnė jiems deramą vietą tarp pirmaujančių Japonijos menininkų. Daugelis jų bendraamžių ir kitų jaunesnių hangos menininkų taip pat kūrė nuostabius spaudinius; Tai, kad čia neminome jų pavardžių, nereiškia žemo jų darbo įvertinimo.

DEKORATYVINIAI MENAI, ARCHITEKTŪRA IR SODAI

Ankstesniuose skyriuose daugiausia buvo kalbama apie tapybą ir skulptūrą, kurios daugumoje šalių laikomos pagrindinėmis vaizduojamojo meno rūšimis. Gali būti nesąžininga straipsnio pabaigoje įtraukti dekoratyvinį meną ir liaudies amatus, sodo meną ir architektūrą – formas, kurios buvo svarbi ir neatsiejama japonų meno dalis. Tačiau, išskyrus galbūt architektūrą, jiems reikia ypatingo dėmesio, išskyrus bendrą japonų meno periodizaciją ir stiliaus pokyčius.

Keramika ir porcelianas.

Svarbiausi menai ir amatai Japonijoje yra keramika ir porcelianas. Keramikos menas natūraliai skirstomas į dvi kategorijas. Puikus polichrominis Imari, Nabeshima ir Kakiemon porcelianas gavo savo pavadinimą iš gamybos vietų, o jo turtinga tapyba ant kreminio ar melsvai balto paviršiaus buvo skirta aukštuomenei ir dvaro sluoksniams. Tikro porceliano gamybos procesas Japonijoje tapo žinomas XVI amžiaus pabaigoje arba XVII amžiaus pradžioje; lėkštės ir dubenys su lygia glazūra, su asimetrišku ar brokato raštu, yra vertinami tiek namuose, tiek Vakaruose.

Skirtingai nuo porceliano, šiurkščiuose induose, pagamintuose iš žemos kokybės molio ar akmens masės, būdingų Shino, Oribe ir Bizen, dėmesys sutelkiamas į medžiagą, iš pažiūros neatsargų, bet apgalvotą dekoratyvinių elementų išdėstymą. Įtakoti dzenbudizmo koncepcijos, tokie indai buvo labai populiarūs intelektualų sluoksniuose ir buvo plačiai naudojami, ypač arbatos ceremonijose. Daugybė puodelių, arbatinukų ir arbatinukų, arbatos ceremonijos meno atributų, įkūnijo pačią dzenbudizmo esmę: griežtą savidiscipliną ir griežtą paprastumą. Japonijos dekoratyvinio meno klestėjimo laikais talentingi menininkai Korinas ir Kenzanas užsiėmė keramikos gaminių dekoravimu. Reikia atsiminti, kad Kenzano šlovė labiau siejama su keramiko, o ne tapytojo talentu. Kai kurie iš paprasčiausių indų tipų ir technikų kilę iš liaudies amatų tradicijų. Šiuolaikinės dirbtuvės, tęsdamos senas tradicijas, gamina gražius gaminius, kurie džiugina elegantišku paprastumu.

Lako gaminiai.

Jau VII–VIII a. lakas buvo žinomas Japonijoje. Nuo šių laikų buvo išsaugoti dėžučių dangteliai, puošti žmonių atvaizdais ir plonomis aukso linijomis užteptais geometriniais motyvais. Jau kalbėjome apie sauso lakavimo technikos svarbą skulptūrai VIII ir IX amžiuje; tuo pat metu ir vėliau buvo gaminami dekoratyviniai daiktai, tokie kaip dėžutės laiškams ar dėžutės smilkalams. Edo laikotarpiu šie gaminiai buvo gaminami dideliais kiekiais ir su prabangiausia apdaila. Prabangiai dekoruotos pietų, pyragų, smilkalų ir vaistų dėžutės, vadinamos inro, atspindėjo šiam laikui būdingą turtą ir meilę prabangai. Daiktų paviršius puoštas aukso ir sidabro miltelių raštais, aukso folijos gabalėliais, atskirai arba kartu su įdėklais su kriauklelėmis, perlamutru, alavo ir švino lydiniu ir kt.; šie raštai kontrastavo su lakuotu raudonu, juodu ar rudu paviršiumi. Kartais piešinius lakams darė menininkai, pavyzdžiui, Korinas ir Koetsu, tačiau mažai tikėtina, kad jie asmeniškai dalyvavo šiuose darbuose.

Kardai.

Japonai, kaip jau buvo sakyta, ilgą savo istorijos laikotarpį buvo karių tauta; ginklai ir šarvai buvo laikomi būtinybe didelei daliai gyventojų. Kardas buvo vyro pasididžiavimas; tiek pati geležtė, tiek visos kitos kardo dalys, ypač kotas (tsuba), buvo dekoruotos įvairia technika. Tsuba, pagaminta iš geležies arba bronzos, buvo puošiama aukso ir sidabro įdėklais, padengta raižiniais arba apipjaustyta abiem. Juose buvo vaizduojami peizažai arba žmonių figūros, gėlės ar šeimos herbai (mon). Visa tai papildė kardų kūrėjų darbą.

Audiniai.

Gausiai marginti šilkai ir kiti audiniai, rūmų ir dvasininkų mėgstami gausybės ir gausos laikais, taip pat paprasti audiniai su beveik primityviu piešiniu, būdingu liaudies menui, taip pat yra nacionalinio japonų talento išraiška. Prabangioje Genroku eroje pasiekęs piką tekstilės menas vėl suklestėjo šiuolaikinėje Japonijoje. Joje sėkmingai derinamos Vakarų idėjos ir dirbtiniai pluoštai su tradicinėmis spalvomis ir dekoratyviniais motyvais.

Sodai.

Pastaraisiais dešimtmečiais susidomėjimas japoniškais sodais ir architektūra išaugo dėl padidėjusio Vakarų visuomenės susidomėjimo šiomis meno formomis. Sodai Japonijoje užima ypatingą vietą; jie yra aukštų religinių ir filosofinių tiesų išraiška ir simbolis, o šie neaiškūs, simboliniai atspalviai kartu su akivaizdžiu sodų grožiu patraukia Vakarų pasaulio susidomėjimą. Negalima sakyti, kad religinės ar filosofinės idėjos buvo pagrindinė sodų kūrimo priežastis, tačiau planuodama ir kurdama sodą menininkė planuotoja atsižvelgė į tokius elementus, kurių apmąstymas paskatintų žiūrovą susimąstyti apie įvairias filosofines tiesas. Čia kontempliatyvusis dzenbudizmo aspektas yra įkūnytas neįprastų akmenų, grėbto smėlio ir žvyro bangų, sujungtų su velėna, arba augalų, išdėstytų taip, kad už jų išnyksta ir vėl atsiranda upelis, grupė, kuri skatina žiūrovą užbaigti statybos ketinimus. sodo idėjos. Pirmenybė neaiškioms užuominoms, o ne aiškiems paaiškinimams, būdinga dzen filosofijai. Šių idėjų tęsinys yra nykštukiniai bonsai medžiai ir maži sodai vazonuose, dabar populiarūs Vakaruose.

Architektūra.

Pagrindiniai Japonijos architektūros paminklai yra šventyklos, vienuolynų kompleksai, feodalinės pilys ir rūmai. Nuo seniausių laikų iki šių dienų mediena buvo pagrindinė statybinė medžiaga ir daugiausia lemia dizaino ypatybes. Seniausi religiniai pastatai yra nacionalinės japonų religijos šintoizmo šventovės; sprendžiant iš tekstų ir brėžinių, tai buvo gana paprasti statiniai su šiaudiniu stogu, tarsi senoviniai būstai. Šventyklų pastatai, pastatyti po budizmo plitimo ir su juo susiję, buvo paremti kinų prototipais savo stiliumi ir išdėstymu. Budistų šventyklų architektūra laikui bėgant kito, o pastatų apdaila ir išdėstymas įvairiose sektose skyrėsi. Japonijos pastatai išsiskiria didžiulėmis salėmis su aukštais stogais ir sudėtingomis konsolių sistemomis, o jų dekoras atspindėjo savo laikmečio skonį. Paprasta ir didinga Horyuji komplekso, pastatyto netoli Naros 7 amžiaus pradžioje, architektūra yra tokia pat būdinga Asuka laikotarpiui, kaip ir Hudo, Udži „Fenikso salės“ proporcijų grožis ir elegancija, atsispindintys Lotoso ežere. , yra Heiano laikotarpio. Įmantresni Edo laikotarpio pastatai įgavo papildomą puošybą – gausiai nudažytų stumdomų durų ir širmų pavidalu, pagamintų tų pačių „didžiųjų dekoratorių“, kurie puošė pilių su grioviais ir feodalų rūmų interjerus.

Japonijos architektūra ir sodai yra taip glaudžiai susiję, kad gali būti laikomi vienas kito dalimis. Tai ypač pasakytina apie pastatus ir sodo namelius, skirtus arbatos ceremonijai. Jų atvirumas, paprastumas ir kruopštus santykis su kraštovaizdžiu ir perspektyva turi didelę įtaką šiuolaikinei Vakarų architektūrai.

JAPONIŠKO MENO ĮTAKA VAKARUOSE

Vos per vieną šimtmetį Japonijos menas tapo žinomas Vakaruose ir padarė jam didelę įtaką. Buvo ir anksčiau kontaktų (pavyzdžiui, olandai su Japonija prekiavo per Nagasakio uostą), tačiau XVII amžiuje Europą pasiekę objektai daugiausia buvo taikomosios dailės kūriniai – porcelianas ir lako dirbiniai. Jie buvo noriai renkami kaip įdomybės ir įvairiais būdais kopijuojami, tačiau šis dekoratyvinis eksportas neatspindėjo japonų meno esmės ir kokybės ir netgi suteikė japonams nepakartojamą vakarietiško skonio idėją.

Pirmą kartą Vakarų tapyba buvo tiesiogiai paveikta japonų meno Europoje 1862 m. per didžiulę tarptautinę parodą Londone. Po penkerių metų Paryžiaus parodoje pristatyti japoniški medžio blokelių spaudiniai vėl sukėlė didelį susidomėjimą. Iš karto atsirado keletas privačių graviūrų kolekcijų. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh ir kiti japonų spalvotus spaudinius suvokė kaip apreiškimą; Dažnai pastebima menka, bet visada atpažįstama japonų spaudinių įtaka impresionistams. Amerikietes Whistler ir Mary Cassatt patraukė santūrios linijos ir ryškios ukiyo-e spaudinių ir paveikslų spalvų dėmės.

Japonijos atvėrimas užsieniečiams 1868 m. sukėlė pamišimą dėl visko, kas vakarietiška, ir paskatino japonus nusigręžti nuo savo turtingos kultūros ir meno paveldo. Tuo metu daug gražių paveikslų ir skulptūrų buvo parduota ir pateko į Vakarų muziejus bei privačias kolekcijas. Šių objektų parodos supažindino Vakarus su Japonija ir paskatino domėtis kelionėmis į Tolimuosius Rytus. Žinoma, Japoniją okupavus amerikiečių kariuomenei Antrojo pasaulinio karo pabaigoje, atsirado daugiau galimybių nei anksčiau tyrinėti ir sužinoti daugiau apie Japonijos šventyklas ir jų lobius. Šis susidomėjimas atsispindėjo lankant Amerikos muziejus. Susidomėjimas Rytais apskritai sužadino Japonijos meno kūrinių, atrinktų iš Japonijos viešųjų ir privačių kolekcijų ir atvežtų į Ameriką bei Europą, parodų organizavimą.

Pastarųjų dešimtmečių moksliniai tyrimai daug nuveikė, kad paneigtų nuostatą, kad japonų menas yra tik Kinijos meno atspindys, o daugybė Japonijos leidinių anglų kalba supažindino Vakarus su Rytų idealais.



Japonija – labai įdomi valstybė, žinoma dėl įvairiausių tradicijų ir papročių. Dėl Tekančios saulės žemės geografinės padėties ji buvo šiek tiek izoliuota nuo kitų valstybių, todėl ji vystėsi neatsižvelgiant į Europos šalis. Japonijos kultūra yra nepaprastai turtinga ir įvairi. Unikalios japonų tradicijos susiformavo veikiant istoriškai svarbiems įvykiams. Japonija pamažu virto galinga, vieninga valstybe su būdingais bruožais ir tam tikru gyventojų mentalitetu.

Pagrindiniai japonų kultūros aspektai

Šalies kultūra pasireiškia daugelyje visuomenės sferų. Japonijoje jos aspektai yra;

Arbatos gėrimo procesas japonams yra ne paprastas fiziologinių organizmo poreikių tenkinimas, o tikras kultas. Arbatos ceremoniją Japonijoje lydi ypatinga atributika ir gausu tradicijų. Atrodytų, toks pagarbus požiūris į kasdienį procesą kilo iš budistų vienuolių meditacijos. Jie yra tie, kurie suteikė tiek daug reikšmės arbatos gėrimo procesui.

Europiečiams „kimono“ sąvoka apibūdina nacionalinius Japonijos drabužius. Tačiau pačioje tekančios saulės šalyje yra dvi šio žodžio reikšmės – siaurąja ir plačiąja prasme. Žodis „kimono“ Japonijoje reiškia ne tik tautinį kostiumą, bet ir apskritai visus drabužius. Po kimono, kaip taisyklė, dėvimas specialus chalatas ir septyni diržai. Vasarą dėvimas kimono vadinamas yukata. Priklausomai nuo moters amžiaus, drabužių modelis gali skirtis.

Japonijoje vienu metu sėkmingai skelbiami du religiniai judėjimai – šintoizmas ir budizmas. Šintoizmas atsirado senovės Japonijoje, jis remiasi įvairių būtybių garbinimu. Savo ruožtu budizmas yra padalintas į keletą atmainų. Japonijoje yra daug mokyklų, propaguojančių vieną ar kitą budizmo judėjimą.

Alpinariumai yra ypač svarbūs japonų kultūrai. Jie – ne tik turistų dėmesį patraukiantis architektūrinis kūrinys, bet ir dvasinio augimo vieta. Čia japonai randa nušvitimą, apmąstydami akmenines konstrukcijas, išdėstytas specialia tvarka. Alpinariumai apima specifinį dizainą, kurį gali išnarplioti tik apsišvietęs žmogus.

„Tango no sekku“ yra šventė berniukų garbei. Ji skirta ne tik visiems mažiems vyriškos lyties atstovams, bet ir visos Japonijos žmonių vyriškumui bei stiprybei. Įprasta šventę švęsti pavasarį, kai gamta bunda ir džiugina savo grožiu. Tango no Sekku dieną berniukais rūpinasi jų tėvai. Tėvas turi papasakoti savo sūnui apie visus japonų karius ir jų žygdarbius. O stalą jam gardžiais valgiais padengia mama.

Vyšnių žiedai laikomi gražiausiu gamtos reiškiniu. Daugelis turistų čia atvyksta būtent norėdami pasimėgauti žydinčio augalo apmąstymu. Pavasarį Japonijos parkuose galima išvysti dideles minias žmonių. Daugelis šeimų vyksta iškylose ir stebi japoniškų vyšnių grožį.

Viena iš unikalių šalies tradicijų – nusilenkimas. Jie įkūnija gero elgesio taisykles. Japonams nėra įprasta atsisveikinti, jie nusilenkia tiek kartų, kiek pašnekovas.

Samurajus atstovauja tam tikrai visuomenės klasei, kuri susiformavo tradicijų ir papročių įtakoje. Jis turi tiesioginį ryšį su šalies kultūra. Samurajus yra kariai, atliekantys tam tikrą tarnybą, kuri gali būti karinė, saugumo ar buitinė. Bet kuriuo iš šių atvejų samurajus įkūnija Japonijos žmonių drąsą, vyriškumą ir kilnumą.

Senovės Japonijos kultūros formavimosi procesas

Senovės Japonijos kultūra pradėjo vystytis gimus japonų kalbai ir raštui. Tekančios saulės žemė tam pagrindą pasiskolino iš Kinijos. Japonų raštuose taip pat yra hieroglifų, kurių užsienio pilietis negalės suprasti. Laikui bėgant į japonų kalbą pradėjo atsirasti naujų žodžių, garsų ir frazių. Taigi jis buvo visiškai pakeistas, tačiau vis dar galima atsekti bendrų bruožų su Kinija.

Šalies religingumas taip pat siekia senovės laikus. Šintoizmas buvo įvairių mitologijų raidos pasekmė. Šiuo metu šis mokymas propaguoja lyderių ir mirusių žmonių kultą. Budizmas turi tokias gilias šaknis, kad mokslininkų ir istorikų nuomonės apie tokio tipo religijos atsiradimą labai skiriasi.

Japonijos menas

Beveik visos Japonijoje praktikuojamos meno rūšys turi vieną pagrindinę idėją – ramybę ir atsipalaidavimą. Būtent žmogaus harmonijoje su savimi yra menas, nepriklausomai nuo informacijos pateikimo būdo. Daugelis visame pasaulyje žinomų meno rūšių pradėjo vystytis Japonijoje. Tarp jų galime išskirti origami – galimybę iš popieriaus lankstyti įvairias formas.

Kita populiari japonų meno dalis yra ikebana. Tai įgūdis formuoti gėlių puokštes naudojant specialias technologijas. Iš čia atsirado ne mažiau populiari veikla, vadinama bonsai. Tai įvairių kompozicijų kūrimas iš žemaūgių medžių. Omijoje, netoli nuo Tokijo, yra visas Bonsai parkas. Kiekvienas čia pateiktas nykštukas yra unikalus ir savaip gražus.

Japonų tapyba nusipelno ypatingos reikšmės, nes kiekvienas paveikslas turi paslėptą prasmę. Paprastai kaip dizainas naudojamos ryškios spalvos, kontrastingi perėjimai ir aiškios linijos. Japonijoje taip pat yra kaligrafijos menas. Tai estetiškai gražaus hieroglifų rašymo įgūdis. Taikomoji dailė taip pat plačiai paplitusi Japonijoje. Tokijuje yra visas muziejus, skirtas šiam amatui. Čia galite pamatyti gaminius iš popieriaus, stiklo ar metalo. Ir tai nėra visas šiam tikslui naudojamų medžiagų sąrašas.

Japoniškas interjero dizaino stilius taip pat nusipelno ypatingo dėmesio. Tai apima funkcionalumą ir paprastumą bei vykdymo originalumą. Be to, interjero dizainas turi religinę filosofiją, kaip ir bet kuri kita japonų meno forma.

Japonijos architektūra

Japonijos architektūros statiniai vienaip ar kitaip siejami su religija. Iš pradžių šventyklų pastatuose dažniausiai nebuvo gėlių. Tai lėmė nedažytos medienos naudojimas statybose. Vėliau jie pradėjo naudoti raudonus ir mėlynus atspalvius.

Mediena Japonijoje laikoma pagrindine architektūrinių pastatų medžiaga. Taip yra dėl to, kad šio ištekliaus rezervas šalyje yra gana didelis. Be to, kad mediena gerai praleidžia šilumą ir sugeria drėgmę, ji taip pat yra praktiška įvykus žemės drebėjimams, kurie Japonijoje vyksta gana dažnai. Jei sugriuvus akmeninį namą labai sunku atkurti, tai medinį daug lengviau.

Pagrindinis japonų architektūros bruožas yra lygių geometrinių formų buvimas. Dažniausiai tai yra trikampiai ir stačiakampiai. Beveik neįmanoma rasti lygių ir apvalių linijų bet kurioje struktūroje. Pagrindinis principas, kuriuo japonai įrengia savo namus, yra neatsiejamas namo vidaus ir išorės egzistavimas. Tai taikoma japoniškiems sodams. Jie turėtų būti dekoruoti lygiai tokiu pat stiliumi, kaip ir pats namas. Priešingu atveju jis laikomas bloga forma ir visiškai blogu skoniu. Japonai ypatingą dėmesį skiria savo sodams.

Japonijos muzika

Kalbant apie muzikinį vystymąsi, Japonija žiūrėjo į kitas šalis, naudodama bet kokius muzikos instrumentus. Tačiau vėliau ji jas modernizavo veikiama vietinių skonių ir tradicijų. Pirmasis Japonijos klasikinės muzikos formavimąsi paveikė vietinis Dengaku folkloras, susimaišęs su užsienio įtakomis ir pagimdęs šiuo metu Japonijai pažįstamą muziką.

Religinė klausimo pusė taip pat prisidėjo prie muzikos ištakų. Krikščionybės dėka pradėjo plisti vargonavimas. O budizmas skatino groti fleita.

Šiuo metu Japonijoje išpopuliarėjo klasikinė muzika. Daugelis šios kūrybinės ląstelės atstovų keliauja į užsienį Japonijoje. Tai Goto Midori, Ozawa Seiji ir Uchida Mitsuko. Palyginti neseniai Japonijoje buvo atidarytos salės, skirtos patogiai klausytis klasikinės muzikos. Tai Kiyo salė, Osakos simfoninė salė, Orchard ir kt.

Japonijos buities tradicijos

Japonai yra gero būdo tauta, kuri laikosi savo tradicijų ir papročių. Pagarba su savimi ir kitais elgtis Japonijoje laikoma norma. Nuo vaikystės vaikai mokomi gerų manierų, jiems aiškinamos pagrindinės japonų tautos vertybės, jie visaip ugdomi. Ir visa tai naudinga visuomenei. Kiekvienas turistas, atvykęs į tekančios saulės šalį iš kitos šalies, nustemba, kokie draugiški, draugiški ir išauklėti japonai.

Skirtingai nei Europos šalyse, Japonijoje jau seniai galioja draudimas rūkyti viešose vietose. Tai taikoma ir privačiai nuosavybei. Rūkyti šalia kitų žmonių leidžiama tik jiems davus sutikimą.

Be kita ko, japonai griežtai laikosi visų visuomenės jiems diktuojamų higienos taisyklių. Pavyzdžiui, bet kurioje patalpoje, įskaitant religinius pastatus, yra specialūs šiaudiniai kilimėliai. Jūs negalite vaikščioti ant jų batų, jie laikomi ne tik interjero puošmena, bet ir tikra šventvagyste. Taip pat japonai nusprendė apsisaugoti nuo galimų bakterijų, kurios patenka iš tualeto ant kojų. Bet kurioje viešoje vietoje ir butuose yra specialios tualetui skirtos šlepetės, kurios neleidžia kenksmingiems mikrobams patekti į kitas patalpas.

Japonams valgymas laikomas ne gyvenimo procesu, o tikru kultu. Prieš valgydami japonai visada nusišluosto rankas specialiu vandeniu suvilgytu rankšluosčiu, kuris vadinamas oshibori. Lentelės išdėstymas vyksta ne kokia nors atsitiktine tvarka, o pagal specialų modelį. Net kiekvienas įrenginys turi savo vietą. Japonai juos skirsto į vyriškus ir moteriškus, ir tai jiems labai svarbu. Japonijoje šaukštais valgoma tik o-zoni sriuba, kurią ruošia Naujiesiems metams, likusius pirmuosius patiekalus japonai geria išskirtinai iš specialių dubenėlių. Be to, daužymas lūpomis valgio metu nėra laikomas blogu manieru. Manoma, kad taip geriau atsiskleidžia patiekalo skonis.

Gerų manierų svarbą Japonijoje įrodo šios taisyklės:

• Susitikimo vietą ir laiką būtina tartis iš anksto. Japonijoje vėlavimas laikomas įžūlumu, peržengiančiu padorumo ribas.
• Jūs negalite pertraukti savo pašnekovo, turite kantriai laukti, kol asmuo pasisakys, tada pradėti reikšti savo nuomonę.
• Jei skambinate neteisingu numeriu, turite atsiprašyti.
• Jei kas nors atėjo jums į pagalbą, jūs tikrai turite jam padėkoti.
• Kai kurie japonų svečiai gali būti laikomi garbingais. Jiems netgi skiriama speciali vieta prie stalo, kuris, kaip taisyklė, yra toliausiai nuo įėjimo į kambarį.
• Dovanodami japonams turėtumėte atsiprašyti už kuklumą, nepaisant to, ką tai reiškia. Tai yra taisyklės, jų laužyti nevalia.
• Sėdėdami prie pietų stalo vyrai gali sukryžiuoti kojas, tačiau moterims tai daryti griežtai draudžiama. Kojos turi būti sulenktos ir nukreiptos viena kryptimi.

Taip pat tarp Japonijos kasdienio gyvenimo tradicijų yra pagyvenusių žmonių garbinimas. Nesvarbu, kokia yra žmogaus profesija, pajamos, išvaizda ar charakterio bruožai, jei jis vyresnis, su juo reikia elgtis pagarbiai. Senatvė Japonijoje kelia pagarbą ir pasididžiavimą. Tai reiškia, kad žmogus nuėjo ilgą kelią ir dabar nusipelno garbės.

Pagalba svetainei: paspauskite mygtukus

Himeji yra viena iš seniausių Japonijos pilių

Senovės japonų menas
Japonijos kultūra formavosi ir vystėsi ypatingomis gamtinėmis ir istorinėmis sąlygomis. Japonija yra keturiose didelėse ir daugelyje mažų salų, apsuptų jūrų. Įsikūręs pačiame rytų pakraštyje, jis periodiškai didėjo, o paskui vėl blėso tokių žemyninių kultūrų kaip Kinija ir Korėja įtaka. Po sąveikos su išoriniu pasauliu periodus Japonijos istorijoje sekė ilgi kultūrinės izoliacijos šimtmečiai (laikotarpiai nuo 10 iki 14 a. ir nuo 17 a. iki XIX a. vidurio). Pastaroji aplinkybė prisidėjo prie daugelio unikalių Japonijos kultūros apskritai ir ypač meno bruožų vystymosi ir įtvirtinimo. Pažintis su Vakarų kultūra įvyko XVI amžiuje, kai jau buvo susiformavę pagrindiniai pirminės Japonijos civilizacijos bruožai. Iki 1854 m. Japonija prekiavo su Kinija ir Olandija tik per vieną uostą.

Iš senovės Japonijos salų gyventojų - medžiotojų ir žvejų - archeologinių kasinėjimų metu aptikti akmeniniai kirviai, harpūnai, strėlių antgaliai ir rankų darbo keraminiai indai, kurie buvo pavadinti dėl ant jų įspausto „Jomon“ rašto, kuris reiškia „ virvės pėdsakas“. Todėl neolito kultūra Japonijoje dar vadinama Džomonu. Iš Sibiro, Polinezijos, o vėliau iš Korėjos ir Kinijos atvykę naujakuriai stovėjo skirtingose ​​kultūros raidos stadijose. Tai paaiškina, kad kai kuriuose kultūriniuose sluoksniuose randama ir neolito, ir bronzos amžiaus paminklų. Japonų kalba yra artima Altajaus grupės kalboms. Kai dėl kontaktų su kinų kultūra japonai susipažino su kinų hieroglifų raštu, pasirodė, kad kinų rašmenis pritaikyti žodinei japonų kalbai perteikti buvo labai sunku.

Pradinis japonų kultūros laikotarpis, apie kurį išliko patikimų duomenų, vadinamas kofunų (piliakalnių) - kapų, kurių antžeminė dalis buvo būdingos formos molinis piliakalnis - apskritimo ir trapecijos jungtis, epocha. primenanti rakto skylutę, kuri simbolizavo žemės ir vandens sąjungą. Jie buvo nemažo dydžio, juos supo dvigubas griovys su vandeniu, ant piliakalnio augo žolė, o vidiniu piliakalnio perimetru – tuščiavidurės molinės žmonių, gyvūnų figūrėlės, valčių ir namų maketai nuo 30 cm. iki pusantro metro aukščio. Jie buvo vadinami „haniwa“. Laidojimo kameros viduje buvo karstai su mirusiais bajorų atstovais, kur buvo dedami ritualiniai daiktai: veidrodis, dotaku varpas, kurio skambesys turėjo išbaidyti piktąsias dvasias ir pritraukti dievus – žemdirbių globėjus. Jamato karalių laidotuvėse būtinai buvo tokie ritualiniai galios simboliai kaip nefrito pakabukai ir kardai. Jamato klano karaliams išaukštinti buvo nustatyta istorijos pradžia, nustatyta dievų hierarchija, identifikuota dievybė Amaterasu („Švyti iš dangaus“), kuri valdžią Japonijos salose perdavė Jamato karaliams. klanas. Pavadinimas „Nippon“ arba „Nihon“, reiškiantis „tekančios saulės žemę“, atsirado VII a. 608 metais prasidėjo pažintinės kelionės į Kiniją, kurios tęsėsi daugiau nei du šimtmečius.

Dotaku – ritualiniai bronziniai varpai – į viršų susiaurinti cilindrai, kurių viršuje yra plačios kilpos su figūriniais iškilimais, kurių sienos suskirstytos į kvadratus, užpildytus grafiniais vaizdais

Įvairūs japonų įsitikinimai, turintys daug primityvaus animizmo ir fetišizmo bruožų, atsispindi šintoizme. Šintoizmas („dievų kelias“) iš esmės atspindi japonų idėjas apie visuotinį gamtos dvasingumą. Begalė vadinamųjų „kami“ (dvasių) egzistuoja ir stebuklinguose kraštovaizdžio objektuose, tokiuose kaip Bivos ežeras ir Fudžio kalnas, ir žmonių sukurtuose objektuose – karduose, veidrodžiuose, kurie todėl yra apdovanoti magiškomis savybėmis. Šintoizmo šventykla išsiskyrė medinės konstrukcijos paprastumu: ant polių buvo įrengtas vienvietis kambarys, iš visų pusių apsuptas veranda. Šintoizmo šventyklos viduje buvo tamsu ir tuščia. Tikintieji į šventyklą neįėjo.

Para laikotarpis (645–794 m. po Kr.)

Nara – pirmosios sostinės ir tuo metu vienintelio Japonijos miesto pavadinimas. Tai buvo Japonijos valstybingumo įsikūrimo, budizmo įvedimo ir budizmo meno paminklų – šventyklų, pagodų, įvairių budistų dievybių statulos – kūrimo metas. Budizmas šiuo laikotarpiu buvo ne tiek žmonių tikėjimas, kiek teismo politikos tąsa. Įvairios budizmo sektos rūmuose vaidino labai svarbų vaidmenį, augo budistų vienuolynų žemės, o vienuoliai turėjo didžiulę įtaką rūmuose. Atsiranda budistų vienuolynai, tai medinių pastatų grupės, išsidėsčiusios stačiakampėje sienomis apsuptoje teritorijoje. Ypatingą reikšmę turėjo plati alėja, vedanti į priekinius vartus, aikštė priešais šventyklą ir iš tolo matoma daugiapakopė pagoda. Medinės šventyklos buvo nudažytos raudonu laku, iškeltos ant akmeninių pamatų, turėjo plačius lenktus dvigubus stogus – irimoya.

Tarp ankstyvųjų budistų šventyklų yra Asukadera, Horyuji, pastaroji pradėta statyti 607 m., tuo metu valdančio sosto įpėdinio Shotoku Taishi nurodymu. Vienuolyną sudarė 53 pastatai, išsidėstę 90 tūkstančių kvadratinių metrų plote. m Šventyklos fasadas nukreiptas į pietus, pagrindiniai pastatai yra šiaurės-pietų ašyje, sakralinė zona yra šiaurinėje, buvo pamokslų salė - kodo, butas ir penkių pakopų pagoda. Horyuji mieste buvo 265 statulos, pagrindinis skulptūrinis atvaizdas buvo Šakjamunių trejybė, kurią reprezentavo tikėjimo pradininko skulptūra, kurią lydėjo dvi bodhisatvos. 8 amžiuje Dideli vienuolynai jau turėjo skulptorių dirbtuves. Išplito bodhisatvos Kanono, kurios pavadinimas buvo sanskrito vardo Avalokitešvara (Pasaulio garsų girdinčiosios) vertimas, kultas. Pripildyta užuojautos gyvoms būtybėms, Bodisatva gali klausytis kenčiančiųjų garsų, kad ir kur jie būtų. Avalokitešvaros kultas atsirado šiaurės vakarų Indijoje ir išplito į Kiniją. Lotoso Sutroje buvo pasakyta, kad bodhisatva įgavo būtybių, kurios jo šaukėsi, pavidalą. Japonijoje paplitus Kanonos kultui atsirado daugybė jos atvaizdų – šventoji Kanonas padeda pragare, Kanonas su žirgo galva skleidžia gailestingumą galvijams ir piktosioms dvasioms – asurus išgelbėja tūkstančiai. ginkluotas Kannonas, Kannonas su meškerėliu gelbsti žmones.

Heiano laikotarpis (794–1185 m.)

794 m. valstybės sostinė buvo perkelta į Heiano miestą (dabar Kiotas). Heiano laikotarpiu klestėjo sudėtinga teismo kultūra. Buvo sukurtas japoniškas skiemens – kana (japoniškai – pasiskolintas hieroglifas). Iš pradžių šį raštą naudojo tik moterys, o oficialus raštas ir toliau buvo kiniškas. Per visą 10 a. Moteriški raštai pradėti naudoti privačioje praktikoje. XI amžiuje Prasidėjo japonų klasikinės literatūros klestėjimas, kurio ryškus pavyzdys – dvaro damos Murasaki Shikibu sukurtas romanas „Genji Monogatari“.

Heiano mene pagrindinę vietą užima budistiniai iš Kinijos atkeliavusių ezoterinių Tendai ir Shingon sektų atvaizdai, mokę, kad visos gyvos būtybės turi Budos esmę. Treniruodamas dvasią ir kūną, vykdydamas įžadus, kiekvienas gali kelių atgimimų procese įgyti Budos esmę. Šių sektų šventyklos buvo pastatytos ant kalnų viršūnių ir uolėtų atbrailų, o maldos namai jose buvo padalinti į dvi dalis. Paprasti tikintieji nebuvo įleidžiami į vidinę, kur buvo šventasis paveikslas.

Heiano era – tai prabangos metas valdantiesiems ratams. Šiuo metu buvo suformuotas Shinden tipo būstas. Net šilto klimato sąlygomis sienos nebuvo kapitalis ir neturėjo jokios pagalbinės vertės. Juos būtų galima labai nesunkiai išardyti, šaltu oru pakeisti patvaresniais, o šiltu oru iš viso nuimti. Langų taip pat nebuvo. Vietoj stiklo virš grotelių rėmo buvo ištemptas baltas popierius, leidžiantis į kambarį blankiai išsklaidytą šviesą. Platus stogo karnizas apsaugojo sienas nuo drėgmės ir saulės spindulių. Interjere, kuriame nėra nuolatinių baldų, buvo stumdomos pertvaros, kurių dėka buvo galima sukurti arba salę, arba keletą nedidelių izoliuotų kambarių, grindys buvo padengtos tokio pat dydžio šiaudiniais kilimėliais (180 x 90). cm).

Heiano laikotarpiu iš Kinijos buvo atvežti konfucianizmo ir budizmo tekstai. Jie dažnai būdavo puošiami atvaizdais. Iš pradžių japonų menininkai kopijuodavo kinų „įžymiąsias vietas“, tačiau nuo 10 a. atsigręžti į savo gimtosios šalies peizažų ir papročių vaizdavimą. Susiformavo Yamato-e tapyba, kuri nuo kinų tapybos skyrėsi japonų poezijos, novelių, romanų ar liaudies legendų temomis. Paveikslas gavo pavadinimą iš Jamato regiono – Honšiu salos pietvakarinės dalies, kur susiformavo Japonijos valstybingumas, pavadinimo.
Vaizdas dažnai atvaizdavo iliustracijų slinktį su atitinkamu tekstu, kuris buvo paimtas ranka ir atsuktas iš dešinės į kairę, nagrinėjant šią iliustraciją.

Yamato-e tapyba klestėjo vėlyvuoju Heiano laikotarpiu. Tuo metu pasirodė profesionalūs menininkai, kurie piešė pasaulietinių dalykų paveikslus ekranuose, slankiojančias pertvaras (shoji) ir ritinius - emakimono. Seniausias iš ritinių yra Genji Monogatari. Emakimano ritiniai buvo paveikslai-pasakojimai. Iki šių dienų išliko garsusis Murasaki Shikibu romanas „Genji-monogatari-emaki“, kuriame ryškiomis spalvomis vaizduojamas dykinėjantis aristokratijos gyvenimas – tai kaligrafijos, literatūros ir tapybos sintezė. Išlikusiuose 19 iš 54 iliustruotų romano skyrių nėra vieno siužeto ir tęstinio veiksmo. Dauguma vaizduojamų scenų vyksta interjeruose, viskas, kas matoma, rodoma iš viršaus, nėra vieno nykstančio linijų taško, didelio masto figūrų ir architektūros atitikimas, visų veikėjų veidai vienodi, skiriasi tik šukuosenos ir drabužiai. . Pagrindinis menininko dėmesys – perteikti visiems gerai žinomų romane vykstančių įvykių emocinį turinį. Pagrindinės technikos – erdvės kūrimas ir spalvų galimybių panaudojimas. Norint perteikti vidinę veikėjų būseną ir kiekvienos scenos atmosferą, menininkui svarbu, kokiu kampu slinkties apatinio krašto atžvilgiu yra nukreiptos įstrižinės linijos, nurodančios konstrukcijų sijas arba uždangą. strypai, arba verandos kraštas. Priklausomai nuo emocinės įtampos laipsnio, šis kampas svyruoja nuo 30 iki 54 laipsnių.

Bodhisattva – Kanonas Kinijoje, Korėjoje ir Japonijoje pasirodo daugiausia moteriškos formos, rankose su ąsočiu, gluosnio šakele ir laso.

Aristokratų namuose nebuvo pertvarų, geriausi menininkai piešė Yamato-e paveikslus ant ekranų ir užuolaidų. Yamato-e paveikslai sudarė vienybę su literatūros kūriniais, kurie taip pat buvo dedami ant ekranų ir užuolaidų. X-XIII amžių poezijos antologijose. Eilėraščiai, parašyti ekranuose iš IX-X amžių, nėra neįprasti. Daugiausia tokių eilėraščių yra antologijoje „Suixu“. Kaip poezija buvo keturių metų laikų tema, taip buvo ir tapyba ekranams. Pagal liaudies dainų kūrybą susiformavo tam tikra poetinių formulių sistema, kuri vėliau tapo japonų klasikinės poetikos pagrindu. Taigi, pavasario ženklas buvo miglota migla, gluosnis, vasaros ženklas - gegutė, cikados, rudens ženklas - raudoni klevo lapai, elniai, mėnulis, žiemos - sniegas ir slyvų žiedai.

Kiotas yra senovės Japonijos perlas.

Homonimų gausa kalboje leido eilėraščiams suteikti daug reikšmių. Temos ir siužetai leido per detalę ar užuominą itin lakoniška poetine forma (tankoje yra 31 skiemuo) išreikšti visų emocinių būsenų atspalvių įvairovę. Nuo ekranų su tekstais buvo palaipsniui pereita prie ekranų be teksto. Taip susiformavo tikrosios vaizdinio žanro skirstymas - shiki-e („keturių metų laikų nuotraukos“) ir meise-e („žymių vietų paveikslai“).
Tokių paveikslų kompozicija neatitiko nė vienos kinų tapybos kategorijos. Didžiausia gamtos ir žmogaus sintezė taps būdinga įvairiems japonų meno žanrams.

Kamakura laikotarpis (1185-1333) ir Muromachi (1333-1568)

XII amžiaus pabaigoje sostinę vėl perkėlė valdžią šalyje, dėl kruvino vaido, užgrobė Minamoto klanas, kurio galva perkėlė sostinę į savo gyvenvietę Kamakura, kurios pavadinimas tapo. kito Japonijos istorijos etapo pavadinimas. Šalyje į valdžią atėjo karinė samurajų klasė, iš kurios kilo šogunai – tikrieji kariniai Japonijos valdovai, likę Naroje, išlaikė tik vardinius valdžios atributus. Samurajus pirmenybę teikė paprastumui, o ne teismo kultūros rafinuotumui. Dzeno sektos vienuolynai nebeapėmė pagodų, šventyklos priminė kaimo trobesius. Nuo XIII amžiaus pabaigos. veikiamas panteistinių dzen sektos idėjų, kraštovaizdis pradėjo įkūnyti budistų dievybių buvimo bet kuriuose kraštovaizdžio objektuose idėją. Kamakuros vienuolynuose susiformavo Minsko patriarcho portretų ikonografija: sėdinčio ir ramioje pozoje su pabrėžta veido charakteristika ir hipnotizuojančia jo žvilgsnio galia. Dzen sektos įtakoje skulptūra nustumiama į antrą planą, ypač peizažo tapyba, išreiškia šio laikmečio žmonių pasaulėžiūrą.

Muromachi laikotarpis prasideda nuo 1333 m. įvykių, kai Honšiu salos pietryčių regionų feodalai užėmė ir sudegino Kamakura, grąžindami sostinę Heianui. Tai buvo vidinių nesutarimų ir feodalinių klanų karų metas. Ramtų laikų pagrindinis dalykas buvo zen sektos šalininkų mokymas, kad pasiekus vienybę su gamta galima susitaikyti su gyvenimo sunkumais ir pasiekti vienybę su pasauliu. Kraštovaizdžio tapyba Japonijos mene iškyla priešakyje, veikiama dzen mokymo, kad Budos „kūnas“ yra gamta. XII amžiaus antroje pusėje. Tapyba juodu rašalu į Japoniją atkeliavo iš Kinijos. Japonai, kurie pirmiausia užsiėmė tokia tapyba, buvo zen sektos nariai. Jie sukūrė naują stilių, paaiškinantį naująjį tikėjimą (shigaku – tapybos ir poezijos derinys). XV ir XVI a - maksimalaus tapybos tušu žydėjimo laikas, kurio pagrindinis meistras buvo Sesshu Toyo (1420-1506). Lygiagrečiai su šiuo stiliumi buvo ir Yamato-e stilius.

Socialinių-politinių santykių pokyčiai, iškėlę karinę klasę, lėmė ir atsiradimą XVI a. Sein architektūrinis stilius. Anksčiau buvęs vienas namo tūris dabar padalintas stumdomomis durimis (shoji) ir stumdomomis pertvaromis (fusuma). Patalpose atsirado speciali vieta mokymuisi - lentyna knygoms ir langas su plačia palange ir niša (tokonoma), kur buvo statoma puokštė ar įnoringos formos akmuo ir pakabintas vertikalus ritinys.

XVI amžiuje Japonijos architektūros istorijoje arbatos paviljonai atsiranda dėl būtinybės tinkamai atlikti arbatos ceremoniją. Arbatą į Japoniją Kamakuros laikotarpiu kaip vaistą atvežė budistų vienuoliai. Arbatos ritualas (cha-no-yu) buvo įvestas dzen vienuolio Muratos Shuko iniciatyva ir jam įgyvendinti reikėjo specialaus metodo. Taip atsirado naujo tipo architektūrinė struktūra - chashitsu (arbatos ceremonijos paviljonas), struktūriniu pagrindu jis buvo arti gyvenamojo pastato, o pagal savo funkciją - prie budistų šventyklos. Arbatos paviljono atramos buvo pagamintos iš medžio, o lubos išklotos bambuku arba nendrėmis. 1,5 ar 2 tatamių trobelės viduje, dengtos kilimėliais, su adobe sienomis, nedideliais daugiapakopiais langais, tokonoma niša su kabančiu vienspalviu kraštovaizdžiu ir gėle vazoje, buvo židinys ir lentyna indams.

Sodų kūrimo menas klestėjo Muromačio laikotarpiu. Japoniški sodai yra skirtingi. Maži sodai dažniausiai yra prie šventyklų arba siejami su tradiciniu namu, jie skirti apžiūrėti. Dideli kraštovaizdžio sodai suprojektuoti taip, kad juos būtų galima patirti iš vidaus.

Kondo - (japonų auksinė salė) - pagrindinė budistų komplekso šventykla, kurioje yra ikonos, statulos, sienų tapyba

Zen šventyklos sodas buvo pastatytas vienspalvio kraštovaizdžio slinkties principu. Vietoj popieriaus lapo menininkas panaudojo akmenukais nuklotą ežero ar pakylos paviršių, o vietoj dėmių ir nuoplovų – storus akmenis, samanas, medžių ir krūmų lapiją. Pamažu iš sodo dingo gėlės, jas pakeitė samanos ir krūmai, o vietoj tiltelių pradėti naudoti akmenys. Kai kurie sodai buvo sutvarkyti ir kalvoti (tsukiyama). Tsukiyama sodai buvo natūralių elementų, tokių kaip akmenys, samanos, medžiai, tvenkiniai, derinys su privalomu paviljonu ant kranto. Seniausias kraštovaizdžio sodas yra Kiote ir priklauso Sohoji vienuolynui. Sausi sodai buvo vadinami „hiraniwa“, t.y. butas. Hiraniva – „filosofinis“ sodas, nes iš žiūrovo pareikalavo išvystytos vaizduotės. Hiranivos sodas „buvo pagamintas iš akmenų, smėlio ir akmenukų. Iš trijų pusių jį juosiančia siena uždarytas sodas buvo skirtas tik apmąstymams. XV amžiaus pabaigoje. Reanji vienuolyne buvo sukurtas vienas garsiausių sausųjų sodų. Jį sudaro 15 akmenų, esančių ant stačiakampio žvyro ploto. Daitokuji vienuolyno Hiranivos sode, sukurtame 1509 m., gamtą reprezentuoja akmenų ir akmenukų kompozicijos. Viena iš sodo dalių vadinama „tuštumos vandenynu“ ir susideda iš dviejų žemų akmenukų kalvos tarp stačiakampio ploto. Sodai galėtų vienas kitą papildyti.

XV amžiaus pabaigoje. Susikūrė Kano teismo dekoratyvinės tapybos mokykla. Mokyklos įkūrėjas Kano Masanobu (1434-1530) kilęs iš karinės klasės ir tapo pripažintu profesionaliu teismo menininku. Jo peizažai turėjo tik priekinį planą, visa kita temdė miglota migla. Vieno konkretaus įvaizdžio dalyko akcentavimas taps būdingas Kano mokyklai. Pagrindinę vietą Kano mokyklos menininkų kūryboje užėmė dekoratyvinė sienų tapyba ir ekranai su žanrine tapyba. Sienų tapyba tapo pagrindiniu architektūrinės formos sintezės komponentu ir priemone, įtakojančia vaizdinę architektūrinės erdvės prasmę. Savo ruožtu architektūrinės formos bruožai reikalavo tam tikrų stilistinių paveikslų savybių, todėl pamažu formavosi naujas stiliaus kanonas, kuris japonų tapyboje išliko iki XIX a.

Shinden yra gyvenamojo namo tipas. Pagrindiniame stačiakampio plano pastate yra viena salė, nukreipta į aikštę pietiniu fasadu ir įrėminta galerijų rytuose ir vakaruose.

Momoyama laikotarpis (1X73-1614)

Ir šį kartą baigėsi feodalinių karų era, valdžia šalyje atiteko nuosekliems kariniams diktatoriams – Odai Nobunagai, Toyotomi Hideyoshi ir Iyaesu Tokugawai. Tai buvo miestų augimo, sekuliarizacijos ir kultūros demokratizacijos bei naujų vertybinių krypčių skverbimosi laikas. Kultinė architektūra prarado ankstesnę prasmę. Naujieji Japonijos valdovai paskelbė savo galią statydami grandiozines pilis, kurių statybą lėmė šaunamųjų ginklų atsiradimas Japonijoje ir atitinkamai pasikeitusi mūšio bei gynybos taktika. Pilis tapo iš esmės nauju Japonijos architektūros tipu. Asimetriškai išsidėsčiusi pilies teritorija, apsupta griovio ir sargybos bokštų bei kampinių bokštų, apėmė centrinę aikštę ir daugybę kiemų bei kambarių, požeminių pastogių ir perėjų. Gyvenamosios patalpos buvo pilies teritorijoje esančiame mediniame pastate su griežta vidinės erdvės hierarchija, atspindinčia socialinę hierarchiją. Dekoratyvinė sienų tapyba, grandiozinio dydžio, ryškiomis spalvomis ištapyta auksiniame fone, labiausiai tiko prieblandoje skendinčių pilių interjeruose.

Kano Eitoku (1543-1590). Naujo stiliaus paveikslų, skirtų kariniams diktatoriams šlovinti, kūrėjas. Jis pirmasis sukūrė vientisos kompozicijos principą ant didelių horizontalių paviršių, didindamas formas ir atsisakydamas smulkių detalių, kad perteiktų ne tik siluetus, bet ir jų formų dinamiką. Eitokui būdingas noras padidinti paveikslo plokštumą ir sustiprinti jo dekoratyvines savybes. Taip tuščią erdvę simbolizuojančiose vietose dedamos dėmės su aukso miltelių priemaiša. Kompozicijos erdvė atsiskleidė ne gilumoje, o išilgai vaizdo.
1576 m. ant Bivos ežero kranto iškilo precedento neturinti pilis su milžinišku septynių aukštų bokštu, turėjusi pademonstruoti diktatoriaus Odos Nobunagos galią. Ypatingas pilies bruožas buvo ne tik oficialių, bet ir privačių rūmų buvimas. Pagrindine kambarių puošmena tapo sienų tapyba, kuri buvo patikėta Kano Eitokui, kuris su dideliu būriu asistentų prie jų dirbo trejus metus. Kano Eitoku, kuriam diktatorius suskubo įvykdyti užsakymą, ėmė didinti formas, naudodamas storą šepetį iš ryžių šiaudų, griebdamasis lakoniškos meninės kalbos. Pagrindinę vietą užėmė medžių, gėlių, paukščių ir gyvūnų vaizdas. Spalvų gama buvo ryški, nebuvo spalvinių niuansų.

Į valdžią atėjus Tokugavos šogunams pasikeitus socialinei situacijai šalyje buvo uždrausta statyti pilis.
XVII amžiaus pirmojo trečdalio dailininkų darbuose. pradeda dominuoti naujos savybės. Tapyboje labiau išryškėjo subalansuotų, ramių kompozicijų troškimas, ornamentinių formų gausėjimas, susidomėjimas Heiano epochos kultūra ir Yamato-e darbais. Išskirtinis šių laikų Kano mokyklos bruožas – ornamentika ir padidintas dekoratyvumas. Kai XVII amžiaus antrajame ketvirtyje. Buvo uždrausta statyti pilis, o ekranas tapo pagrindine dekoratyvinės tapybos forma. Iš dekoratyvinės tapybos dingo Kano Eitoku monumentalumas. Menas įgavo asmeninį prisilietimą, o tai turėjo įtakos ir jo stilistinėms savybėms. Dekoratyvinė tapyba XVII a. dažniausiai buvo įkvėptas klasikinės literatūros herojų ir temų, atspindinčių gentinės aristokratijos, taip pat besiformuojančio buržuazinio elito interesų spektrą. Dekoratyvinė tapyba vystėsi senojoje sostinėje Kiote.

Naujoji Kano mokyklos atstovė Ogata Korin tapo naujų meno vartotojų – miesto gyventojų, pirklių ir amatininkų – skonio reiškėja.

Emakimano - horizontalus popieriaus arba šilko ritinys, priklijuotas prie pagrindo, įrėmintas brokato apvadu su mediniu voleliu gale

Ogata Korin (1658-1716) gyveno kaip turtingas grėblis ir nuolat lankydavosi „gėjų kvartaluose“. Tik po griuvėsių, susidūręs su dideliu poreikiu užsidirbti pragyvenimui, jis pradėjo užsiimti tekstilės tapyba ir tapyba. Ogata Korin užsiėmė ir keramika, ir laku, dažė kimono ir vėduokles. Kaip
meistras, jis pradėjo nuo supažindinimo su tradicine tapyba ir jos technikomis. Korinas visada siekė kompaktiškumo ir formų pusiausvyros, būdingas jo kūrybos bruožas – susitelkimas į kelių siužetinių motyvų plėtojimą, jų kartojimą ir variavimą. Pirmą kartą Ogatos Korin kūryboje pasirodė kūrinys iš gyvenimo. Ekrano paveiksle „Raudonbaltas slyvų medis“ Korino perimtas siužetinis motyvas grįžta į klasikinę poeziją su ankstyvo pavasario ir bundančios gamtos vaizdais. Abiejose upelio pusėse auksiniame fone užrašyti žydintys medžiai: stambus raudonas slyvas storu lenktu kamienu ir beveik vertikaliai kylančiomis šakomis, o kitas, kurį rodo tik kamieno papėdė ir smarkiai išlenkta šaka, kaip jei nukrenta į vandenį, todėl staiga išmestas aukštyn, apibarstytas baltais žiedais.

Kano Eitoku vanagas ant pušies. Ekranas. Detalė iš XVI amžiaus pabaigos.

Ogata Kenzan (1663-1743), kitaip nei jo vyresnysis brolis Ogata Korinas, nuo jaunystės traukė dvasinių vertybių link, buvo dzenbudizmo pasekėjas, išmanė kinų ir japonų klasikinę literatūrą, Noh teatrą, arbatos ritualą. Ninnaji šventyklai priklausančioje teritorijoje Kenzanas gavo leidimą statyti savo keramikos krosnį, gaminusią 13 metų iki 1712 m. Jis nesiekė pelningumo, vadovavosi idėja kurti itin meniškus gaminius. . Pirmą kartą trimatėje tapyboje panaudojo tradicines tapybos tušu technikas. Kenzanas pradėjo naudoti spalvas, rašė ant drėgnos skeveldros, akytas molis sugėrė dažus, kaip popierius dažant tušu. Kaip ir didysis jo amžininkas poetas Basho, populiarų žemąjį haiku žanrą pavertęs apreiškimu, Ogata Kenzan parodė, kad paprastos keraminės lėkštės, puodeliai, vazos gali būti ir utilitariniai objektai, ir kartu poetiniai meno šedevrai.

Edo laikotarpis (1614–1868)

1615 m. samurajus buvo perkeltas iš Kioto į Edą. Didėjo pirklių, prekybininkų ir pinigų skolintojų klasės, susitelkusios Maroje, Kiote ir Osakoje, svarba. Šių socialinių grupių atstovams buvo būdingas pasaulietiškas gyvenimo suvokimas ir noras išsivaduoti iš feodalinės moralės įtakos. Pirmą kartą menas atsigręžia į kasdienio gyvenimo temas, įskaitant ir vadinamųjų gyvenimą. linksmi rajonai – arbatos namų pasaulis, Kabuki teatras, sumo imtynininkai. Medžio graviūros atsiradimas buvo siejamas su kultūros demokratizavimu, nes graviūrai būdinga apyvarta, pigumas ir prieinamumas. Po kasdieninės tapybos graviūra pradėta vadinti ukiyo-e (pažodžiui, mirtingasis, kintantis pasaulis).

Graviūrų gamyba įgavo plačias apimtį. Ankstyvasis ukiyo-e grafikos vystymosi laikotarpis siejamas su Hashikawa Moronobu (1618-1694) vardu, kuris vaizdavo paprastas scenas iš arbatos namų gyventojų ir amatininkų gyvenimo, vienoje graviūroje apjungiant skirtingų laikų įvykius, nesusijusius. vienas kitam. Raivų fonas liko baltas, linijos aiškios. Pamažu raižinių temų spektras plėtėsi, gilėjo domėjimasis ne tik išoriniu, bet ir vidiniu veikėjų pasauliu. Japonijos spaudiniai 1780-1790 m. įžengia į savo klestėjimo laiką. Suzuki Haranobu (1725–1770) vidinį herojų pasaulį pradėjo atskleisti tokiose graviūrose kaip „Gražuolės, skinančios slyvos šakelę“ ir „Įsimylėjėliai snieguotame sode“. Jis pirmasis panaudojo ridenimo techniką, kurdamas perėjimą nuo tamsaus prie šviesaus tono, varijuoja linijų storį ir tekstūrą. Jam niekada nerūpėjo tikrosios spalvos, jūra jo graviūrose rausva, dangus smėlingas, žolė mėlyna, viskas priklauso nuo bendros emocinės scenos nuotaikos. Vienas geriausių jo kūrinių „Lovers Playing the Same Shamisen“ buvo sukurtas japonų patarlės tema „Jei muzika skatina meilę, žaisk“.

Tokonoma – niša arbatos namų interjere

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - puikus ukiyo-e meistras. Jo darbas prasidėjo nuo albumų „Vabzdžių knyga“ ir „Kriauklių dainos“. Moterų portretuose pusmetryje ir visu ūgiu Utamaro pirmasis panaudojo žėručio miltelius, sukuriančius žvilgantį foną. Gražuolė Utamaro puikiai tinka savo grakščia forma ir galvos komplektacijai,
plonas kaklas, maža burna, trumpi juodi antakiai. Serialuose „Dešimt moteriškų personažų“ ir „Moterų dienos ir valandos“ jis siekė nustatyti skirtingus moterų išvaizdos ir charakterio tipus. 90-ųjų pabaigoje. Utamaro jis nagrinėja motinystės temą tokiuose estampuose kaip „Mama su vaiku“ ir „Kamuolio žaidimas“, tuo pat metu kuria triptiku ir poliptikus istorine tema, pasitelkdamas netiesioginį įvardijimą (šalies herojai vaizduojami kaip gražuolės ). Teshusai Sharaku sukūrė Kabuki aktorių ir sumo imtynininkų portretų seriją. Jis atsisakė visuotinai priimtų tradicijų, groteską pavertęs pagrindine technika. Trečiasis ukiyo-e graviūros vystymosi laikotarpis patenka į 1800-1868 m. Tuo metu olandų ir vokiečių ofortų įtaka japonų menui išaugo. Utagavos menininkų dinastijos kūrybai pasižymėjo individualumo paieškų atmetimas ir formalios malonės troškimas. Kraštovaizdžio žanro suklestėjimas graviūroje siejamas su Katsushika Hokusai (1760-1849) vardu. Hokusai studijavo senąsias ir šiuolaikines japonų meno tendencijas, pažinojo Kinijos meną, susipažino su europietiškomis graviūromis. Iki beveik 50 metų Hokusai dirbo tradicine ukiyo-e menininkų maniera. Tik albumuose „Manga“ (eskizų knygoje), kurių pirmasis tomas išleistas 1812 m., Hokusai rado savo meno sritį. Dabar jis piešė kasdienes scenas, peizažus, minias.

Japonijos kraštovaizdžio sodai

Būdamas 70 metų Hokusai sukūrė savo serialą „36 Fudžio kalno vaizdai“, kiekviename spaudinyje menininkas vaizduoja Fudžio kalną. Žanro temos derinimas su kraštovaizdžiu yra Hokusų bruožas. Kitaip nei senovės peizažistai, Hokusai žemę rodo iš apačios. Tuo pačiu metu jis kuria serialus „Kelionė per šalies krioklius“, „Tiltai“, „Didelės gėlės“, „100 Fudži vaizdų“. Hokusai galėjo perteikti dalykus netikėtu kampu. Graviruotėse „100 Fuji vaizdų“ kalnai arba išnyra iš nakties tamsos kaip regėjimas, arba matomi už bambuko stiebų, arba atsispindi ežere. Hokusai pasekėjas Ando Hiroshige (1797-1858) gamtą piešė daug tikroviškiau. Pagal profesiją upių agentas daug keliavo po šalį, kurdamas savo serialus „53 Tokaido stotys“, „8 Omi ežero vaizdai“, „69 Kishikaido vaizdai“. Hiroshige'o menas artėja prie Europos tapybos, užbaigdamas du šimtus metų trukusį ukiyo-e spaudinių klestėjimą.

Japonijos menas Japonijos menas

Rytų Azijos valstybės menas, užimantis maždaug. 4 tūkstančiai salų Ramiojo vandenyno vakaruose. Seniausi meno paminklai priklauso Džomonų kultūrai (IV – I tūkst. pr. Kr.). Tai moliniai indai, apvynioti žolių virvėmis, kurios degant paliko savo paviršiuje būdingą raštą. In con. I tūkstantmetis pr e. įsitvirtina šintoizmo religija (gamtos dievinimas – kalnai, upės, medžiai ir kt.). Pirmosios šventyklos buvo ryžių tvartai, prieš kuriuos buvo atliekami šventiniai ritualai. Seniausios šventovės (Ise ir Izumo, I tūkstantmečio pradžia) buvo pastatytos pagal šių tvartų-šventyklų tipą. III–VI a. n. e. Ryšium su protėvių kulto raida, pradėti statyti grandioziniai apvalių ir pasagos formų karališkieji piliakalniai (kofun), apsupti grioviu su vandeniu (imperatoriaus Nintoku kapas). Ant jų buvo dedamos tuščiavidurės molinės figūrėlės (haniwa), vaizduojančios kuniges, tarnus, arklius ir paukščius, gyvenamųjų pastatų maketai.
Nuo galo VI amžiuje ryšium su budizmo plitimu, pradėti statyti kvadratinio plano vienuolynai pagodas ir šventyklos pagal Kinijos ir Korėjos modelius (Asukadera ansambliai, 588; Shitennoji, 593; Hokkiji, VII a. pradžia; Horyuji, 607) Pastatai buvo pastatyti ant balto akmens platformos ir buvo apsupti stulpelius, nudažytas raudonu laku, o viršuje dengtas čerpinis, išlenktas kraštais, vienpakopis arba dviaukštis stogas. Centrinėje budistų šventyklų dalyje buvo statomi altoriai su budistų dievybių atvaizdais iš paauksuotos bronzos arba dažytos medienos.

Imperatoriškųjų rūmų sodas. Atkurta 1789 m. pagal IX amžiaus modelį. Kioto

710 m., susikūrus vienai centralizuotai feodalinei valstybei, pirmąja nuolatine Japonijos sostine (prieš tai, naujam valdovui įžengus į sostą, sostinė buvo perkelta) tapo Nara (Heijo-kyo), pastatyta pagal Kinijos miestų modelį. įprastas išdėstymas. Šių laikų šventyklų kompleksai (Jakušidži, Todaidži, Tošodaidži) pasižymi aiškia planų simetrija, grandioziniais masteliais ir konstrukcijų galia. Groteskiškos ritualinės kaukės plačiai paplito skulptūroje. Tapybai atstovauja Horyuji šventyklos (VIII a.) paveikslai, kurie savo stiliumi artimi Indijos ir Kinijos pavyzdžiams.
794 metais sostinė buvo perkelta į Heianą (dabar Kiotas). In con. 8-12 a Architektūroje atsirado naujo tipo šventyklos-rūmai (Fenikso šventykla Byodoin vienuolyne netoli Kioto, 1053 m.). Budistų sektų nariai, skelbę slaptus mokymus, nuošaliose vietose tarp uolų statydavo religinius pastatus (Enryakuji šventyklos, 782; Kongobuji, 816; Muroji, VIII a. pabaiga – IX a. pradžia). Mažos šventyklos buvo organiškai integruotos į kraštovaizdį. Suklestėjo pasaulietinė architektūra. T.n. Shinden-zukuri stilius, tęsiantis nacionalinės architektūros tradicijas, buvo derinamas su Kinijos architektūros patirtimi. Gyvenamųjų kompleksų centre buvo medinis paviljonas (shinden), iškilęs ant stulpų, iš abiejų pusių sujungtas galerijomis (tainoya), jungiančiomis pagrindinį pastatą su likusia ansamblio dalimi. Paviljono fasadas žvelgė į smėlėtą teritoriją, pietinėje dalyje besibaigiantį kraštovaizdžio sodu su salomis, tiltais, uolomis ir dirbtiniu ežeru (imperatoriškieji rūmai Kiote, atkurti pagal IX a. modelį 1789 m.). Skulptūroje atsirado bauginančių daugiaveidžių ir daugiarankių dievybių – pasaulio šalių globėjų, ligų gydytojų – atvaizdų. Kartu su skulptūra, puošiant šventyklų interjerą buvo plačiai naudojami ornamentai ir sienų tapyba. Dailininkai taip pat piešė mandalų piktogramas, kurios atkūrė simbolinę budistinės visatos diagramą. Sukurtas horizontalių ritinių tipas (emakimono), iliustruojantis literatūros kūrinius (Fujiwara Takayoshi „Pasakos apie princą Genji“ iliustracijos, XII a. pradžia). Meniniai lakai buvo populiarūs dekoratyvinėje ir taikomojoje dailėje.
XII–XV a. Šalį valdė šogunai (kariniai valdovai), sostine tapo Kamakura. Populiarūs buvo skulptūriniai ir tapyti šogunų portretai (šoguno Minamoto Yoritomo portretas, pagamintas Fujiwara Takanobu, XII a.), karių ir vienuolių portretai. Ginklai ir arklių pakinktai buvo papuošti išskirtiniu dekoravimu. In con. XIV–XVI a veikiamas dzen mokymo, kuris skelbė kelią į nušvitimą per gamtos, kuri yra „Budos kūnas“, kontempliaciją, klesti. kraštovaizdžio architektūra(Kinkakuji šventyklos – Auksinis paviljonas ir Ginkakuji – Sidabrinis paviljonas Kiote, XIV – XV a. pabaiga). Skirtingai nuo Europos sodų, japoniškuose soduose paprastai nebūdavo žydinčių augalų; buvo dekoruoti peizažai roko sodai(Rjoandži vienuolyno sodas Kiote, XV a.). Sumanūs sodininkai akmenų ir smėlio pagalba kūrė upės, kalnų, tilto, besidriekiančio per bedugnę, krioklio ir kt. pojūtį. Žmogus, apmąstęs sodo kampelį, sukūrė beribės erdvės pojūtį (Daisenų sodas). - šventykloje Daitokuji vienuolyne Kiote, XIV a.) Gyvenamuosiuose pastatuose išnyko ilgos galerijos, kambariai buvo atskirti stumdomomis pertvaromis, atsirado specialios nišos (tokonoma) vaizdingiems ritiniams ir lentynos (tana) šventoms knygoms. Stumdomos sienos priartino interjerą prie sodo. Vystosi tapyba tušu (suiboku). Menininkai (Josetsu, Shuoun, Sesshu ir kt.) ant ritinių piešia vienspalvius peizažus. XV amžiaus pabaigoje. Kano mokyklos tapytojai (Masanobu Kano, Motonobu Kano, Eitoku Kano, Sanraku Kano ir kt.) sukūrė ryškias dekoratyvines kompozicijas, vaizduojančias paukščius ir žydinčius medžius. Japonijos kultūroje įsišaknijęs nuo XV a. Arbatos ceremonijų tradicija turėjo apčiuopiamą poveikį architektūrai ir vaizduojamajam menui, paskatino porceliano gamybos klestėjimą. Sodų gilumoje arbatos ceremonijoms buvo įrengti pabrėžtinai paprasti paviljonai - pusiau šventyklos, pusiau trobelės. Paprastumo, natūralumo ir gamtos pažinimo kultas tobuliausiai įsikūnijo imperatoriškosios kaimo vilos Katsura ansamblyje netoli Kioto (1625). Jis išgyvena savo klestėjimą, kuris atsirado VI a. ikebanos menas (puokščių komponavimas).
1543 m., per audrą, vienoje iš Japonijos salų išsilaipino portugalų pirkliai. Nuo to laiko tarp Japonijos ir Europos užsimezgė gyvi ryšiai. In con. 16 – pradžia XVII a dalyvaujant Europos architektams, iškilo grandiozinės pilys, derinančios ciklopinį pagrindo mūrą su tradicine medine viršūne (Azuchijo, 1576; Osakajo, 1583; Himejijo, 1601-09). Erdvūs niūrūs šių pastatų interjerai, kaip ir rūmai, buvo papuošti medžio raižiniais, įvairiaspalviais paveikslais, kuriuose gausu aukso (šoguno Nijo pilis, Fušimi rūmai, dabar Nishihonganji vienuolynas; abu – m. XVII amžiuje). Buvo sukurtos vešlios, iškilmingos kapų šventyklos, gausiai dekoruotos raižiniais, auksavimu, paveikslais (Tokugavos šogunų mauzoliejus Nikko mieste, XVII a. pradžia).
Nuo 1639 m., valdant Tokugavos šogunams, Europos laivams buvo uždrausta įplaukti į Japonijos uostus. Japonijos saviizoliacijos laikotarpis tęsėsi iki 1854 m. Tuo metu klestėjo miesto kultūra. Itin populiarios buvo mažos kaulinės ar medinės figūrėlės – netsuke. Japoniškame kostiume (kimono) nėra kišenių, todėl ties juosmeniu buvo nešiojamos piniginės ir nedideli krepšiai. Per diržą buvo perverta virvelė, kurios viename gale buvo piniginė, o kitame - atsvara-netsuke. Netsuke viduje buvo skylutė, per kurią buvo įsriegtas laidas. Visuose namuose buvo spalvotų žmonių graviūros(ukiyo-e), pagamintas naudojant techniką medžio raižiniai. Žymūs graviūrų autoriai buvo Suzuki Harunobu ir Kitagawa Utamaro, kūrę švelnių moterų atvaizdus; Chosusai Sharaku, kuris vaizdavo tradicinio japoniško Kabuki teatro aktorius; peizažistai Katsushika Hokusai ir Ando Hiroshige.
XIX amžiaus architektūra ir vaizduojamoji dailė. pažymėti bruožais eklektika, noras suartinti europietiškas ir tautines manieras. 20 val – pradžia. XXI amžius Japonijos meistrai kreipiasi į visą įvairų Europos meno paveldą; avangardinės tendencijos egzistuoja kartu su senųjų tautinių tradicijų atgimimu.

(Šaltinis: „Menas. Šiuolaikinė iliustruota enciklopedija“. Redagavo prof. Gorkin A.P.; M.: Rosman; 2007 m.)

Pažiūrėkite, kas yra „japonų menas“ kituose žodynuose:

Kaligrafija (iš graikų kalbos καλλιγραφία „graži rašysena“) yra vaizduojamojo meno rūšis. Senovinė taikomosios ... Vikipedijos šaka

Ginklininkystės menas ir technologija– Imperatorius Maksimilianas I šarvų dirbtuvėse. Įrankiai aiškiai matomi ant stalo. Fone – kalvio kalvė ir priekalas. Ant sienos kabo paruošti įvairių tipų šarvai. Įdomu, kad „Renzoig“ ir „Rentarch“ šarvai yra skirti kairiarankiams, o... ... Viduramžių ginklų enciklopedija

Vincentas Van Gogas. Žvaigždėta naktis, 1889 ... Vikipedija

Menas sukurti vizualinį spektaklio vaizdą (Žr. spektaklį) per dekoracijas, kostiumus, apšvietimą ir gamybos technikas. Plėtra ir kt. glaudžiai susijęs su teatro, dramos ir vaizduojamojo meno raida. ……

Jis išsivystė dėl istorinio proceso, prasidėjusio Japonijos žmonių protėviams persikėlus į Japonijos salyną iš žemyno ir Jomono laikotarpio kultūros atsiradimui. Šiuolaikinė japonų kultūra buvo stipriai paveikta Azijos šalių (... ... Vikipedijoje

Literatūra Daugiatautė sovietinė literatūra yra kokybiškai naujas literatūros raidos etapas. Kaip apibrėžta meninė visuma, kurią vienija viena socialinė ir ideologinė orientacija, bendruomenė... ... Didžioji sovietinė enciklopedija

Scenografija (tradicinis Vakarų Europos meno istorijos terminas, sovietiniame moksle paplitęs nuo XX a. antrosios pusės), menas sukurti vizualinį spektaklio vaizdą per dekoracijas, kostiumus, apšvietimą,... ... Meno enciklopedija

Paleolitinis Džomonas ... Vikipedija

Karo žemėje, jūroje ir ore teorija ir praktika. Sov. Į ir. apima strategiją, veiklos meną, taktiką. Į ir. atsirado kartu su karų ir armijų atsiradimu ir vystosi priklausomai nuo gamybos būdo... Sovietinė istorinė enciklopedija

Karinių operacijų sausumoje, jūroje ir ore rengimo ir vykdymo teorija ir praktika; svarbiausia karo mokslo šaka (Žr. Karo mokslas). Sovietinio V. ir komponentai. yra karinė strategija, operatyvinis menas ir... ... Didžioji sovietinė enciklopedija

Knygos

• Japonijos kultūra Dzen budizmo meno vadovėlis universitetams, Malinina E., Elizavetos Malininos knygoje kalbama apie kai kuriuos Japonijos meno aspektus, įkvėptus dzenbudizmo idėjų ir estetinių principų, kurie į Japoniją prasiskverbė iš Kinijos XIII amžiuje. ir... Kategorija: Kultūra Gamintojas:

Japonija yra nuostabi rytų šalis, esanti salose. Kitas Japonijos pavadinimas yra Tekančios saulės žemė. Švelnus, šiltas, drėgnas klimatas, ugnikalnių kalnų grandinės ir jūros vandenys sukuria nuostabius kraštovaizdžius, tarp kurių auga jaunieji japonai, o tai neabejotinai palieka pėdsaką šios mažos valstybės mene. Čia žmonės nuo mažens pripranta prie grožio, o šviežios gėlės, dekoratyviniai augalai ir nedideli sodai su ežeru yra jų namų atributas. Kiekvienas bando susiorganizuoti laukinės gamtos gabalėlį sau. Kaip ir visos rytų tautybės, japonai išlaikė ryšį su gamta, kurį gerbė ir gerbė per savo civilizacijos šimtmečius.

Oro drėkinimas: oro valytuvas WINIX WSC-500 generuoja mažas vandens daleles. Plovyklos Winix WSC-500 darbo režimai: Oro plovimo mašina "WINIX WSC-500" turi patogų automatinį darbo režimą. Tuo pačiu metu palaikoma optimaliausia ir komfortiškiausia drėgmė patalpoje – 50-60%, o plazminis oro valymo ir jonizacijos režimas („Plasma Wave™“) įjungiamas pagal numatytuosius nustatymus.

Japonijos architektūra

Ilgą laiką Japonija buvo laikoma uždara šalimi, kontaktai buvo tik su Kinija ir Korėja. Todėl jų raida ėjo savo ypatingu keliu. Vėliau, kai į salų teritoriją pradėjo skverbtis įvairios naujovės, japonai greitai jas pritaikė ir savaip perdarė. Japonijos architektūros stilius pasižymi namais su masyviais lenktais stogais, apsaugančiais juos nuo nuolatinio stipraus lietaus. Imperatoriški rūmai su sodais ir paviljonais – tikras meno kūrinys.

Iš Japonijoje rastų religinių pastatų galima išskirti iki šių dienų išlikusias medines šintoizmo šventyklas, budistines pagodas ir budistų šventyklų kompleksus, atsiradusius vėlesniame istorijos laikotarpyje, kai budizmas į šalį atėjo iš žemyno ir buvo paskelbtas valstybe. religija. Mediniai pastatai, kaip žinome, nėra ilgaamžiai ir pažeidžiami, tačiau Japonijoje įprasta atkurti pastatus originaliu pavidalu, todėl net ir po gaisrų jie atstatomi tokia pačia forma, kokia buvo statoma tuo metu.

Japonų skulptūra

Budizmas turėjo didelę įtaką Japonijos meno raidai. Daugelis darbų reprezentuoja Budos įvaizdį, todėl šventyklose buvo sukurta daugybė Budos statulų ir skulptūrų. Jie buvo pagaminti iš metalo, medžio ir akmens. Tik po kurio laiko atsirado meistrų, kurie ėmė daryti pasaulietines portretines skulptūras, tačiau laikui bėgant jų poreikis išnyko, todėl skulptūriniai reljefai su giliais raižiniais vis dažniau pradėti naudoti pastatams puošti.

Miniatiūrinė netsuke skulptūra laikoma nacionaline Japonijos meno forma. Iš pradžių tokios figūrėlės atliko raktų pakabuko, kuris buvo pritvirtintas prie diržo, vaidmenį. Kiekviena figūrėlė turėjo skylę virvelei, ant kurios buvo pakabinti reikalingi daiktai, nes tuo metu drabužiai neturėjo kišenių. Netsuke figūrėlės vaizdavo pasaulietinius personažus, dievus, demonus ar įvairius objektus, kurie turėjo ypatingą slaptą reikšmę, pavyzdžiui, šeimos laimės palinkėjimą. Netsuke gaminami iš medžio, dramblio kaulo, keramikos arba metalo.

Japonijos dekoratyvinis menas

Kraštuotų ginklų gamyba Japonijoje buvo pakelta iki meno lygio, todėl samurajų kardo gamyba buvo tobula. Kardai, durklai, kardų rėmai, kovinės amunicijos elementai tarnavo kaip savotiški vyriški papuošalai, rodantys priklausymą klasei, todėl juos gamino įgudę meistrai, puošė brangakmeniais ir raižiniais. Japonų liaudies amatai taip pat apima keramiką, lako dirbinius, audimą ir medžio graviūrą. Tradicinius keramikos gaminius japonų puodžiai dažo įvairiais raštais ir glazūromis.

Japonijos tapyba

Japonų tapyboje iš pradžių vyravo monochrominis paveikslų tipas, glaudžiai susipynęs su kaligrafijos menu. Abu buvo sukurti pagal tuos pačius principus. Dažų, rašalo ir popieriaus gamybos menas į Japoniją atkeliavo iš žemyno. Šiuo atžvilgiu prasidėjo naujas tapybos meno raidos etapas. Tuo metu viena iš japonų tapybos rūšių buvo ilgi horizontalūs emakinomo ritiniai, kuriuose buvo vaizduojamos Budos gyvenimo scenos. Kraštovaizdžio tapyba Japonijoje pradėjo vystytis daug vėliau, po to atsirado menininkų, kurie specializuojasi socialinio gyvenimo scenose, tapydami portretus ir karo scenas.

Japonijoje jie dažniausiai piešė ant sulankstomų ekranų, shoji, namų sienų ir drabužių. Japonams širma yra ne tik funkcinis namų elementas, bet ir meno kūrinys, skirtas apmąstymams, nusakantis bendrą kambario nuotaiką. Tautiniai drabužiai, kimono, taip pat yra japonų meno kūrinys, turintis ypatingą rytietišką skonį. Dekoratyvinės plokštės ant auksinės folijos, naudojant ryškias spalvas, taip pat gali būti priskirtos japonų tapybos darbams. Japonai įgijo puikių įgūdžių kurdami ukiyo-e, vadinamąją medžio graviūrą. Tokių paveikslų tema buvo paprastų miestiečių, menininkų ir geišų gyvenimo epizodai, taip pat nuostabūs peizažai, kurie tapo tapybos meno raidos Japonijoje rezultatu.