Содржината на статијата

ЈАПОНСКА УМЕТНОСТ.Од античките времиња, јапонската уметност се карактеризира со активна креативност. И покрај нивната зависност од Кина, каде постојано се појавуваа нови уметнички и естетски трендови, јапонските уметници секогаш воведуваа нови карактеристики и ја менуваа уметноста на своите учители, давајќи ѝ јапонски изглед.

Историјата на Јапонија како таква почнува да добива одредени форми дури на крајот на 5 век. Откриени се релативно малку предмети кои датираат од претходните векови (архајскиот период), иако некои наоди направени за време на ископувањата или за време на градежните работи укажуваат на извонреден уметнички талент.

Архаичен период.

Најстарите дела на јапонската уметност се глинени садови од типот jomon (отпечаток од врвка). Името доаѓа од декорацијата на површината со спирални отпечатоци од врвка обвиткана околу стапчињата што мајсторот ги користел за изработка на садот. Можеби на почетокот занаетчиите случајно ги откриле отпечатоците со плетенка, но потоа почнале намерно да ги користат. Понекогаш глинените кадрици како врвца се залепуваа на површината, создавајќи покомплексен декоративен ефект, речиси релјеф. Првата јапонска скулптура се појави во културата Џомон. Догу (лт. „глинена слика“) на личност или животно веројатно имал некое религиозно значење. Сликите на луѓето, главно жени, се многу слични на глинените божици на другите примитивни култури.

Радиојаглеродното датирање сугерира дека некои наоди од културата на Џомон може да датираат од 6-5 илјади п.н.е., но рано датирањето не е општо прифатено. Се разбира, таквите јадења се правеле во долг временски период, и иако сè уште не може да се утврди точното датирање, може да се разликуваат три периоди. Најстарите примероци имаат зашилена основа и се речиси неорнаментирани, освен траги од грнчарско орудие. Садовите од средниот период се побогато орнаментирани, понекогаш со лиени елементи, создавајќи впечаток на волумен. Формите на садовите од третиот период се многу разновидни, но декорацијата повторно се израмнува и станува повоздржана.

Околу 2 век. п.н.е. Jomon керамиката ѝ го отстапи местото на Yayoi керамиката, која се карактеризира со грациозни форми, едноставност на дизајнот и висок технички квалитет. Паркот од садот стана потенок, а украсот помалку фенси. Овој тип преовладувал до III век. АД

Од уметничка гледна точка, можеби најдобри дела од раниот период се ханивата, глинени цилиндри кои датираат од 3 до 5 век. АД Карактеристични споменици на оваа ера се огромните ридови, или могили, гробни структури на цареви и моќно благородништво. Често многу големи по големина, тие се доказ за моќта и богатството на царското семејство и дворјаните. Изградбата на таква структура за императорот Нинтоку-тено (околу 395–427 н.е.) траела 40 години. Најзабележителна карактеристика на овие могили беа глинените цилиндри, ханива, кои ги опкружуваа како ограда. Обично овие цилиндри биле сосема едноставни, но понекогаш биле украсени со човечки фигури, поретко со фигурини на коњи, куќи или петли. Нивната цел била двојна: да спречат ерозија на огромни маси земја и да го снабдат покојникот со потребите што ги користел во земниот живот. Секако, цилиндрите се произведуваа во големи количини одеднаш. Разновидноста на теми, изрази на лицето и гестови на фигурите што ги украсуваат во голема мера е резултат на импровизацијата на мајсторот. И покрај фактот дека тие се дела на занаетчии, а не на сликари и скулптори, тие се од големо значење како соодветна јапонска уметничка форма. Зградите, прекриените коњи, примните дами и воините претставуваат интересна слика за воениот живот на раната феудална Јапонија. Можно е прототипите на овие цилиндри да се појавиле во Кина, каде што различни предмети биле ставени директно во погреби, но извршувањето и начинот на користење на ханива припаѓаат на локалната традиција.

Архајскиот период често се гледа како време лишено од дела на високо уметничко ниво, време на доминација на нешта од главно археолошка и етнолошка вредност. Меѓутоа, мора да се запомни дека делата на оваа рана култура како целина имаа голема виталност, бидејќи нивните форми опстанаа и продолжија да постојат како специфични национални карактеристики на јапонската уметност во подоцнежните периоди.

Асука период

(552–710 н.е.). Воведување на будизмот во средината на 6 век. направи значителни промени во начинот на живот и размислување на Јапонците и стана поттик за развојот на уметноста од овој и следните периоди. Пристигнувањето на будизмот од Кина преку Кореја традиционално е датирано во 552 година од нашата ера, но веројатно било познато порано. Во раните години, будизмот се соочи со политичка опозиција, со противење од националната религија шинтоизам, но само неколку децении подоцна новата вера доби официјално одобрение и конечно беше воспоставена. Во раните години од неговото воведување во Јапонија, будизмот бил релативно едноставна религија со мал број божества на кои им биле потребни слики, но по околу сто години тој се здобил со сила и пантеонот енормно пораснал.

Во овој период биле основани храмови кои не само што служеле за пропагирање на верата, туку биле центри на уметност и образование. Манастирот-храм во Хориуџи е еден од најважните за проучување на раната будистичка уметност. Меѓу другите богатства, постои и статуа на големата тријада Сјака-Нераи (623 н.е.). Ова дело на Тори Буси, првиот голем јапонски скулптор познат нам, е стилизирана бронзена слика слична на слични групи во големите пештерски храмови во Кина. Позата на седечкиот Шаки (јапонска транскрипција на зборот „Шакјамуни“, историскиот Буда) и двете фигури кои стојат на двете страни од него е строго фронтална. Формите на човечката фигура се сокриени со тешки симетрични набори на шематски изречена облека, а во мазните издолжени лица се чувствува сонлива самоапсорпција и контемплација. Скулптурата на овој прв будистички период се заснова на стилот и прототипите од копното педесет години порано; верно ја следи кинеската традиција која дошла во Јапонија преку Кореја.

Некои од најважните скулптури од ова време биле изработени од бронза, но се користело и дрво. Двете најпознати дрвени скулптури се оние на божицата Канон: Јумедоно Канон и Кудара Канон, двете во Хоријуџи. Тие се поатрактивен предмет за обожување од Шаки тријадата, со нивните архаични насмевки и сонливи изрази. Иако фигурите на Канон исто така имаат шематски и симетричен распоред на наборите на облеката, тие се полесни и полни со движење. Високите, витки фигури ја нагласуваат духовноста на лицата, нивната апстрактна добрина, оддалечени од сите световни грижи, но чувствителни на молитвите на страдалниците. Скулпторот обрнал одредено внимание на контурите на фигурата на Кудара Канон, скриени од наборите на облеката, а за разлика од назабената силуета на Јумедоно, движењето и на фигурата и на ткаенината е насочено во длабочина. Во профилот, Кудара Канон има грациозен преглед во форма на S.

Единствениот преживеан пример на сликарство што дава идеја за стилот на почетокот на VII век е сликарството на Тамамуши Зуши, „крилестиот храм“. Ова минијатурно светилиште го зема своето име од блескавите крила на бубачки поставени во перфорирана метална рамка; подоцна бил украсен со религиозни композиции и фигури на поединечни ликови изработени со обоен лак. Како и скулптурата од овој период, некои слики покажуваат голема слобода на дизајнот.

Нара период

(710-784). Во 710 година, главниот град бил преместен во Нара, нов град по моделот на кинескиот главен град Чанган. Имаше широки улици, големи палати и бројни будистички храмови. Не само будизмот во сите негови аспекти, туку и целиот кинески културен и политички живот беше сфатен како модел што треба да се следи. Ниту една друга земја можеби не се чувствувала понесоодветна во сопствената култура или била толку подложна на надворешни влијанија. Научниците и аџиите слободно се движеа меѓу Јапонија и копното, а животот на владата и палатата беа моделирани по династијата Танг Кина. Сепак, мораме да запомниме дека, и покрај имитирањето на примерите на Танг Кина, особено во уметноста, согледувајќи го неговото влијание и стил, Јапонците речиси секогаш ги приспособувале странските форми на нивните.

Во скулптурата, строгата фронталност и симетрија на претходниот период Асука отстапи место на послободни форми. Развојот на идеи за боговите, зголемената техничка вештина и слободата на користење на материјалот им овозможи на уметниците да создаваат поинтимни и достапни култни слики. Основањето на новите будистички секти го прошири пантеонот за да ги вклучи дури и светците и основачите на будизмот. Покрај бронзената скулптура, познати се и голем број дела од дрво, глина и лак. Каменот бил редок и речиси никогаш не се користел за скулптура. Сувиот лак беше особено популарен, можеби затоа што, и покрај сложеноста на процесот на подготовка на композицијата, делата направени од него изгледаа повпечатливо од дрвените и беа посилни од глинените производи што беа полесни за правење. Лакови фигури беа формирани на дрвена или глинена основа, која потоа беше отстранета, или на дрвена или жичана арматура; тие беа лесни и издржливи. И покрај фактот што оваа техника диктираше одредена ригидност во позите, беше дозволена голема слобода во прикажувањето на лицата, што делумно придонесе за развој на она што може да се нарече соодветна портретна скулптура. Приказот на лицето на божеството беше изведен во согласност со строгите барања на будистичките канони, но популарноста, па дури и обожението на некои од основачите и проповедниците на верата даваше одлични можности за пренесување на сличноста на портретот. Оваа сличност може да се види во скулптурата направена од сув лак на кинескиот патријарх Генџин, почитуван во Јапонија, сместена во храмот Тошодаиџи. Генџин бил слеп кога пристигнал во Јапонија во 753 година, а неговите невидни очи и просветлената состојба на внатрешна контемплација се прекрасно доловени од непознатиот скулптор. Оваа реална тенденција најјасно беше изразена во дрвената скулптура на проповедникот Куја, создадена од скулпторот Кошо во 13 и 14 век. Проповедникот е облечен како скитник просјак со стап, гонг и чекан, а од неговата полуотворена уста излегуваат мали фигури на Буда. Незадоволен од ликот на распеаниот монах, скулпторот се обиде да го изрази најдлабокото значење на неговите зборови.

Сликите на Буда од периодот Нара се одликуваат и со голем реализам. Создадени за сè поголем број храмови, тие не се толку немирно студени и резервирани како нивните претходници, имаат пограциозна убавина и благородност и со поголема милост им се обраќаат на луѓето што ги обожаваат.

Зачувани се многу малку слики од ова време. Разнобојниот дизајн на хартија ги прикажува минатите и сегашните животи на Буда. Ова е еден од ретките антички примери на емакимоно, или свитоци. Свитоците полека се одмотуваа од десно кон лево, а гледачот можеше да ужива само во оној дел од сликата што се наоѓа помеѓу рацете што го одмотуваат свитокот. Илустрациите беа поставени директно над текстот, за разлика од подоцнежните свитоци каде дел од текстот наизменично се менуваше со објаснувачка слика. Во овие најстари преживеани примери на сликање со свитоци, исцртани фигури се поставени на едвај исцртан пејзаж, при што централниот лик, во овој случај Шака, се појавува во различни сцени.

Раниот Хејан

(784–897). Во 784 година главниот град бил привремено преместен во Нагаока, делумно за да се избегне доминацијата на будистичкото свештенство на Нара. Во 794 година таа се преселила во Хејан (сега Кјото) на подолг период. Кон крајот на 8 и 9 век беа период кога Јапонија успешно асимилираше, прилагодувајќи се на сопствените карактеристики, многу странски иновации. Будистичката религија, исто така, доживеа време на промени, појава на нови секти на езотеричниот будизам, со својот развиен ритуал и бонтон. Од нив, највлијателни биле сектите Тендаи и Шингон, кои потекнуваат од Индија, стигнале до Кина и оттаму во Јапонија ги донеле двајца научници кои се вратиле во татковината по долго чиракување. Сектата Шингон („Вистински зборови“) беше особено популарна на дворот и брзо зазеде доминантна позиција. Нејзините главни манастири се наоѓале на планината Која во близина на Кјото; како и другите важни будистички центри, тие станаа складишта на огромни збирки на уметност.

Скулптура од 9 век беше главно дрвена. Сликите на божествата се одликуваа со нивната сериозност и недостапна величина, што беше нагласено со свеченоста на нивниот изглед и масивност. Завесите беа вешто исечени според стандардни модели, а шаловите лежеа во бранови. Стоечката фигура на Шаки од храмот Муроџи е пример за овој стил. За оваа и слични слики од 9 век. се карактеризира со крути резби со подлабоки, јасни набори и други детали.

Зголемувањето на бројот на богови им создавало големи тешкотии на уметниците. Во сложени мандали слични на карти (геометриски дизајни со магично значење), божествата биле распоредени во хиерархија околу централниот Буда, кој и самиот бил само една манифестација на апсолутното. Во тоа време, се појави нов начин на прикажување на фигури на божества чувари опкружени со пламен, страшен по изглед, но благотворен по природа. Овие божества беа лоцирани асиметрично и беа прикажани во подвижни пози, со застрашувачки црти на лицето, жестоко бранејќи ја верата од можни опасности.

Средниот и доцниот Хејан, или периодот на Фуџивара

(898–1185). Трансферот на главниот град во Хејан, кој имаше за цел да ги избегне тешките барања на свештенството, предизвика и промени во политичкиот систем. Благородништвото беше доминантна сила, а најрепрезентативни претставници беа семејството Фуџивара. Период 10-12 век често се поврзува со ова име. Започна период на посебна моќ кога вистинските императори беа „силно советувани“ да ги остават настрана државните работи за попријатни активности за поезија и сликарство. До неговото полнолетство, императорот бил предводен од строг регент, обично од семејството Фуџивара. Тоа беше доба на луксуз и извонредни достигнувања во литературата, калиграфијата и уметноста; Имаше мрморење и емотивност низ целата територија, која ретко достигнуваше длабочина, но во целина беше шармантна. Елегантната софистицираност и ескапизам се рефлектираа во уметноста од ова време. Дури и приврзаниците на будизмот бараа полесни начини, а обожавањето на небесниот Буда, Амида, стана особено популарно. Идеите за сочувството и спасоносната благодат на Амида Буда беа длабоко рефлектирани во сликарството и скулптурата од овој период. Масовноста и воздржаноста на статуите од 9 век. во 10-11 век. отстапи место на блаженството и шармот. Божествата се прикажани како сонливи, смислено мирни, резбата станува помалку длабока, површината станува пошарена, со богато развиена текстура. Најзначајните споменици од овој период му припаѓаат на скулпторот Јочо.

Делата на уметниците добија и помеки карактеристики, потсетувајќи на цртежи на ткаенина, па дури и страшните божества - бранители на верата - станаа помалку застрашувачки. Сутрите (будистички текстови) беа напишани со злато и сребро на длабоко сина хартија, на прекрасната калиграфија на текстот често и претходеше мала илустрација. Најпопуларните нишки на будизмот и нивните поврзани божества ги одразуваат преференциите на аристократијата и постепеното оддалечување од строгите идеали на раниот будизам.

Атмосферата од ова време и неговите дела се делумно поврзани со прекинот на формалните односи со Кина во 894 година. Будизмот во Кина во тоа време бил прогонуван, а корумпираниот суд Танг бил во состојба на опаѓање. Затскриеното островско постоење што следеше по ова прекинување ги охрабри Јапонците да се свртат кон сопствената култура и да развијат нов, почист јапонски стил. Навистина, световно сликарство од 10-12 век. беше речиси целосно јапонски - и во техниката и во составот и заплетот. Карактеристична карактеристика на овие јапонски свитоци, наречени јамато-е, беше доминацијата на предметите енги (потекло, историја). Додека кинеските свитоци најчесто прикажуваат огромна, неверојатна природа, панорами на планини, потоци, камења и дрвја и луѓе изгледале релативно безначајни, на јапонските наративни свитоци главната работа во цртежот и текстот била личноста. Пејзажот играше само улога на позадина за приказната што се раскажува, подредена на главниот лик или личности. Многу свитоци беа рачно нацртани хроники за животите на познатите будистички проповедници или историски личности, нивните патувања и воени кампањи. Други раскажуваа за романтични епизоди од животот на благородниците и дворјаните.

Очигледно карактеристичниот стил на раните свитоци доаѓа од едноставни скици со мастило на страниците на будистичките тетратки. Станува збор за вешти цртежи кои го карикатираат човечкото однесување преку слики од животни: мајмун во монашки облеки кој се поклонува на надуена жаба, натпревари меѓу зајаци, мајмуни и жаби. Овие и други доцни свитоци на Хејан служеле како основа за посложените наративни свитоци од развиениот стил од 13 и 14 век.

Камакура период

(1185–1392). Кон крајот на 12 век донесе големи промени во политичкиот и религиозниот живот на Јапонија и, се разбира, во нејзината уметност. Елеганцијата и естетизмот на судот во Кјото беа заменети или, во традицијата на „посебното“ правило, „добија додаток“ во форма на ново, грубо и храбро правило - шогунатот Камакура. Иако главниот град номинално останал Кјото, шогунот Минамото но Јоритомо (1147–1199) го основал своето седиште во градот Камакура и за само 25 години воспоставил ригиден систем на воена диктатура и феудализам. Будизмот, кој станал толку сложен и ритуализиран што обичните лаици малку го разбрале, исто така претрпе големи промени кои не ветуваа покровителство на уметноста. Сектата Јодо (Чиста земја), форма на почитување на Буда Амида, под водство на Хонен Шонин (1133–1212), ја реформирала хиерархијата на Будите и божествата и им дала надеж за спасение на сите кои едноставно верувале во Амида. Оваа доктрина за лесно достижен рај подоцна била поедноставена од друг монах, Шинран (1173–1262), основач на сектата Шин, кој препознал дека снисходливоста на Амида била толку голема што немало потреба да се вршат религиозни дејствија, едноставно повторување на опело “. Наму Амида Буцу“ (првиот збор значи „да се почитува“; вторите два се „Буда Амида“). Овој едноставен метод за спасување на душата бил исклучително привлечен, а сега го користат милиони. Една генерација подоцна, милитантниот проповедник Ничирен (1222–1282), по кого е именувана сектата, ја напуштил оваа поедноставена форма на религија. Неговите следбеници ја почитуваа Лотус Сутра, која не ветуваше моментално и безусловно спасение. Неговите проповеди честопати допираа политички теми, а неговите верувања и предложените реформи на црквата и државата беа привлечни за новата воена класа во Камакура. Конечно, зен-филозофијата, која се појавила уште во 8 век, почнала да игра сè поважна улога во будистичката мисла во овој период. Зен ја нагласи важноста на медитацијата и презирот кон какви било слики што би можеле да го попречат човекот во неговата потрага да се соедини со Бога.

Значи, ова беше време кога религиозната мисла го ограничи бројот на сликарски и скулптурни дела кои претходно беа неопходни за култот. Сепак, некои од најдобрите дела на јапонската уметност беа создадени за време на периодот Камакура. Поттик беше вродената јапонска љубов кон уметноста, но клучот за решението лежи во односот на луѓето кон новите верувања, а не во догмите како такви. Навистина, самите дела укажуваат на причината за нивното создавање, бидејќи многу од овие скулптури и слики полни со живот и енергија се портрети. Иако зен-филозофијата би можела да ги смета обичните религиозни предмети за пречка за просветлување, традицијата на почестување на учителите била сосема прифатлива. Портрет сам по себе не може да биде предмет на обожување. Овој став кон портретот беше карактеристичен не само за зен-будизмот: многу министри од сектата Чиста земја беа почитувани речиси како будистички божества. Благодарение на портретот, дури се појави нова архитектонска форма - миеидо, или портрет капела. Брзиот развој на реализмот беше целосно во духот на времето.

Иако живописните портрети на свештениците очигледно навистина биле слики на одредени луѓе, тие често биле преработка на слики кои ги прикажуваат кинеските основачи на будизмот. Тие беа прикажани како проповедаат, со отворени усти, со рацете како гестикулираат; понекогаш беа прикажани заканети монаси како прават тешко патување за славата на верата.

Еден од најпопуларните теми беше раиго (посакувано пристигнување), кој го прикажува Буда Амида со неговите придружници како се спуштаат на облак за да ја спасат душата на верникот на неговата смртна постела и да ја пренесат во рајот. Боите на таквите слики честопати беа подобрени со нанесено злато, а брановидните линии, лелеавите наметки и вртливите облаци даваа чувство на движење на спуштањето на Буда.

Ункеи, активен во втората половина на 12-тиот и почетокот на 13-тиот век, беше автор на иновација што го олесни резбањето на дрво, кое остана омилен материјал на скулпторите за време на периодот Камакура. Претходно, мајсторот беше ограничен со големината и обликот на дневникот или дневникот од кој беше исечена фигурата. Рацете и елементите на облеката се нанесуваа посебно, но готовиот дел често личеше на оригиналната цилиндрична форма. Во новата техника, десетици мали парчиња беа внимателно споени заедно за да формираат шуплива пирамида, од која чираците потоа можеа грубо да изделат облик. Скулпторот имал на располагање поподвижен материјал и способност да создава посложени форми. Мускулестите чувари на храмот и божествата во лелеави наметки и наметки изгледаа поживи и затоа што кристалот или стаклото почнаа да се вметнуваат во нивните очни дупки; статуите почнаа да се украсуваат со позлатена бронза. Тие стануваа полесни и поретко пукаа додека дрвото се сушеше. Споменатата дрвена статуа на Куја Шонин, од Кошо, синот на Ункеи, го демонстрира највисокото достигнување на реализмот од времето на Камакура во портретната скулптура. Навистина, скулптурата во тоа време го достигна својот апогеј во својот развој, и последователно повеќе не зазема толку истакнато место во уметноста.

Секуларното сликарство исто така го одразуваше духот на времето. Наративни свитоци од доцниот период Хејан, со воздржани бои и грациозни линии, раскажуваа за романтичните ескапади на принцот Генџи или за забавата на повлечените дворски дами. Сега, со светли бои и енергични удари со четка, уметниците од ерата Камакура ги прикажуваа битките на завојуваните кланови, палатите зафатени од пламенот и исплашените луѓе кои бегаат од напаѓачките трупи. Дури и кога религиозната историја се одвиваше на свитокот, сликата не беше толку икона колку што беше историски запис за патувањата на светите луѓе и чудата што ги правеа. Во дизајнот на овие сцени може да се забележи растечка љубов кон природата и восхит кон родните пејзажи.

Период на Муромачи или Ашикага

(1392–1568). Во 1392 година, по повеќе од 50 години расправии, третиот шогун од семејството Ашикага, Јошимицу (1358–1408), повторно ја обединил земјата. Седиштето на владата повторно стана номинален главен град на Кјото, каде што шогуните Ашикага ги изградија своите палати во квартот Муромачи. (Овој период понекогаш се нарекува Муромачи или Ашикага.) Военото време не поштеди многу храмови - складишта на јапонската уметност, кои беа запалени заедно со богатствата што се наоѓаат таму. Земјата беше брутално уништена, па дури и мирот не донесе многу олеснување, бидејќи завојуваните кланови, постигнувајќи успех, дистрибуираа услуги по нивна желба. Се чинеше дека ситуацијата е крајно неповолна за развојот на уметноста, но всушност шогуните Ашикага ја покровителство, особено во 15-тиот и 16-тиот век, кога сликарството процвета.

Најзначајниот уметнички феномен од ова време беа монохроматските поетски слики со мастило поттикнати од зен-будизмот и под влијание на кинеските примери на династиите Сонг и Јуан. За време на династијата Минг (1368–1644), контактите со Кина биле обновени и Јошимицу, колекционер и покровител на уметноста, го охрабрил собирањето и проучувањето на кинески слики. Стана модел и почетна точка за надарените уметници кои сликаа пејзажи, птици, цвеќиња, слики на свештеници и мудреци со лесни и течни потези на четката. Јапонското сликарство од ова време се карактеризира со економичност на линијата; се чини дека уметникот ја извлекува квинтесенцијата на прикажаниот заплет, дозволувајќи му на гледачот да го пополни со детали. Транзициите на сивото и сјајното црно мастило во овие слики се многу блиски до зен филозофијата, која секако ги инспирирала нивните автори. Иако ова верување постигна значително влијание под военото владеење на Камакура, продолжи брзо да се шири во 15-тиот и 16-тиот век, кога се појавија бројни зен-манастири. Проповедајќи ја главно идејата за „самоспасување“, не го поврзуваше спасението со Буда, туку повеќе се потпираше на строгата самодисциплина на една личност за да постигне ненадејно интуитивно „просветлување“ што го обединува со апсолутното. Економична, но смела употреба на мастило и асиметрична композиција, во која необоени делови од хартијата играа значајна улога во приказите на идеализирани пејзажи, мудреци и научници, беа во согласност со оваа филозофија.

Еден од најпознатите експоненти на суми-е, стил на монохроматско сликање со мастило, бил Сешу (1420–1506), зен свештеник чиј долг и плоден живот му донел долготрајно почитување. На крајот од својот живот, тој почна да го користи стилот хабоку (брзо мастило), кој, за разлика од зрелиот стил, кој бараше јасни, економични потези, ја доведе традицијата на монохроматско сликарство речиси до апстракција.

Истиот период ја означува активноста на семејството уметници Кано и развојот на нивниот стил. Во однос на изборот на теми и употребата на мастило, тој беше близок до кинескиот, но во однос на изразните средства остана јапонски. Кано, со поддршка на шогунатот, стана „официјално“ училиште или уметнички стил на сликање и процвета до 19 век.

Наивната традиција на Јамато-е продолжи да живее во делата на училиштето Тоса, второто важно движење на јапонското сликарство. Всушност, во тоа време двете училишта, Кано и Тоша, беа тесно поврзани, ги обединуваше интересот за модерниот живот. Мотонобу Кано (1476–1559), еден од извонредните уметници од овој период, не само што ја оженил својата ќерка со познатиот уметник Тоса, туку и сликал на негов начин.

Во 15-16 век. Се појавија само неколку значајни скулптурни дела. Сепак, треба да се забележи дека развојот на ноо-драмата, со разновидните расположенија и емоции, отвори ново поле на активност за скулпторите - тие врежаа маски за актерите. Во класичната јапонска драма, изведена од и за аристократијата, актерите (еден или повеќе) носеа маски. Тие пренесоа низа чувства од страв, вознемиреност и збунетост до воздржана радост. Некои маски беа толку убаво издлабени што и најмалото вртење на главата на актерот предизвика суптилни промени во изразувањето на чувствата. Извонредни примероци на овие маски се чувале со години во семејствата за чии членови биле направени.

Момојама период

(1568–1615). Во 1593 година, големиот воен диктатор Хидејоши го изградил својот замок на Момојама, „ридот на праска“, а со ова име општо бил периодот од 47 години од падот на шогунатот Ашикага до воспоставувањето на Токугава, или Едо, периодот во 1615 година. Тоа беше време на доминација на сосема нова воена класа, чие големо богатство придонесе за процут на уметноста. Импресивните замоци со огромни сали за публика и долги ходници дојдоа во мода кон крајот на 16 век. и бараше украси соодветни на нивната големина. Тоа беше време на строги и храбри луѓе, а новите патрони, за разлика од претходната аристократија, не беа особено заинтересирани за интелектуални определби или за суптилностите на занаетчиството. За среќа, новата генерација уметници беше доста доследна на нивните покровители. Во овој период се појавија прекрасни екрани и подвижни панели во светли темноцрвени, смарагд, зелени, виолетови и сини бои. Ваквите бујни бои и украсни форми, често на златна или сребрена позадина, беа многу популарни сто години, а нивните творци со право беа наречени „големи декоратори“. Благодарение на суптилниот јапонски вкус, бујниот стил не прерасна во вулгарност, па дури и кога воздржаноста и потценувањето отстапија место на луксузот и украсните ексцеси, Јапонците успеаја да ја задржат елеганцијата.

Еитоку Кано (1543–1590), еден од првите големи уметници од овој период, работел во стилот на Кано и Тоса, проширувајќи ги цртачките концепти на првите и комбинирајќи ги со богатството на боите на второто. Иако преживеале само неколку дела кои со сигурност може да му се припишат на Еитоку, тој се смета за еден од основачите на стилот Момојама, а повеќето уметници од овој период биле негови ученици или биле под негово влијание.

Период на Едо или Токугава

(1615–1867). Долгиот период на мир што ја следеше новообединетата Јапонија се нарекува или времето на Токугава, по презимето на владетелот, или Едо (модерно Токио), бидејќи во 1603 година овој град стана нов центар на моќ. Двајца познати генерали од краткиот период на Момојама, Ода Нобунага (1534–1582) и Тојотоми Хидејоши (1536–1598), преку воена акција и дипломатија, конечно успеаја да ги помират моќните кланови и милитантното свештенство. Со смртта на Хидејоши во 1598 година, власта премина на Иејасу Токугава (1542–1616), кој ги заврши активностите започнати заеднички. Одлучувачката битка кај Секигахара во 1600 година ја зајакнала позицијата на Иејасу; падот на замокот Оска во 1615 година бил придружен со конечниот колапс на куќата на Хидејоши и воспоставувањето на неподеленото владеење на шогунатот Токугава.

Мирното владеење на Токугава траеше 15 генерации и заврши само во 19 век. Ова беше главно период на политика на „затворени врати“. Уредбата 1640 им забрани на странците да влезат во Јапонија, а Јапонците не можеа да патуваат во странство. Единствената комерцијална и културна врска била со Холанѓаните и Кинезите преку пристаништето Нагасаки. Како и во другите периоди на изолација, имаше пораст на националните чувства и појава на крајот на 17 век. таканаречената школа за жанрско сликарство и гравирање.

Брзо растечкиот главен град Едо стана центар не само на политичкиот и деловниот живот на островската империја, туку и центар на уметностите и занаетите. Условот даимио, провинциските феудалци, да бидат во главниот град одреден дел од секоја година, ја покрена потребата од нови градби, вклучувајќи палати, а со тоа и уметници да ги украсуваат. Во исто време, класата на богати, но неаристократски трговци во подем, обезбеди ново и често непрофесионално покровителство на уметниците.

Уметноста од раниот период на Едо делумно го продолжува и го развива стилот на Момојама, зајакнувајќи ги неговите тенденции кон луксуз и раскош. Богатството на бизарни слики и полихроми наследени од претходниот период продолжува да се развива. Овој декоративен стил го достигна својот врв во последната четвртина од 17 век. во т.н Ерата на Генроку од периодот Токугава (1688–1703). Во јапонската декоративна уметност, нема паралела во екстравагантноста и богатството на боите и украсните мотиви во сликарството, ткаенините, лаковите и уметничките детали - атрибути на луксузен начин на живот.

Бидејќи зборуваме за релативно доцен период од историјата, не е чудно што се зачувани имињата на многу уметници и нивните дела; Овде е можно да се наведат само неколку од најистакнатите. Меѓу претставниците на украсното училиште кои живееле и работеле за време на периодите Момојама и Едо се Хонами Коецу (1558–1637) и Нономура Сотатсу (р. 1643). Нивната работа покажува извонредно чувство за дизајн, композиција и боја. Коецу, талентиран керамичар и лак уметник, беше познат по убавината на неговата калиграфија. Заедно со Сотацу, тие создадоа песни на свитоци, кои беа модерни во тоа време. Во оваа комбинација на литература, калиграфија и сликарство, сликите не беа едноставни илустрации: тие создаваа или сугерираа расположение кое одговара на перцепцијата на текстот. Огата Корин (1658–1716) беше еден од наследниците на декоративниот стил и заедно со неговиот помлад брат Огата Кензан (1663–1743) ја доведоа неговата техника до совршенство. Кензан, попознат како керамист отколку како уметник, пукал со садови со дизајни на неговиот познат постар брат. Заживувањето на ова училиште на почетокот на 19 век. од поетот и уметник Сакаи Хоицу (1761–1828) беше последниот наплив на украсниот стил. Прекрасните свитоци и екрани на Хорицу го комбинираа чувството за дизајн на Корин со интересот за природата својствен на натурализмот на училиштето Марујама, изразен во богатството на бои и украсни мотиви карактеристични за претходниот период, кое беше ублажено со раскошот и благодатта на четката.

Заедно со полихромниот декоративен стил, традиционалниот цртеж со мастило на училиштето Кано продолжи да биде популарен. Во 1622 година, Кано Танју (1602–1674) бил назначен за дворски сликар на шогунот и повикан во Едо. Со неговото назначување на оваа позиција и основањето на Кано школата за сликарство во Едо, во Кобикито, започна половина век период на уметничко водење на оваа традиција, што го врати семејството Кано на значајна позиција и ги направи делата на Едо период е најзначаен во сликарството Кано. И покрај популарноста на екраните обоени со злато и светли бои создадени од „големите декоратори“ и ривали, Танју, благодарение на силата на неговиот талент и официјалната позиција, успеа да го направи сликата на оживеаното училиште Кано популарна меѓу благородниците. На традиционалните карактеристики на училиштето Кано, Танју додаде моќ и едноставност засновани на цврста скршена линија и внимателен распоред на композициски елементи на голема слободна површина.

Нова насока, во која главната карактеристика беше интересот за природата, почна да преовладува на крајот на 18 век. Марујама Окио (1733–1795), шеф на новото училиште, бил селанец, потоа станал свештеник и на крајот уметник. Првите две студии не му донесоа ниту среќа ниту успех, но како уметник достигна големи височини и се смета за основач на реалистичкото училиште на Марујама. Студирал кај мајсторот на училиштето Кано Ишида Јутеи (р. околу 1785); Врз основа на увезените холандски гравури, тој ја научил западната техника на перспективно прикажување, а понекогаш едноставно ги копирал овие гравури. Тој, исто така, ги проучувал кинеските стилови од династиите Сонг и Јуан, вклучувајќи го суптилниот и реалистичен стил на Чен Ксуан (1235–1290) и Шен Нанпинг; вториот живеел во Нагасаки на почетокот на 18 век. Окјо направи многу дела од животот, а неговите научни набљудувања послужија како основа за перцепцијата на природата на која се засноваше училиштето Марујама.

Покрај интересот за натурализмот во 18 век. се обнови влијанието на кинеската уметничка традиција. Претставниците на ова движење гравитираа кон сликовното училиште на уметници-научници од ерата Минг (1368–1644) и Кинг (1644–1912), иако нивните идеи за модерната состојба на уметност во Кина веројатно беа ограничени. Уметноста на ова јапонско училиште била наречена бујинга (уметност на образованите луѓе). Еден од највлијателните уметници кој работел во стилот на буџинга бил Икено Тајга (1723–1776), познат уметник и калиграф. Неговиот зрел стил се карактеризира со дебели контурни линии исполнети со лесни пердувести потези од светли тонови и мастило; Тој, исто така, сликал со широки, слободни потези на црно мастило, прикажувајќи бамбусови стебла свиткани на ветер и дожд. Со кратки, заоблени линии, тој постигна ефект на гравирање во неговиот приказ на магливите планини над езерото опкружено со шума.

17 век роди уште едно извонредно движење на уметноста од периодот Едо. Тоа се таканаречените укијо-е (слики од свет кој се менува) - жанровски сцени создадени од и за обични луѓе. Раните укијо-е се појавија во стариот главен град Кјото и беа главно живописни. Но, центарот на нивното производство наскоро се преселил во Едо, а вниманието на занаетчиите се фокусирало на гравирање на дрво. Блиската поврзаност на отпечатоците од дрво со укијо-е доведе до заблуда дека отпечатоците од дрво се откритие од овој период; всушност, потекнува од 11 век. Ваквите рани слики биле заветни по природа, прикажувајќи ги основачите на будизмот и божествата, а за време на периодот Камакура, некои наративни свитоци биле репродуцирани од врежани блокови. Сепак, уметноста на гравирање стана особено популарна во периодот од средината на 17 до 19 век.

Предметите на укијо-е принтовите беа убави куртизани од весели населби, омилени актери и сцени од драми. Рано, т.н Примитивните гравури беа изведени во црна боја, со силни ритмички брановидни линии и се карактеризираа со едноставни дизајни. Тие понекогаш биле рачно насликани во портокалово-црвена боја наречена тан-е (светло црвени слики), со ознаки од сенф-жолта и зелена боја. Некои од „примитивните“ уметници користеле рачно сликарство наречено урушу-е (слика со лак), во кое темните области биле зајакнати и осветлени со додавање на лепак. Раниот повеќебоен принт, кој се појавил во 1741 или 1742 година, бил наречен benizuri-e (црвено печатење) и обично користел три бои - розово-црвена, зелена, а понекогаш и жолта. Вистински повеќебојни отпечатоци, користејќи ја целата палета и наречени nishiki-e (брокатни слики), се појавија во 1765 година.

Покрај создавањето на поединечни отпечатоци, многу од граверите илустрираа книги и заработуваа пари со производство на еротски илустрации во книги и свитоци. Треба да се има на ум дека укијо-е гравирањето се состоеше од три вида активност: тоа беше дело на цртачот, чие име го носеше отпечатокот, резбарот и печатачот.

Хишикава Моронобу (околу 1625–1694) се смета за основач на традицијата на печатење укијо-е. Други „примитивни“ уметници на ова движење ги вклучуваат Кијомасу (1694–1716) и групата Каигетсудо (чудна дружба на уметници чие постоење останува нејасно), како и Окумура Масанобу (1686–1764).

Преодните уметници кои произведуваа печатени печати на benizuri-e беа Ишикава Тојонобу (1711–1785), Тории Кијохиро (активен околу 1751–1760) и Тори Кијомитсу (1735–1785).

Делата на Сузуки Харунобу (1725–1770) ја започнаа ерата на полихромното гравирање. Исполнети со нежни, речиси неутрални бои, населени со грациозни дами и галантни љубовници, принтовите на Харунобу беа голем успех. Кацукава Шуншо (1726-1792), Тори Киенага (1752-1815) и Китагава Утамаро (1753-1806) работеа со него во исто време. Секој од нив придонесе за развојот на овој жанр; мајсторите доведоа до совршенство гравури на кои се прикажани грациозни убавици и познати актери. Во текот на неколку месеци во 1794-1795 година, мистериозниот Тосусаи Сараку создаде неверојатно моќни и искрено брутални портрети на тогашните актери.

Во првите децении на 19 век. жанрот достигна зрелост и почна да опаѓа. Кацушика Хокусаи (1760–1849) и Андо Хирошиге (1797–1858) се најголемите мајстори на ерата, чие дело го поврзува падот на уметноста на гравурата во 19 век. и нејзиното ново заживување на почетокот на 20 век. И двајцата беа првенствено пејзажни сликари кои ги забележаа настаните од модерниот живот во нивните гравури. Брилијантното мајсторство на техниките на резбарите и печатачите овозможи да се пренесат во гравирање чудните линии и најмалите нијанси на зајдисонцето или маглата што изгрева во зори.

Реставрација на Меиџи и модерен период.

Често се случува древната уметност на одреден народ да е сиромашна со имиња, датуми и преживеани дела, па секакви пресуди може да се прават само со голема претпазливост и условеност. Сепак, не е помалку тешко да се суди за современата уметност, бидејќи ние сме лишени од историска перспектива за правилно проценување на размерите на кое било движење или уметник и неговото дело. Изучувањето на јапонската уметност не е исклучок, а најмногу што може да се направи е да се прикаже панорама на современата уметност и да се извлечат некои пробни прелиминарни заклучоци.

Во втората половина на 19 век. Јапонските пристаништа беа повторно отворени за трговија и се случија големи промени на политичката сцена. Во 1868 година, шогунатот бил укинат и владеењето на императорот Меиџи било обновено. Официјалната престолнина и резиденцијата на императорот биле преместени во Едо, а самиот град станал познат како Токио (источниот главен град).

Како што се случи во минатото, крајот на националната изолација предизвика голем интерес за достигнувањата на другите народи. Во тоа време, Јапонците направија огромен скок во областа на науката и технологијата. Уметнички, почетокот на ерата Меиџи (1868–1912) го демонстрира прифаќањето на сè западно, вклучително и технологијата. Сепак, оваа ревност не траеше долго, а потоа следеше период на асимилација, појава на нови форми кои комбинираа враќање кон сопствените традиции и новите западни трендови.

Значајни уметници вклучуваат Кано Хогаи (1828-1888), Шимомура Канзан (1873-1916), Такеучи Сеихо (1864-1924) и Томиока Тесаи (1836-1942). Првите тројца се придржуваа до традиционалниот јапонски стил и тема, иако се трудеа да бидат оригинални по расположение и техника. Сеихо, на пример, работеше во мирна и конзервативна атмосфера на Кјото. Неговите рани дела биле создадени во натуралистичкиот Марујама стил, но подоцна тој многу патувал во Кина и бил под длабоко влијание на кинеското сликарство со мастило. Неговите патувања во музеи и водечки уметнички центри во Европа, исто така, оставија трага на неговата работа. Од сите извонредни уметници од ова време, само еден Томиока Тесаи беше блиску до развој на нов стил. Неговите енергични и моќни дела комбинираат груби, искривени, нерамни линии и дамки од црно мастило со фино прецртани области на боја. Во подоцнежните години, некои млади маслени сликари успеаја таму каде што потфрлија нивните дедовци. Првите обиди за работа со овој необичен материјал потсетуваа на париските платна и не се одликуваа ниту со посебна вредност, ниту со конкретно јапонски карактеристики. Сепак, сега се создаваат дела со исклучителна привлечност во кои карактеристичното јапонско чувство за боја и сталоженост сјае низ апстрактните теми. Други уметници, работејќи со поприродно и традиционално мастило и понекогаш користејќи калиграфија како почетен мотив, создаваат енергични апстрактни дела во брилијантни црни со нијанси на сива боја.

Како во периодот Едо, така и во 19 и 20 век. скулптурата не беше популарна. Но, дури и во оваа област, претставниците на модерната генерација, кои студираа во Америка и Европа, експериментираа многу успешно. Малите бронзени скулптури, апстрактни по форма и со чудни имиња, го покажуваат јапонското чувство за линија и боја, видливо во употребата на нежно зелени или топло кафени патини; Резбата на дрво сведочи за јапонската љубов кон текстурата на материјалот.

Сосаку ханга, јапонскиот „креативен принт“, се појави дури во првата деценија на 20 век, но како посебно уметничко движење ги засени сите други области на модерната уметност. Овој модерен отпечаток од дрво не е, строго кажано, наследник на постариот печатење на дрвени блокови ukiyo-e; тие се разликуваат по стил, теми и методи на создавање. Уметниците, од кои многумина беа под големо влијание на западното сликарство, ја препознаа важноста на сопственото уметничко наследство и во дрвото најдоа соодветен материјал за изразување на нивните креативни идеали. Мајсторите на Ханга не само што цртаат, туку и резбаат слики на дрвени блокови и сами ги печатат. Иако највисоките достигнувања во оваа уметничка форма се поврзани со изработката на дрво, се користат сите модерни западни техники на гравирање. Експериментирањето со лисја, жици и „пронајдени предмети“ понекогаш може да создаде уникатни ефекти на текстура на површината. Отпрвин, мајсторите на ова движење беа принудени да бараат признание: на крајот на краиштата, дури и најдобрите достигнувања на училиштето укијо-е беа поврзани од интелектуалните уметници со неписмената толпа и се сметаа за плебејска уметност. Уметниците како што се Ончи Коширо, Хирацука Уничи и Маекава Сенпан направија многу за да ја вратат почитта кон графиката и да ја воспостават како достојна гранка на ликовната уметност. Тие привлекоа многу млади уметници во нивната група, а граверите сега ги има во стотици. Меѓу мајсторите на оваа генерација кои постигнаа признанија во Јапонија и на Запад се Азечи Уметаро, Мунаката Шико, Јамагучи Ген и Саито Кијоши. Ова се мајстори чии иновации и неоспорен талент им ја донесоа вистинската позиција меѓу водечките јапонски уметници. Многу од нивните врсници и други помлади ханга уметници, исто така, направија прекрасни принтови; Тоа што овде не ги спомнуваме нивните имиња не значи ниска оценка за нивната работа.

ДЕКОРАТИВНИ УМЕТНОСТИ, АРХИТЕКТУРА И ГРАДИНИ

Претходните делови првенствено се занимаваа со сликарството и скулптурата, кои во повеќето земји се сметаат за главни видови ликовна уметност. Можеби е неправедно да се вклучат на крајот од статијата декоративни уметности и народни занаети, градинарска уметност и архитектура - форми кои сочинуваат важен и составен дел на јапонската уметност. Сепак, со можен исклучок на архитектурата, тие бараат посебно внимание, освен општата периодизација на јапонската уметност и промените во стилот.

Керамика и порцелан.

Најважните уметности и занаети во Јапонија вклучуваат керамика и порцелан. Керамичката уметност природно спаѓа во две категории. Финиот полихроматски порцелан на Имари, Набешима и Какиемон го добил името по местата на производство, а неговото богато сликање на крем или синкаво-бела површина било наменето за благородниците и дворските кругови. Процесот на правење вистински порцелан стана познат во Јапонија кон крајот на 16 или почетокот на 17 век; чиниите и чиниите со мазна глазура, со асиметричен или шаблон како брокат, се ценети и дома и на Запад.

За разлика од порцеланот, во крупните садови од глина или камена маса со низок квалитет, карактеристични за Шино, Орибе и Бизен, вниманието е насочено кон материјалот, навидум невнимателниот, но промислен распоред на украсните елементи. Под влијание на концептите на зен-будизмот, таквите садови беа многу популарни во интелектуалните кругови и беа широко користени, особено во церемониите за чај. Многу чаши, чајници и чајници, атрибути на уметноста на чајната церемонија, ја отелотворуваа самата суштина на зен-будизмот: строга самодисциплина и строга едноставност. За време на најславниот период на јапонската декоративна уметност, талентираните уметници Корин и Кензан се занимаваа со украсување на керамички производи. Треба да се запомни дека славата на Кензан е поврзана повеќе со неговиот талент како керамичар отколку како сликар. Некои од наједноставните типови и техники на садови потекнуваат од народните занаетчиски традиции. Модерните работилници, продолжувајќи ги старите традиции, произведуваат прекрасни производи кои воодушевуваат со нивната елегантна едноставност.

Производи од лак.

Веќе во 7-8 век. лак беше познат во Јапонија. Оттогаш се зачувани капаците на кутиите, украсени со слики на луѓе и геометриски мотиви нанесени со тенки златни линии. Веќе зборувавме за важноста на техниката на сув лак за скулптурата во 8 и 9 век; во исто време и подоцна се изработувале украсни предмети како кутии за букви или кутии за темјан. Во периодот на Едо овие производи се правеле во големи количини и со најлуксузна декорација. Луксузно украсени кутии за ручек, колачи, темјан и лекови, наречени инро, го одразуваа богатството и љубовта кон луксузот својствени за ова време. Површината на предметите била украсена со шари од злато и сребрен прав, парчиња златна фолија, одделно или во комбинација со влошки со школки, бисер, легура на калај и олово итн.; овие модели се во контраст со лакирани црвени, црни или кафени површини. Понекогаш цртежи за лакови правеле уметници, на пример, Корин и Коецу, но малку е веројатно дека тие лично учествувале во овие дела.

Мечевите.

Јапонците, како што веќе беше кажано, беа во значителен период од нивната историја народ на воини; оружјето и оклопот се сметале за неопходност за голем дел од населението. Мечот беше гордост на човекот; и самото сечило и сите други делови на мечот, особено рачката (цуба), биле украсени со различни техники. Цубата изработена од железо или бронза била украсена со влошки од злато и сребро, покриени со резби или исечени со двете. Тие прикажуваа пејзажи или човечки фигури, цвеќиња или семејни грбови (пон). Сето ова ја надополни работата на креаторите на мечеви.

Ткаенини.

Свилите со богато дезен и другите ткаенини кои ги фаворизираа судот и свештенството во време на раскош и изобилство, како и едноставните ткаенини со речиси примитивни дизајни карактеристични за народната уметност, се исто така израз на националниот јапонски талент. Откако го достигна својот врв за време на раскошната ера на Генроку, уметноста на текстил повторно процвета во модерна Јапонија. Успешно комбинира идеи и вештачки влакна од Запад со традиционални бои и украсни мотиви.

Градини.

Во последниве децении, интересот за јапонските градини и архитектура се зголеми поради зголемената изложеност на западната јавност на овие уметнички форми. Градините имаат посебно место во Јапонија; тие се израз и симбол на високи религиозни и филозофски вистини, а овие нејасни, симболични призвук, во комбинација со очигледната убавина на градините, го привлекуваат интересот на западниот свет. Не може да се каже дека религиозните или филозофските идеи биле главната причина за создавање градини, но при планирањето и создавањето на градината, уметникот-планер ги разгледувал таквите елементи, чиешто размислување би го навело гледачот да размислува за различни филозофски вистини. Овде контемплативниот аспект на зен будизмот е отелотворен во група на необични камења, бранови од гребен песок и чакал во комбинација со трева или растенија распоредени така што потокот зад нив исчезнува и повторно се појавува, а сето тоа го поттикнува гледачот да ги заврши намерите на конструкцијата. Идеи за градина. За зен филозофијата е карактеристична претпочитата за нејасни навестувања пред јасни објаснувања. Продолжение на овие идеи се џуџестите бонсаи дрвја и малите градини во саксии, сега популарни на Запад.

Архитектура.

Главните архитектонски споменици на Јапонија се храмови, манастирски комплекси, феудални замоци и палати. Од античко време до денес, дрвото е главниот градежен материјал и во голема мера ги одредува дизајнерските карактеристики. Најстарите верски објекти се светилиштата на националната јапонска религија шинто; Судејќи според текстовите и цртежите, тие биле релативно едноставни градби со сламен покрив, како антички живеалишта. Зградите на храмовите подигнати по ширењето на будизмот и поврзани со него беа засновани на кинески прототипови во стил и распоред. Будистичката архитектура на храмовите варирала со текот на времето, а декорацијата и уредувањето на зградите варираат меѓу различните секти. Јапонските згради се одликуваат со огромни сали со високи покриви и сложени системи на конзоли, а нивниот декор го одразуваше вкусот на нивното време. Едноставната и величествена архитектура на комплексот Хоријуџи, изграден во близина на Нара на почетокот на VII век, е карактеристична за периодот Асука како убавината и елеганцијата на пропорциите на Худо, „салата Феникс“ во Уџи, рефлектирана во езерото Лотус. , е од периодот Хејан. Покомплексните градби од периодот Едо добија дополнителна декорација во форма на богато насликани лизгачки врати и екрани направени од истите „големи декоратори“ кои ги украсуваа ентериерите на замоците и феудалните палати.

Архитектурата и градините на Јапонија се толку тесно поврзани што може да се сметаат за делови една од друга. Ова е особено точно за згради и градинарски куќи за чајната церемонија. Нивната отвореност, едноставност и внимателен однос со пејзажот и перспективата имаат големо влијание врз модерната западна архитектура.

ВЛИЈАНИЕТО НА ЈАПОНСКАТА УМЕТНОСТ НА ЗАПАД

За само еден век, уметноста на Јапонија стана позната на Запад и имаше значително влијание врз неа. Имаше и претходни контакти (на пример, Холанѓаните тргуваа со Јапонија преку пристаништето Нагасаки), но предметите што стигнаа до Европа во 17 век беа главно дела од применета уметност - порцелан и лак. Тие беа со нетрпение собирани како куриозитети и копирани на различни начини, но овие украсни извози не ја одразуваа суштината и квалитетот на јапонската уметност, па дури и им дадоа на Јапонците неласкава идеја за западниот вкус.

Првиот пат кога западното сликарство беше директно под влијание на јапонската уметност во Европа беше во 1862 година за време на огромната меѓународна изложба во Лондон. Кога беа претставени на Париската изложба пет години подоцна, јапонските отпечатоци од дрво повторно предизвикаа голем интерес. Веднаш се појавија неколку приватни колекции на гравури. Дега, Мане, Моне, Гоген, Ван Гог и други ги сфатија јапонските отпечатоци во боја како откровение; Често се забележува малото, но секогаш препознатливо влијание на јапонските принтови врз импресионистите. Американките Вистлер и Мери Касат беа привлечени од воздржаноста на линијата и светлите дамки во боја на отпечатоците и сликите на укијо-е.

Отворањето на Јапонија за странците во 1868 година создаде лудост за сите западни нешта и ги натера Јапонците да се оттргнат од сопствената богата култура и уметничко наследство. Во тоа време, многу убави слики и скулптури беа продадени и завршија во западните музеи и приватни колекции. Изложбите на овие предмети го запознаа Западот со Јапонија и поттикнаа интерес за патување на Далечниот Исток. Се разбира, окупацијата на Јапонија од страна на американските трупи на крајот на Втората светска војна отвори поголеми можности од порано за истражување и учење повеќе за јапонските храмови и нивните богатства. Овој интерес се одрази на присуството во американските музеи. Интересот за Истокот воопшто предизвика организација на изложби на дела од јапонската уметност, избрани од јапонски јавни и приватни колекции и донесени во Америка и Европа.

Научните истражувања во последните децении направија многу за да ја побијат идејата дека јапонската уметност е само одраз на кинеската уметност, а бројните јапонски публикации на англиски го запознаа Западот со идеалите на Истокот.



Јапонија е многу интересна држава, позната по широк спектар на традиции и обичаи. Географската положба на Земјата на изгрејсонцето ја направи донекаде изолирана од другите држави, поради што се развиваше без оглед на европските земји. Јапонската култура е исклучително богата и разновидна. Уникатните јапонски традиции беа формирани под влијание на историски важни настани. Јапонија постепено се претвори во моќна, обединета држава со карактеристични карактеристики и одреден менталитет на населението.

Основни аспекти на јапонската култура

Културата на земјата се манифестира во многу сфери на општеството. Во Јапонија нејзините аспекти се;

За Јапонците процесот на пиење чај не е едноставно задоволување на физиолошките потреби на организмот, туку вистински култ. Церемонијата на чај во Јапонија е придружена со посебни атрибути и содржи многу традиции. Се чини дека таквиот почитуван однос кон секојдневниот процес го зеде својот развој од медитацијата на будистичките монаси. Тие се оние кои донесоа толку големо значење на процесот на пиење чај.

За Европејците, концептот на „кимоно“ ја карактеризира националната облека на Јапонија. Меѓутоа, во самата земја на изгрејсонцето има две значења на овој збор - во тесна и широка смисла. Зборот „кимоно“ во Јапонија не се однесува само на националната носија, туку и на целата облека воопшто. Под кимоното по правило се носи специјална наметка и седум ремени. Кимоното што се носи во лето се нарекува јуката. Во зависност од возраста на жената, моделот на облека може да варира.

Во Јапонија успешно се проповедаат две религиозни движења одеднаш - шинтоизам и будизам. Шинтоизмот се појавил во античка Јапонија, тој се заснова на обожавање на различни суштества. Будизмот, пак, е поделен на неколку сорти. Во Јапонија има многу училишта кои промовираат едно или друго движење на будизмот.

Карпестите градини се од особено значење за јапонската култура. Тие не се само архитектонска креација која го привлекува вниманието на туристите, туку и место на духовен раст. Овде Јапонците наоѓаат просветлување од размислувањето за камени структури распоредени по посебен редослед. Карпестите градини вклучуваат специфичен дизајн што само просветлен човек може да го открие.

Танго но секу е прослава на момчињата. Посветен е не само на сите мали машки претставници, туку и на мажественоста и силата на целиот јапонски народ. Вообичаено е празникот да се слави на пролет, кога природата се буди и воодушевува со својата убавина. На денот на Танго но Секу, за момчињата се грижат нивните родители. Таткото мора да му каже на својот син за сите јапонски воини и нивните подвизи. И мајка му ја поставува трпезата со вкусна храна.

Цветовите на црешата се сметаат за најубав природен феномен. Многу туристи доаѓаат овде токму за да уживаат во размислувањето за цветно растение. Во пролетта, во јапонските паркови може да се видат големи толпи луѓе. Многу семејства одат на излети и ја гледаат убавината на јапонските цреши.

Една од уникатните традиции на земјата вклучува поклонување. Тие ги персонифицираат правилата за добри манири. Не е обичај Јапонците да се збогуваат, туку се поклонуваат онолку пати колку што направил соговорникот.

Самурајите претставуваат одредена класа на општеството, кое се формирало под влијание на традициите и обичаите. Има директна врска со културата на земјата. Самурај се воини кои вршат одредена служба, која може да биде воена, безбедносна или домашна. Во кој било од овие случаи, самураите ја персонифицираат храброста, мажественоста и благородноста на јапонскиот народ.

Процесот на формирање на културата на античка Јапонија

Културата на античка Јапонија започна да се развива со раѓањето на јапонскиот јазик и пишување. Земјата на изгрејсонцето ја позајми основата за ова од Кина. Јапонското пишување содржи и хиероглифи кои странски државјанин нема да може да ги разбере. Со текот на времето, на јапонскиот јазик почнаа да се додаваат нови зборови, звуци и фрази. Така, тој беше целосно трансформиран, но заедничките карактеристики со Кина сè уште може да се следат.

Религиозноста на земјата исто така датира од античко време. Шинтоизмот бил последица на развојот на различни митологии. Во моментов, ова учење го промовира култот на водачите и мртвите луѓе. Будизмот има толку длабоки корени што мислењата на научниците и историчарите за појавата на овој вид религија многу се разликуваат.

Јапонска уметност

Речиси сите видови уметност што се практикуваат во Јапонија носат една главна идеја - смиреност и релаксација. Токму хармонијата на човекот со себе содржи уметност, без разлика на начинот на презентирање на информациите. Многу видови уметност познати низ целиот свет го започнаа својот развој во Јапонија. Меѓу нив можеме да истакнеме оригами - способност за превиткување разни форми од хартија.

Друг популарен дел од јапонската уметност е икебана. Ова е вештина за формирање букети цвеќе со помош на специјална технологија. Оттука произлезе една подеднакво популарна активност наречена бонсаи. Ова е создавање на различни композиции од џуџести дрвја. Во Омија, недалеку од Токио, има цел парк Бонсаи. Секое џуџесто дрво претставено овде е уникатно и убаво на свој начин.

Јапонското сликарство заслужува посебно значење, бидејќи секоја слика носи скриено значење. Како по правило, светли бои, контрастни транзиции и јасни линии се користат како дизајн. Јапонија има и уметност на калиграфија. Ова е вештината на естетски убаво пишување на хиероглифи. Применетата уметност е широко распространета и во Јапонија. Во Токио постои цел музеј посветен на овој занает. Овде можете да видите производи направени од хартија, стакло или метал. И ова не е комплетна листа на материјали што се користат за оваа намена.

Јапонскиот стил на внатрешен дизајн исто така заслужува посебно внимание. Вклучува функционалност и едноставност, заедно со оригиналноста на извршувањето. Покрај тоа, дизајнот на ентериер носи религиозна филозофија, исто како и секоја друга форма на јапонска уметност.

Архитектура на Јапонија

Архитектонските структури во Јапонија, на еден или друг начин, се поврзани со религијата. На почетокот, градбите на храмовите најчесто биле без цвеќе. Ова се должи на употребата на необоено дрво во градежништвото. Подоцна почнаа да користат црвени и сини нијанси.

Дрвото се смета за главен материјал за архитектонски згради во Јапонија. Ова се должи на фактот дека резервата на овој ресурс во земјата е доста голема. Покрај тоа што дрвото добро ја спроведува топлината и ја впива влагата, практично е и во случај на земјотреси, кои се случуваат доста често во Јапонија. Ако камената куќа е многу тешко да се рекреира по уништувањето, тогаш дрвената е многу полесна.

Главната карактеристика на јапонската архитектура е присуството на мазни геометриски форми. Најчесто тоа се триаголници и правоаголници. Речиси е невозможно да се најдат мазни и тркалезни линии во која било структура. Главниот принцип на кој Јапонците ги уредуваат своите домови е неразделното постоење на внатрешноста и надворешноста на куќата. Ова се однесува на јапонските градини. Тие треба да бидат декорирани во ист стил како и самата куќа. Во спротивно, се смета за лоша форма и целосно лош вкус. Јапонците посветуваат посебно внимание на нивните градини.

Јапонска музика

Во однос на музичкиот развој, Јапонија гледаше на други земји користејќи некакви музички инструменти. Но, подоцна таа ги модернизираше под влијание на локалните вкусови и традиции. Првиот што влијаел на формирањето на класичната музика во Јапонија бил локалниот фолклор на Денаку, измешан со странски влијанија и ја родил музиката што моментално и е позната на Јапонија.

Свој придонес во музичкото потекло даде и религиозната страна на прашањето. Благодарение на христијанството, свирењето на оргула почна да се шири. А будизмот промовираше свирење на флејта.

Во моментов, класичната музика се здоби со популарност во Јапонија. Многу претставници на оваа креативна ќелија патуваат во странство во Јапонија. Тие вклучуваат Гото Мидори, Озава Сеиџи и Учида Мицуко. Релативно неодамна, во Јапонија беа отворени сали дизајнирани за удобно слушање класична музика. Тие вклучуваат Кијо сала, Симфониска сала Осака, Овоштарник итн.

Домаќински традиции на Јапонија

Јапонците се добро воспитан народ кој ги почитува нивните традиции и обичаи. Да се ​​однесувате кон себе и кон другите со почит се смета за норма во Јапонија. Од детството децата се учат на добри манири, им се објаснуваат основните вредности на јапонскиот народ и се воспитуваат на секој можен начин. И сето тоа му користи на општеството. Секој турист кој доаѓа во земјата на изгрејсонцето од друга земја е изненаден од тоа колку Јапонците се пријателски настроени, дружељубиви и добро воспитани.

За разлика од европските земји, Јапонија долго време има забрана за пушење на јавни места. Ова важи и за приватна сопственост. Пушењето во близина на други луѓе е дозволено само доколку тие дале согласност.

Меѓу другото, Јапонците строго ги следат сите правила за хигиена кои општеството им ги диктира. На пример, во секоја просторија, вклучително и верски објекти, има специјални сламени душеци. Не можете да одите по нив во чевли, тие се сметаат не само за внатрешна декорација, туку и за вистинско сакрилегија. Исто така, Јапонците решиле да се заштитат од можни бактерии кои доаѓаат од тоалетот на нивните стапала. На секое јавно место и во становите има специјални влечки за тоалетот, кои не дозволуваат штетните микроби да се префрлаат во други простории.

За Јапонците јадењето не се смета за процес на живот, туку за вистински култ. Јапонците пред јадење секогаш ги бришат рацете со посебен пешкир намачкан со вода, кој се нарекува ошибори. Поставувањето на табелата не се случува по некој случаен редослед, туку според посебен модел. Дури и секој уред има свое место. Јапонците ги делат на машки и женски и тоа е многу важно за нив. Во Јапонија, лажиците се користат само за јадење супа од о-зони, која се подготвува за Нова Година; Јапонците претпочитаат да ги пијат остатокот од првите јадења исклучиво од специјални чинии. Згора на тоа, шушкањето со усните за време на оброк не се смета за лоши манири. Се верува дека така подобро се открива вкусот на јадењето.

Релевантноста на добрите манири во Јапонија се докажува со следниве правила:

• Потребно е однапред да се разговара за местото и времето на состанокот. Во Јапонија, доцнењето се смета за дрскост надвор од границите на пристојноста.
• Не можете да го прекинете вашиот соговорник, треба трпеливо да чекате личноста да проговори, а потоа да почнете да го кажувате вашето мислење.
• Ако се јавите на погрешен број, мора да се извините.
• Ако некој ви дојде на помош, тогаш дефинитивно треба да му се заблагодарите.
• Некои гости на Јапонците може да се сметаат за почесни. Дури им се доделува посебно место на масата, кое, по правило, се наоѓа најдалеку од влезот во собата.
• Кога им давате подарок на Јапонците, треба да се извините што сте скромни, и покрај тоа што претставува. Ова се правилата, не треба да се прекршуваат.
• Додека седат на трпеза, мажите можат да ги прекрстат нозете, но на жените тоа им е строго забрането. Нозете треба да бидат напикани и насочени во една насока.

Исто така, меѓу традициите во секојдневниот живот во Јапонија е и почитувањето на постарите луѓе. Не е важно која е професијата, приходите, изгледот или карактерните особини на една личност, ако е постар, тогаш мора да се однесува со почит. Староста во Јапонија предизвикува почит и гордост. Ова значи дека личноста измина долг пат и сега заслужува чест.

Помогнете ја страницата: притиснете ги копчињата

Химеџи е еден од најстарите замоци во Јапонија

Античка јапонска уметност
Јапонската култура се обликувала и се развивала во посебни природни и историски услови. Јапонија се наоѓа на четири големи и многу мали острови опкружени со мориња. Сместено на самиот раб на исток, доживеа периодично зголемување, а потоа повторно бледнее влијание на таквите култури на копното како Кина и Кореја. Периодите на интеракција со надворешниот свет во јапонската историја биле проследени со долги векови на културна изолација (периоди од 10-ти до 14-ти и од 17-ти до средината на 19 век). Последната околност придонесе за развој и консолидација на многу уникатни карактеристики на јапонската култура воопшто и уметноста особено. Запознавањето со културата на Западот се случи во 16 век, кога веќе беа формирани главните карактеристики на првобитната јапонска цивилизација. До 1854 година, Јапонија тргуваше со Кина и Холандија преку само едно пристаниште.

Од древните жители на јапонските острови - ловци и рибари - камени секири, харпуни, врвови од стрели и рачно изработени керамички садови откриени како резултат на археолошките ископувања, кои биле именувани поради втиснатата шема „Џомон“ на нив, што значи „ трага од јажето“. Затоа, неолитската култура во Јапонија се нарекува и Џомон. Пристигнувајќи од Сибир, Полинезија, а подоцна и од Кореја и Кина, доселениците застанаа на различни фази од културниот развој. Ова го објаснува фактот што во некои културни слоеви се среќаваат споменици и од неолитот и од бронзеното време. Јапонскиот јазик е близок до јазиците на групата Алтај. Кога, како резултат на контактите со кинеската култура, Јапонците се запознаа со кинеското хиероглифско пишување, се покажа дека е многу тешко да се прилагодат кинеските знаци за да се пренесе усниот јапонски говор.

Почетниот период на јапонската култура, за кој се зачувани сигурни податоци, се нарекува ера на кофуни (тумби) - погребувања, чијшто приземјен дел беше земјена тумба со карактеристична форма - врска на круг и трапез, потсетува на клучалката, која го симболизираше спојувањето на земјата и водата. Тие беа со значителна големина, беа опкружени со двоен ров со вода, на врвот на тумбата растеше трева, а по внатрешниот периметар на тумбата имаше шупливи глинени фигурини на луѓе, животни, модели на чамци и куќи од 30 см. до метар и пол. Тие беа наречени „ханива“. Внатре во погребната комора имаше ковчези со починати претставници на благородништвото, каде беа поставени ритуални предмети: огледало, ѕвонче дотаку, чиј звук требаше да ги исплаши злите духови и да ги привлече боговите - покровители на земјоделците. Погребите на кралевите на Јамато нужно содржеле такви ритуални симболи на моќ како приврзоци од жад и мечеви. За да се воздигнат кралевите од кланот Јамато, беше воспоставен почетокот на историјата, беше утврдена хиерархијата на боговите и беше идентификувано божеството Аматерасу („Сјае од небото“), кое ја пренесе моќта над јапонските острови на кралевите на Јамато. клан. Името „Нипон“ или „Нихон“, што значи „земја на изгрејсонцето“, се појавило во VII век. Во 608 година започнале студиски патувања во Кина, кои продолжиле повеќе од два века.

Дотаку - ритуални бронзени ѕвона - цилиндри стеснети кон врвот, на врвот со широки јамки со фигурирани испакнатини, чии ѕидови се поделени на квадрати исполнети со графички слики

Хетерогените верувања на Јапонците, кои имаат многу карактеристики на примитивен анимизам и фетишизам, се рефлектираат во шинтоизмот. Шинтоизмот („патот на боговите“) инхерентно ги одразува јапонските идеи за универзалната духовност на природата. Безброј на таканаречените „ками“ (духови) постојат и во чудесните пејзажни објекти, како што се езерото Бива и планината Фуџи, и во предметите создадени од луѓе - мечеви, огледала, кои затоа се обдарени со магични својства. Шинтоистичкиот храм се одликуваше со едноставноста на неговата дрвена структура: една соба беше поставена на потпорници, опкружена од сите страни со веранда. Внатре во шинтоистичкиот храм беше темно и празно. Верниците не влегоа во храмот.

Пара период (645-794 н.е.)

Нара е името на првиот главен град и единствениот град на Јапонија во тоа време. Ова беше време на воспоставување на јапонската државност, воведување на будизмот и создавање на споменици на будистичката уметност - храмови, пагоди и разни статуи на будистички божества. Будизмот во овој период не беше толку верата на луѓето колку продолжение на политиката на дворот. Различни секти на будизмот играа многу значајна улога на дворот, растеше земјиштето на будистичките манастири, а монасите имаа огромно влијание на дворот. Се појавуваат будистички манастири, кои се групи од дрвени градби сместени на правоаголна површина опкружена со ѕидови. Од особена важност биле широката уличка која води до предната порта, плоштадот пред храмот и повеќестепената пагода видлива од далечина. Дрвените храмови биле обоени со црвен лак, подигнати на камени темели и имале широки закривени двојни покриви - иримоја.

Меѓу раните будистички храмови се Асукадера, Хориуџи, изградбата на вториот започна во 607 година по налог на тогашниот престолонаследник Шотоку Таиши. Манастирот се состоел од 53 згради лоцирани на површина од 90 илјади квадратни метри. м Фасадата на храмот гледа на југ, главните градби се наоѓаат на оската север-југ, светата зона е север, имало сала за проповеди - кодо, кондо и петстепена пагода. Имаше 265 статуи во Хориуџи, главната скулптурална слика беше тројството Шакјамуни, претставена со скулптура на основачот на верата, придружена со две бодисатви. Во 8 век Во големите манастири веќе имало работилници за скулптори. Се проширил култот на бодисатва Канон, чие име било превод на санскритското име Авалокитешвара (Слушач на звуците на светот). Исполнет со сочувство кон живите суштества, Бодисатва може да ги слуша звуците на оние кои страдаат, каде и да се. Култот на Авалокитешвара потекнува од северозападна Индија и се проширил во Кина. Во Лотус Сутра беше кажано дека бодисатвата го добила обликот на оние суштества кои го повикале. Во Јапонија, ширењето на култот на Канон доведе до појава на голем број нејзини слики - Свети Канон помага во пеколот, Канон со глава на коњ кој шири милост кон говедата и злите духови - асурите се спасени од илјада- вооружен Канон, Канон со риболов конец спасува луѓе.

Хејан период (794-1185)

Во 794 година, главниот град на државата бил преместен во градот Хејан (сега Кјото). За време на периодот Хејан, процветала софистицирана дворска култура. Создаден е јапонски слог - кана (јапонски - позајмен хиероглиф). На почетокот само жените го користеле ова писмо, додека официјалното писмо продолжило да биде кинеско. Во текот на 10 век. Женското пишување почна да се користи во приватна пракса. Во 11 век Започна најславниот ден на јапонската класична литература, чиј брилијантен пример е романот „Генџи Моногатари“, создаден од дворската дама Мурасаки Шикибу.

Во уметноста Хејан, главното место го заземаат будистичките слики на езотеричните секти Тендаи и Шингон кои дојдоа од Кина во тоа време, кои учеа дека сите живи суштества ја поседуваат суштината на Буда. Со тренирање на духот и телото, исполнувајќи ги заветите, секој може да ја стекне суштината на Буда во процесот на неколку преродби. Храмовите на овие секти биле изградени на планински врвови и карпести корнизи, а молитвените куќи во нив биле поделени на два дела. На обичните верници не им беше дозволено да влезат во внатрешноста, каде што се наоѓаше светиот лик.

Ерата на Хејан е време на луксуз за владејачките кругови. Во тоа време, беше формиран типот на домување Шинден. Дури и во топла клима, ѕидовите не биле капитални и немале никаква придружна вредност. Тие може многу лесно да се раздвојат, да се заменат со поиздржливи на ладно време или целосно да се отстранат на топло време. Немаше ниту прозорци. Наместо стакло, врз рамката од решетка беше испружена бела хартија, пуштајќи ја пригушената светлина во просторијата. Широките настрешници на покривот ги штителе ѕидовите од влага и сончева светлина. Внатрешноста, лишена од постојан мебел, имаше лизгачки преградни ѕидови, благодарение на кои беше можно да се создаде сала или неколку мали изолирани простории по желба; подот беше покриен со сламени душеци - татами, со иста големина (180 на 90 цм).

Конфучијанските и будистичките текстови биле донесени од Кина во периодот Хејан. Тие често беа украсени со слики. Првично, јапонските уметници ги копираат кинеските „познати места“, но почнувајќи од 10 век. се свртиме кон прикажување на пејзажите и обичаите на нивната родна земја. Се формираше сликарството Јамато-е, кое се разликува од кинеското сликарство користејќи теми од јапонската поезија, раскази, романи или народни легенди. Сликата го добила своето име од името на регионот Јамато - југозападниот дел на островот Хоншу, каде што била формирана државноста на Јапонија.
Сликата често претставуваше свиток од илустрации со соодветниот текст, кој беше земен рачно и одвртен од десно кон лево; при читањето на соодветниот дел, беше испитувана следнава илустрација.

Сликарството Јамато-е процвета во доцниот период Хејан. Во тоа време се појавија професионални уметници кои сликаа слики од секуларни теми на екрани, лизгачки прегради (шоџи) и свитоци - емакимоно. Најстариот од свитоците е Генџи Моногатари. Свитоците на Емакимано беа слики-приказна. Свитокот „Генџи-моногатари-емаки“, познатиот роман на Мурасаки Шикибу, опстанал до ден-денес, во светли бои го прикажува неактивен живот на аристократијата; тој е синтеза на калиграфија, литература и сликарство. Во преживеаните 19 од 54-те поглавја на романот во илустрации, нема единствен заплет и континуирано дејство. Повеќето од прикажаните сцени се случуваат во ентериери, сè што е видливо е прикажано одозгора, нема единствена точка на исчезнување на линии, голема кореспонденција на фигури и архитектура, лицата на сите ликови се исти, само фризурите и облеката се различни. . Главниот фокус на вниманието на уметникот е да ја пренесе емотивната содржина на настаните што се случуваат во романот, а кои на сите им биле добро познати. Главните техники се градење простор и користење на можностите за боја. За да се пренесе внатрешната состојба на ликовите и атмосферата на секоја сцена, важно е уметникот под кој агол во однос на долниот раб на свитокот се насочени дијагоналните линии, што укажува или на гредите на структурите или на завесата прачки, или работ на верандата. Во зависност од степенот на емоционална напнатост, овој агол варира од 30 до 54 степени.

Бодисатва - Канон се појавува во Кина, Кореја и Јапонија главно во женска форма, во рацете со бокал, гранка од врба и ласо.

Немаше прегради во куќите на аристократите; најдобрите уметници ги насликаа сликите на Јамато-е на екрани и завеси. Сликите Јамато-е формираа единство со книжевните дела, кои исто така беа поставени на екрани и завеси. Во поетските антологии од X-XIII век. Не се невообичаени песните напишани на екрани од 9-10 век. Најголем број вакви песни се содржани во антологијата „Суиксу“. Како што поезијата беше на темата на четирите годишни времиња, така беше и сликарството за екрани. Во согласност со народното пишување песни, се разви одреден систем на поетски формули, а потоа стана основа на јапонската класична поетика. Значи, знакот на пролетта беше магла магла, врба, знакот на летото - кукавицата, цикадите, знакот на есента - црвените јаворови лисја, еленот, месечината, зимата - снегот и сливите.

Кјото е античкиот бисер на Јапонија.

Изобилството на хомоними во јазикот овозможило на песните да им се дадат многу значења. Темите и заплетите овозможија, преку детаљ или навестување во крајно лаконска поетска форма (во една танка има 31 слог), да се изрази различноста на сите нијанси на емоционални состојби. Од екрани со текстови имаше постепен премин кон екрани без текст. Така се појавија вистинските сликовни жанровски поделби - шики-е („слики од четирите годишни времиња“) и меизе-е („слики на познати места“).
Составот на таквите слики не одговараше на ниту една од категориите на кинеското сликарство. Најголемиот спој на природата и човекот ќе стане карактеристичен за различните жанрови на јапонската уметност.

Период Камакура (1185-1333) и Муромачи (1333-1568)

На крајот на 12 век, главниот град повторно бил преместен; власта во земјата, како резултат на крвава расправија, ја зазела кланот Минамото, чија глава го преселила главниот град во неговата населба Камакура, чие име станало името на следната фаза во историјата на Јапонија. Во земјата на власт дојде воената класа на самураи, од кои дојдоа шогуните - вистинските воени владетели на Јапонија; императорот, кој остана во Нара, ги задржа само номиналните атрибути на моќ. Самурајот ја претпочиташе едноставноста пред софистицираноста на дворската култура. Манастирите на сектата Зен повеќе не вклучувале пагоди; храмовите личеле на селски колиби. Од крајот на 13 век. под влијание на пантеистичките идеи на сектата Зен, пејзажот почна да ја отелотворува идејата за присуство на будистички божества во сите пејзажни објекти. Во манастирите на Камакура се разви иконографија на портрети на Минск патријарх: седи и во мирна поза со нагласена карактеристика на лицето и хипнотичка моќ на неговиот поглед. Под влијание на сектата Зен, скулптурата е ставена во втор план; сликарството, особено пејзажното сликарство, го изразува светогледот на луѓето од оваа ера.

Периодот Муромачи започнува со настаните од 1333 година, кога феудалците од југоисточните региони на островот Хоншу ја заробиле и запалиле Камакура, враќајќи го главниот град на Хејан. Тоа беше време на внатрешни судири и војни меѓу феудалните кланови. Водечка работа за проблематичните времиња беше учењето на приврзаниците на сектата Зен дека, откако ќе се постигне единство со природата, може да се помири со тешкотиите на животот и да се постигне единство со светот. Пејзажното сликарство доаѓа во прв план во јапонската уметност, под влијание на учењето на Зен дека „телото“ на Буда е природата. Во втората половина на 12 век. Сликањето со црно мастило дојде во Јапонија од Кина. Јапонците, кои првенствено се занимавале со такво сликарство, биле членови на сектата Зен. Тие создадоа нов стил кој го објаснуваше новото кредо (шигаку - комбинација на сликарство и поезија). XV и XVI век - времето на максимално цветање на сликарството со мастило, чиј водечки мајстор беше Сешу Тојо (1420-1506). Паралелно со овој стил, постоеше и стилот Јамато-е.

Промените во општествено-политичките односи, кои ја доведоа воената класа до израз, го определија и појавувањето во 16 век. Архитектонски стил на Сеин. Поранешниот единечен волумен на куќата сега е поделен со помош на лизгачки врати (шоџи) и лизгачки прегради (фузума). Во просториите се појави посебно место за учење - полица за книги и прозорец со широк прозорец и ниша (токонома), каде што беше поставен букет или чудно обликуван камен и закачен вертикален свиток.

Во 16 век Во историјата на јапонската архитектура, павилјоните за чај се појавуваат во врска со потребата правилно да се спроведе чајната церемонија. Чајот бил донесен во Јапонија за време на периодот Камакура од будистичките монаси како лек. Ритуалот за чај (ча-но-ју) бил воведен на иницијатива на зен-монахот Мурата Шуко и барал посебен метод за негово спроведување. Така се појавил нов тип на архитектонска градба - чашицу (павилјон за чајната церемонија), во својата структурална основа бил блиску до станбена зграда, а во функција - до будистички храм. Потпирачите на павилјонот за чај беа направени од дрво, а таванот беше обложен со бамбус или трска. Внатре во колиба од 1,5 или 2 татами покриена со душеци, со ѕидови од кирпич, мали прозорци на повеќе нивоа, токонома ниша со висечки монохроматски пејзаж и цвет во вазна, имаше огниште и полица за прибор.

Уметноста на создавање градини цветаше за време на периодот Муромачи. Јапонските градини се различни. Малите градини најчесто се наоѓаат во храмови или се поврзани со традиционална куќа, тие се наменети да се гледаат. Големите уредени градини се дизајнирани да се доживеат одвнатре.

Кондо - (јапонска златна сала) - главниот храм на будистичкиот комплекс, кој содржи икони, статуи, ѕидни слики

Градината на храмот Зен е изградена на принципот на монохроматски пределски свиток. Наместо лист хартија, уметникот користел површина на езеро или платформа покриена со камчиња, а наместо дамки и мијалници, дебели камења, мов, зеленило од дрвја и грмушки. Постепено, цвеќињата исчезнаа од градината, беа заменети со мов и грмушки, а наместо мостови почнаа да се користат камења. Некои градини беа уредени и ридски (цукијама). Градините на Цукијама беа комбинација од природни елементи како што се камења, мов, дрвја, езерца, со задолжителниот павилјон на брегот. Најстарата пејзажна градина се наоѓа во Кјото и му припаѓа на манастирот Сохоџи. Сувите градини се нарекувале „хиранива“, т.е. рамен. Хиранива е „филозофска“ градина, бидејќи бараше развиена имагинација од гледачот. Градината хиранива „беше направена од камења, песок и камчиња. Затворена од три страни со ѕид што ја опкружувал, градината била наменета само за размислување. На крајот на 15 век. една од најпознатите суви градини е создадена во манастирот Реанџи. Вклучува 15 камења лоцирани на правоаголна површина со чакал. Во градината Хиранива на манастирот Даитокуџи, создадена во 1509 година, природата е претставена со композиции од камења и камчиња. Еден од деловите на градината се нарекува „океан на празнината“ и се состои од два рида со ниски камчиња меѓу правоаголна област. Градините би можеле да се надополнуваат една со друга.

На крајот на 15 век. Формирана е Канодворската школа за украсно сликарство. Основачот на училиштето, Кано Масанобу (1434-1530), потекнува од воената класа и стана признат професионален дворски уметник. Неговите пејзажи имаа само преден план, сè останато беше заматено од магла. Акцентот на еден специфичен предмет на сликата ќе стане карактеристичен за училиштето Кано. Главното место во работата на уметниците од училиштето Кано го заземаа украсните ѕидни слики и екраните со жанрско сликарство. Ѕидните слики станаа главна компонента на синтезата со архитектонската форма и средство за влијание врз фигуративното значење на архитектонскиот простор. За возврат, карактеристиките на архитектонската форма бараа одредени стилски квалитети на сликите, поради што постепено се формираше нов стилски канон, кој беше зачуван во јапонското сликарство до 19 век.

Шинден е еден вид станбена зграда. Главната зграда, со правоаголен план, има една сала, свртена кон плоштадот со неговата јужна фасада и врамена со галерии на исток и запад.

Момојама период (1X73-1614)

И овој пат ерата на феудалните војни дојде до крајот, моќта во земјата премина на последователни воени диктатори - Ода Нобунага, Тојотоми Хидејоши и Ијаесу Токугава. Тоа беше време на урбан раст, секуларизација и демократизација на културата и навлегување на нови вредносни ориентации. Култната архитектура го изгуби своето поранешно значење. Новите владетели на Јапонија ја прогласија својата моќ со изградба на грандиозни замоци, чија изградба беше предизвикана од појавата на огнено оружје во Јапонија и соодветната промена во битката и одбранбената тактика. Замокот стана фундаментално нов тип на јапонска архитектура. Асиметрично лоцираната територија на замокот, опкружена со ров и стражарски кули и аголни кули, вклучуваше централен плоштад и многу дворови и простории, подземни засолништа и премини. Станбените простории беа сместени во дрвена зграда сместена на теренот на замокот со строга хиерархија на внатрешен простор што ја рефлектираше социјалната хиерархија. Декоративни ѕидни слики, грандиозни по големина, насликани со светли бои на златна позадина, беа најпогодни за ентериерите на замоците потопени во самракот.

Кано Еитоку (1543-1590). Креатор на нов стил на слики дизајнирани да ги слават воените диктатори. Тој беше првиот што го разви принципот на единствена композиција на големи хоризонтални површини, зголемувајќи ги формите и напуштајќи ги малите детали за да ги пренесе не само силуетите, туку и динамиката на нивните форми. Еитоку се карактеризира со желба да се зголеми плошноста на сликата и да се подобрат нејзините декоративни квалитети. Така, на места кои симболизираат празен простор, се поставуваат дамки со мешавина од златен прав. Просторот на композицијата се расплетуваше не во длабочина, туку покрај глетката.
Во 1576 година, на брегот на езерото Бива бил подигнат невиден замок со колосална седумкатна кула, кој требало да ја покаже моќта на диктаторот Ода Нобунага. Посебна карактеристика на замокот беше присуството на не само официјални, туку и приватни комори. Главна декорација на собите биле ѕидните слики, кои му биле доверени на Кано Еиток, кој на нив работел три години со голема група асистенти. Кано Еитоку, кого диктаторот побрза да ја заврши нарачката, почна да ги зголемува формите, користејќи густа четка направена од оризова слама, прибегнувајќи кон лаконскиот уметнички јазик. Главното место беше окупирано од сликата на дрвја, цвеќиња, птици и животни. Шемата на бои беше светла, немаше нијанса на бои.

Промената на социјалната ситуација во земјата по доаѓањето на власт на шогуните Токугава доведе до забрана за изградба на замоци.
Во делата на уметниците од првата третина на 17 век. нови карактеристики почнуваат да доминираат. Во сликарството, желбата за урамнотежени, мирни композиции, зголемувањето на украсните форми и интересот за културата од ерата Хејан и делата на Јамато-е станаа позабележителни. Карактеристична карактеристика на училиштето Кано од ова време е украсувањето и зголемената декоративност. Кога во втората четвртина на 17 век. Изградбата на замоци беше забранета, а екранот стана главна форма на украсно сликарство. Монументалноста на Кано Еитоку исчезна од декоративното сликарство. Уметноста доби личен допир, што влијаеше и на нејзините стилски квалитети. Декоративно сликарство од 17 век. најчесто бил инспириран од хероите и темите на класичната литература, одразувајќи го опсегот на интереси на племенската аристократија, како и на буржоаската елита што се појавува. Декоративното сликарство се развило во стариот главен град Кјото.

Огата Корин, нов претставник на училиштето Кано, стана експонент на вкусот на новите потрошувачи на уметност - жители на градот, трговци и занаетчии.

Емакимано - хоризонтален свиток од хартија или свила залепен на основа врамена со брокатна граница со дрвен валјак на крајот

Огата Корин (1658-1716) живееше како богат гребло и постојано ги посетуваше „геј квартовите“. Дури по пропаст, соочен со тешката потреба да заработи за живот, почнал да се занимава со текстилно сликарство и сликарство. Огата Корин се занимаваше и со керамика и со лак, и сликаше кимона и обожаватели. Како
мајстор, тој започна со вовед во традиционалното сликарство и неговите техники. Корин отсекогаш се стремел кон компактност и рамнотежа на формите, карактеристична карактеристика на неговиот креативен стил е концентрацијата на развојот на неколку мотиви на заплетот, нивното постојано повторување и варијација. За прв пат во делото на Огата Корин се појави дело од животот. На сликата на екранот „Црвено-бела слива“, заплетот на Корин се навраќа на класичната поезија со сликите на раната пролет и будната природа. Од двете страни на потокот, на златна подлога се испишани цветни дрвја: густа црвена слива со дебело заоблено стебло и речиси вертикално издигнати гранки, и друга, означена само со подножјето на стеблото и остро закривена гранка, како ако падне во вода, и затоа одеднаш се фрли, расфрлано со бели цветови.

Кано Еитоку јастреб на бор. Екран. Детал од крајот на 16 век.

Огата Кензан (1663-1743), за разлика од неговиот постар брат Огата Корин, од младоста гравитирал кон духовните вредности, бил следбеник на зен будизмот, ја познавал кинеската и јапонската класична литература, театарот Но и ритуалот за чај. На територијата што му припаѓа на храмот Нинаџи, Кензан добил дозвола да изгради сопствена керамичка печка, која произведувала производи 13 години до 1712 година. Тој не се стремел кон профитабилност, тој бил воден од идејата за создавање високоуметнички производи . За прв пат користел традиционални техники на сликање со мастило во тридимензионалното сликарство. Кензан почна да користи боја, напиша на влажен фрагмент, порозната глина ја впиваше бојата, како хартија во сликање со мастило. Како и неговиот голем современик, поетот Башо, кој популарниот низок жанр на хаику го претвори во откровение, Огата Кензан покажа дека обичните керамички чинии, чаши и вазни можат да бидат и утилитарни предмети и во исто време поетски ремек-дела на уметноста.

Едо период (1614-1868)

Во 1615 година, самурајите биле преселени од Кјото во Едо. Важноста на класата на трговци, трговци и лихвари, концентрирана во Мара, Кјото и Осака, се зголемила на значење. Претставниците на овие општествени групи се карактеризираа со световна перцепција за животот и желба да се ослободат од влијанието на феудалниот морал. За прв пат, уметноста се свртува кон теми од секојдневниот живот, вклучувајќи го и животот на т.н. весели населби - светот на чајџилниците, театарот Кабуки, сумо борачите. Појавата на гравирање на дрво беше поврзана со демократизацијата на културата, бидејќи гравирањето се карактеризира со циркулација, евтина цена и пристапност. Следејќи го секојдневното сликарство, гравирањето почна да се нарекува укијо-е (буквално, смртен, променлив свет).

Производството на гравури доби широк опсег. Раниот период на развој на укијо-е графиката е поврзан со името на Хашикава Моронобу (1618-1694), кој прикажувал едноставни сцени од животот на жителите на чајџилниците и занаетчиите, комбинирани во едно гравирање настани од различни времиња, неповрзани еден на друг. Позадината на гравурите остана бела, линиите беа јасни. Постепено, опсегот на теми во гравурите се прошири, а интересот не само за надворешниот, туку и за внатрешниот свет на ликовите стана подлабок. Јапонско гравирање во 1780-1790 година. влегува во својот врв. Сузуки Харанобу (1725-1770) првпат почна да го открива внатрешниот свет на хероите во гравури како „Убавиците што кубат гранче од слива“ и „Љубовници во снежна градина“. Тој беше првиот што ја користеше техниката на тркалање, создавајќи премин од темно во светол тон и ја менуваше дебелината и текстурата на линиите. Никогаш не се грижел за вистинските бои, морето во неговите гравури е розово, небото е песочно, тревата е сина, сè зависи од општото емотивно расположение на сцената. Едно од неговите најдобри дела, „Љубовници кои свират на истиот Шамисен“, е создадено на темата на јапонската поговорка - „Ако музиката промовира љубов, играј“.

Токонома - ниша во внатрешноста на чајџилница

Китагава Утамаро (1753-1806) - извонреден мајстор на укијо-е. Неговата работа започна со албумите „Книга на инсекти“ и „Песни на школки“. Во неговите портрети на жени до половина и до цела должина, Утамаро е првиот што користи мика во прав, што создава треперлива позадина. Убавицата Утамаро е идеална со нејзината грациозна форма и комплет за глава,
тенок врат, мала уста, кратки црни веѓи. Во сериите „Десет женски ликови“ и „Денови и часови на жени“, тој се обиде да идентификува различни типови на изглед и карактер на жените. На крајот на 90-тите. во Утамаро тој се осврнува на темата на мајчинството во отпечатоци како „Мајка со дете“ и „Игра со топка“, во исто време создава триптиши и полиптиши на историски теми, прибегнувајќи кон индиректна ознака (хероите на земјата се прикажани како убавици ). Тешусаи Шараку создаде серија портрети на актери од Кабуки и сумо борачи. Тој ги напушти општоприфатените традиции, правејќи ја гротеската негова главна техника. Третиот период на развој на гравирањето укијо-е паѓа на 1800-1868 година. Во тоа време, влијанието на холандските и германските офорции врз јапонската уметност се зголеми. Креативноста на уметничката династија Утагава се карактеризира со отфрлање на потрагата по индивидуалност и желба за формална благодат. Процутот на пејзажниот жанр во гравурата е поврзан со името на Кацушика Хокусаи (1760-1849). Хокусаи ги проучувал античките и модерните трендови во јапонската уметност, ја познавал уметноста на Кина и се запознал со европските гравури. До речиси 50-годишна возраст, Хокусаи работел на традиционалниот начин на укијо-е уметници. Само во албумите Манга (книга со скици), чиј прв том беше објавен во 1812 година, Хокусаи го најде своето поле на уметност. Сега сликаше секојдневни сцени, пејзажи, гужви.

пејзажни градини на Јапонија

На 70-годишна возраст, Хокусаи ја создаде својата серија „36 погледи на планината Фуџи“, во секоја од отпечатоците уметникот ја прикажува планината Фуџи. Комбинацијата на жанровска тема со пејзаж е карактеристика на Хокусаи. За разлика од античките пејзажни сликари, Хокусаи ја покажува земјата одоздола. Во исто време, тој ги создава сериите „Патување низ водопадите на земјата“, „Мостови“, „Големи цвеќиња“, „100 погледи на Фуџи“. Хокусаи би можел да ги пренесе работите од неочекуван агол. Во гравурите „100 погледи на Фуџи“, планините или излегуваат од темнината на ноќта како визија, или се видливи зад стеблата на бамбус или се рефлектираат во езерото. Следбеникот на Хокусаи, Андо Хирошиге (1797-1858), ја насликал природата многу пореално. Како речен агент по професија, тој патувал многу низ земјата, создавајќи ја својата серија „53 станици Токаидо“, „8 погледи на езерото Оми“, „69 погледи на Кишикаидо“. Уметноста на Хирошиге се приближува кон европското сликарство, ставајќи крај на двесте години најславни времиња на укијо-е принтовите.

Јапонска уметност Јапонска уметност

Уметноста на источноазиската држава, која зафаќа прибл. 4 илјади острови во западниот дел на Тихиот Океан. Најстарите споменици на уметност припаѓаат на културата на Џомон (IV - средината на I милениум п.н.е.). Станува збор за глинени садови обвиткани со тревни јажиња, кои при печењето оставале карактеристичен шар на нивната површина. Во кон. 1 милениум п.н.е д. шинтоистичката религија се вкорени (обожение на природата - планини, реки, дрвја итн.). Првите храмови биле плевни за складирање на оризот, пред кои се изведувале празнични ритуали. Најстарите светилишта (Исе и Изумо, почетокот на 1. милениум н.е.) биле изградени врз основа на типот на овие амбари-храмови. Во 3-6 век. n. д. Во врска со развојот на култот на предците, започна изградбата на грандиозни кралски могили (кофун) од кружни и потковица облици, опкружени со ров со вода (гробот на императорот Нинтоку). На нив биле поставени шупливи глинени фигурини (ханива) на кои се претставени свештенички, слуги, коњи и птици и модели на станбени згради.
Од крајот 6 век во врска со ширењето на будизмот, започна изградбата на манастири, квадратни во план пагодии храмови засновани на кинески и корејски модели (ансамбли Асукадера, 588; Шитенноџи, 593; Хокиџи, почетокот на VII век; Хоријуџи, 607) Зградите биле подигнати на бел камен платформа и биле опкружени колони, обоена со црвен лак, а на врвот е обложена со ќерамида, заоблен на рабовите, едностепен или двостепен покрив. Во централниот дел на будистичките храмови биле подигнати олтари со слики на будистички божества направени од позлатена бронза или обоено дрво.

Градината на царската палата. Повторно создаден во 1789 година според моделот на 9 век. Кјото

Во 710 година, кога била основана единствена централизирана феудална држава, првата постојана јапонска престолнина (пред тоа, кога нов владетел се качил на тронот, престолнината била преместена) станала Нара (Хејџо-кјо), изградена по моделот на кинеските градови со редовен распоред. Храмовите комплекси од ова време (Јакушиџи, Тодаиџи, Тошодаиџи) се карактеризираат со јасна симетрија на планови, грандиозни размери и моќта на структурите. Гротескните ритуални маски станаа широко распространети во скулптурата. Сликарството е претставено со слики од храмот Хорјуџи (8 век), кои по стил се блиски до индиските и кинеските примери.
Во 794 година, главниот град бил преместен во Хејан (сега Кјото). Во кон. 8-12 век Во архитектурата се појави нов тип на храм-палата (Храмот Феникс во манастирот Бјодоин во близина на Кјото, 1053 година). Припадниците на будистичките секти, кои проповедале тајни учења, подигнале верски објекти на затскриени места меѓу карпите (храмови Енријакуџи, 782; Конгобуџи, 816; Муроџи, крајот на 8-ми - почетокот на 9-ти век). Малите храмови беа органски интегрирани во пејзажот. Секуларната архитектура процвета. Т.н. Стилот Шинден-зукури, продолжувајќи ги традициите на националната архитектура, беше комбиниран со искуството на кинеската архитектура. Во центарот на станбените комплекси имало дрвен павилјон (шинден), подигнат на столбови, споен од двете страни со галерии (таиноја), кој ја поврзувал главната зграда со остатокот од ансамблот. Фасадата на павилјонот гледаше на песочна област, завршувајќи во јужниот дел со пејзажна градина со острови, мостови, карпи и вештачко езеро (царската палата во Кјото, пресоздадена според моделот од 9 век во 1789 година). Во скулптурата се појавија застрашувачки слики на божества со многу лица и многу вооружени - чувари на земјите во светот, исцелители на болести. Заедно со скулптурата, украсите и ѕидните слики беа широко користени во декорацијата на ентериерите на храмот. Сликарите исто така насликаа икони од мандала кои го пресоздадоа симболичниот дијаграм на будистичкиот универзум. Се разви еден вид хоризонтални свитоци (емакимоно) кои илустрираа книжевни дела (илустрации за „Приказната за принцот Генџи“ од Фуџивара Такајоши, почетокот на 12 век). Уметничките лакови беа популарни во декоративната и применетата уметност.
Во 12-15 век. Со земјата управуваа шогуни (воени владетели), а Камакура стана главен град. Популарни беа скулптурните и насликани портрети на шогуни (портрет на шогунот Минамото Јоритомо, направен од Фуџивара Таканобу, 12 век), воини и монаси. Оружјето и коњските појаси беа украсени со извонредна декорација. Во кон. 14-16 век под влијание на учењата на Зен, кој го проповедаше патот кон просветлувањето преку размислување за природата, која е „телото на Буда“, доживува процут. пејзажна архитектура(Храмови Кинкакуџи - Златен павилјон и Гинкакуџи - Сребрен павилјон во Кјото, 14-ти - крајот на 15 век). За разлика од европските градини, јапонските градини обично немале цветни растенија; беа украсени пејсажи карпести градини(градина на манастирот Ryoanji во Кјото, 15 век). Со помош на камења и песок, вештите градинари создадоа чувство на река, планини, мост што се протега низ бездна, водопад итн. Човек кој размислува за агол од градината создаде чувство на безграничен простор (градината на Дајзен -во Храмот во манастирот Даитокуџи во Кјото, 14 век). Во станбените згради исчезнаа долгите галерии, собите беа одделени со лизгачки прегради, се појавија посебни ниши (токонома) за живописни свитоци и полици (тана) за свети книги. Лизгачките ѕидови ја доближија внатрешноста до градината. Се развива сликарството со мастило (суибоку). Уметниците (Josetsu, Shuoun, Sesshu, итн.) сликаат монохроматски пејзажи на свитоци. На крајот на 15 век. сликарите од училиштето Кано (Масанобу Кано, Мотонобу Кано, Еитоку Кано, Санраку Кано итн.) Создадоа светли украсни композиции кои прикажуваат птици и цветни дрвја. Вкоренети во јапонската култура од 15 век. Традицијата на церемонии за чај имаше опипливо влијание врз архитектурата и ликовната уметност и предизвика процут на производството на порцелан. Во длабочините на градините беа поставени нагласено едноставни павилјони за церемонии за чај - полу-храмови, полу-колиби. Култот на едноставност, природност и запознавање со природниот свет го најде своето најсовршено олицетворение во ансамблот на империјалната селска вила Кацура во близина на Кјото (1625). Го доживува својот врв, кој настанал во 6 век. уметноста на икебана (аранжирање букети).
Во 1543 година, за време на бура, португалските трговци слетале на еден од јапонските острови. Оттогаш, започнаа живи контакти меѓу Јапонија и Европа. Во кон. 16 - почеток 17 век со учество на европски архитекти, биле подигнати грандиозни замоци, комбинирајќи ја киклопската ѕидарија на основата со традиционален дрвен врв (Азучијо, 1576; Осакајо, 1583; Химеџијо, 1601-09). Пространите мрачни ентериери на овие згради, како и палатите, беа украсени со резби на дрво, повеќебојни слики со изобилство на злато (замокот на шогунот Нијо, палатата Фушими, сега манастирот Нишихонганџи; и двете - почетокот на 17 век). Создадени се бујни, свечени гробни храмови, богато украсени со резби, позлата и слики (мавзолејот на шогуните Токугава во Нико, почетокот на 17 век).
Од 1639 година, под шогуните Токугава, на европските бродови им беше забранет влез во јапонските пристаништа. Периодот на самоизолација на Јапонија траеше до 1854 година. Во тоа време, урбаната култура цветаше. Мали коскени или дрвени фигурини - нетсуке - беа исклучително популарни. Во јапонскиот костум (кимоно) нема џебови, па на половината се носеа паричници и мали чанти. Низ ременот се навојува врвка, на едниот крај има паричник, а на другиот - противтежа-нетсуке. Внатре во нецукето имаше дупка низ која се навојува врвка. Во сите куќи имаше обоени луѓе гравури(ukiyo-e), изработен со користење на техниката дрворез. Познати автори на гравури биле Сузуки Харунобу и Китагава Утамаро, кои создале слики на нежни жени; Чосусаи Шараку, кој толкуваше актери од традиционалниот јапонски кабуки театар; пејзажни сликари Кацушика Хокусаи и Андо Хирошиге.
Архитектура и ликовни уметности од 19 век. означени со карактеристики еклектицизам, желбата да се доближат европските и националните манири. На 20 – почеток. 21ви век Јапонските мајстори се свртуваат кон целото разновидно наследство на европската уметност; авангардните трендови коегзистираат со оживувањето на древните национални традиции.

(Извор: „Уметност. Модерна илустрирана енциклопедија.“ уредено од проф. Горкин А.П.; М.: Росман; 2007 година.)

Погледнете што е „јапонската уметност“ во другите речници:

Калиграфијата (од грчкиот καλλιγραφία „убав ракопис“) е вид на ликовна уметност. Античка гранка на применетата ... Википедија

Уметноста и технологијата на оружарството- Царот Максимилијан I во оклопната работилница. Алатките се јасно видливи на масата. Во позадина е ковачки ков и наковална. На ѕидот виси готов оклоп од разни видови. Љубопитно е што оклопот Renzoig и Rentarch се наменети за леваци, о... ... Енциклопедија на средновековно оружје

Винсент Ван Гог. Ѕвездена ноќ, 1889 година ... Википедија

Уметноста на создавање визуелна слика на претстава (Види изведба) преку сценографија, костими, осветлување и техники на продукција. Развој итн. и. тесно поврзан со развојот на театарот, драмата и ликовната уметност. ……

Се разви како резултат на историски процес кој започна со преселувањето на предците на јапонскиот народ на јапонскиот архипелаг од копното и појавата на културата од периодот Џомон. Модерната јапонска култура е под силно влијание на азиските земји (во... ... Википедија

Литература Мултинационалната советска литература претставува квалитативно нова фаза во развојот на литературата. Како дефинитивна уметничка целина, обединета со единствена социјална и идеолошка ориентација, заедница... ... Голема советска енциклопедија

Сценографија (термин традиционален за западноевропската историја на уметност, широко распространет во советската наука од втората половина на 20 век), уметност на создавање визуелна слика на претстава преку сценографија, костими, осветлување,... ... Уметничка енциклопедија

Палеолит Jomon ... Википедија

Теорија и практика на војување на копно, море и воздух. Сов. Во и. вклучува стратегија, оперативна уметност, тактика. Во и. настанала истовремено со појавата на војните и војските и се развива во зависност од начинот на производство... Советска историска енциклопедија

Теорија и практика на подготовка и изведување воени операции на копно, море и во воздух; најважната гранка на воената наука (Види Воена наука). Компонентите на Советскиот В. и. се Воена стратегија, Оперативна уметност и... ... Голема советска енциклопедија

Книги

• Култура на Јапонија Уметноста на зен будизмот Учебник за универзитети, Малинина Е., Книгата на Елизавета Малинина зборува за некои аспекти на јапонската уметност, инспирирана од идеите и естетските принципи на зен будизмот, кој навлезе во Јапонија од Кина во 13 век и... Категорија: КултураПроизводител:

Јапонија е неверојатна источна земја сместена на острови. Друго име за Јапонија е Земја на изгрејсонцето. Благата, топла, влажна клима, планинските венци на вулкани и морските води создаваат прекрасни пејсажи меѓу кои растат млади Јапонци, што несомнено остава печат на уметноста на оваа мала држава. Овде луѓето од мали се навикнуваат на убавината, а свежото цвеќе, украсните растенија и малите градини со езеро се атрибут на нивните домови. Секој се обидува да организира парче дива природа за себе. Како и сите источни националности, Јапонците одржувале врска со природата, која ја почитувале и почитувале низ вековите на нивната цивилизација.

Навлажнување на воздухот: мијалникот „WINIX WSC-500“ генерира мали честички вода.Режими на работа на мијалникот Winix WSC-500: мијалникот за воздух „WINIX WSC-500“ има удобен автоматски режим на работа. Во исто време, се одржува најоптималната и најудобна влажност во просторијата - 50-60%, а режимот за прочистување на воздухот и јонизација на плазма („Плазма бран ™“) е стандардно вклучен.

Архитектура на Јапонија

Долго време, Јапонија се сметаше за затворена земја, контактите беа само со Кина и Кореја. Затоа, нивниот развој тргна по свој посебен пат. Подоцна, кога разни иновации почнаа да навлегуваат на територијата на островите, Јапонците брзо ги приспособија за себе и ги преправија на свој начин. Јапонскиот архитектонски стил содржи куќи со масивни закривени покриви за да ги заштити од постојаниот силен дожд. Царските палати со градини и павилјони се вистинско уметничко дело.

Меѓу религиозните објекти пронајдени во Јапонија, можеме да ги истакнеме дрвените шинтоистички храмови, будистичките пагоди и комплексите на будистичките храмови кои преживеале до денес, кои се појавиле во подоцнежен период од историјата, кога будизмот влегол во земјата од копното и бил прогласен за држава. религијата. Дрвените згради, како што знаеме, не се издржливи и ранливи, но во Јапонија е вообичаено да се рекреираат зградите во нивната оригинална форма, па дури и по пожарите повторно се градат во истата форма во која биле изградени во тоа време.

Јапонска скулптура

Будизмот имаше силно влијание врз развојот на јапонската уметност. Многу дела ја претставуваат сликата на Буда, така што во храмовите биле создадени бројни статуи и скулптури на Буда. Тие беа направени од метал, дрво и камен. Дури по извесно време се појавиле мајстори кои почнале да изработуваат световни портретни скулптури, но со текот на времето потребата за нив исчезнала, па скулптурните релјефи со длабоки резби почнале се почесто да се користат за украсување згради.

Минијатурната нетсуке скулптура се смета за национална уметничка форма на Јапонија. Првично, таквите фигури играа улога на привезок што беше прикачен на ременот. Секоја фигура имала дупка за врвка на која се закачувале потребните предмети, бидејќи облеката во тоа време немала џебови. Фигурините на Нецуке прикажувале секуларни ликови, богови, демони или разни предмети кои имале посебно тајно значење, на пример, желба за семејна среќа. Netsuke се направени од дрво, слонова коска, керамика или метал.

Декоративна уметност на Јапонија

Производството на оружје со острици беше издигнато на ниво на уметност во Јапонија, доведувајќи го производството на самурајскиот меч до совршенство. Мечевите, ками, рамки за мечеви, елементи од борбена муниција служеле како еден вид машки накит, што укажува на припадност на класата, па затоа биле изработени од вешти мајстори, украсени со скапоцени камења и резби. Јапонските народни занаети вклучуваат и керамика, лак, ткаење и гравирање на дрво. Традиционалните керамички производи се насликани од јапонски грнчари со различни шари и глазури.

Јапонско сликарство

Во јапонското сликарство најпрво преовладуваше монохроматскиот тип на слики, тесно испреплетени со уметноста на калиграфијата. И двете беа создадени според истите принципи. Уметноста на правење бои, мастило и хартија дојде во Јапонија од копното. Во овој поглед, започна нов круг на развој на сликарската уметност. Во тоа време, еден од видовите на јапонско сликарство беа долгите хоризонтални свитоци на емакиномо, кои прикажуваа сцени од животот на Буда. Пејзажното сликарство во Јапонија почнало да се развива многу подоцна, по што се појавиле уметници кои се специјализирале за сцени од општествениот живот, сликање портрети и воени сцени.

Во Јапонија обично сликаат на преклопни екрани, шоџи, ѕидови од куќи и облека. За Јапонците, екранот не е само функционален елемент на домот, туку и уметничко дело за размислување, дефинирајќи го целокупното расположение на собата. Националната облека, кимоното, е исто така парче јапонска уметност, кое носи посебен ориентален вкус. Декоративни панели на златна фолија со светли бои, исто така, може да се класифицираат како дела на јапонското сликарство. Јапонците имаат постигнато голема вештина во создавањето на укијо-е, таканареченото гравирање на дрво. Темата на ваквите слики беа епизоди од животот на обичните жители на градот, уметниците и гејшите, како и прекрасните пејзажи, кои станаа резултат на развојот на сликарската уметност во Јапонија.