De inhoud van het artikel

JAPANSE KUNST. Sinds de oudheid wordt de Japanse kunst gekenmerkt door actieve creativiteit. Ondanks hun afhankelijkheid van China, waar voortdurend nieuwe artistieke en esthetische trends opdoken, introduceerden Japanse kunstenaars altijd nieuwe kenmerken en veranderden ze de kunst van hun leraren, waardoor deze een Japanse uitstraling kreeg.

De geschiedenis van Japan als zodanig begint pas aan het einde van de 5e eeuw bepaalde vormen aan te nemen. Er zijn relatief weinig voorwerpen ontdekt die dateren uit voorgaande eeuwen (de archaïsche periode), hoewel sommige vondsten tijdens opgravingen of tijdens bouwwerkzaamheden wijzen op opmerkelijk artistiek talent.

Archaïsche periode.

De oudste Japanse kunstwerken zijn kleipotten van het jomon-type (koordafdruk). De naam komt van de decoratie van het oppervlak met spiraalvormige afdrukken van koord dat om de stokken is gewikkeld die de vakman gebruikte om het vat te maken. Misschien ontdekten de ambachtslieden in eerste instantie per ongeluk de gevlochten prints, maar begonnen ze vervolgens opzettelijk te gebruiken. Soms werden koordachtige kleikrullen op het oppervlak geplakt, waardoor een complexer decoratief effect ontstond, bijna een reliëf. De eerste Japanse sculptuur ontstond in de Jomon-cultuur. Dogu (letterlijk "kleibeeld") van een persoon of dier had waarschijnlijk een religieuze betekenis. De afbeeldingen van mensen, meestal vrouwen, lijken sterk op de kleigodinnen van andere primitieve culturen.

Radiokoolstofdatering suggereert dat sommige vondsten uit de Jomon-cultuur mogelijk dateren uit 6 à 5.000 v.Chr., maar zo vroeg dateren wordt niet algemeen aanvaard. Dergelijke gerechten zijn uiteraard over een lange periode gemaakt en hoewel de exacte datering nog niet kan worden vastgesteld, zijn er wel drie periodes te onderscheiden. De oudste exemplaren hebben een puntige basis en zijn vrijwel ongeornamenteerd, afgezien van sporen van pottenbakkersgereedschap. De vaten uit de middenperiode zijn rijker versierd, soms met gegoten elementen, waardoor de indruk van volume ontstaat. De vormen van de vaten uit de derde periode zijn zeer divers, maar de decoratie wordt weer vlakker en ingetogener.

Rond de 2e eeuw. BC. Jomon-keramiek maakte plaats voor Yayoi-keramiek, gekenmerkt door sierlijke vormen, eenvoud van ontwerp en hoge technische kwaliteit. De scherf van het vat werd dunner en het ornament minder fraai. Dit type bleef bestaan ​​tot de 3e eeuw. ADVERTENTIE

Vanuit artistiek oogpunt zijn misschien wel de beste werken uit de vroege periode de haniwa, kleicilinders uit de 3e tot 5e eeuw. ADVERTENTIE Kenmerkende monumenten uit deze tijd zijn enorme heuvels, grafheuvels, grafmonumenten van keizers en machtige adel. Ze zijn vaak erg groot en getuigen van de macht en rijkdom van de keizerlijke familie en hovelingen. De bouw van een dergelijk bouwwerk voor keizer Nintoku-tenno (ca. 395-427 n.Chr.) Duurde 40 jaar. Het meest opvallende kenmerk van deze heuvels waren de kleicilinders, haniwa, die ze als een hek omringden. Meestal waren deze cilinders volkomen eenvoudig, maar soms waren ze versierd met menselijke figuren, minder vaak met beeldjes van paarden, huizen of hanen. Hun doel was tweeledig: het voorkomen van de erosie van enorme landmassa's en het voorzien van de overledene van de levensbehoeften die hij in het aardse leven gebruikte. Uiteraard werden de cilinders in grote hoeveelheden in één keer geproduceerd. De verscheidenheid aan thema’s, gezichtsuitdrukkingen en gebaren van de figuren die ze versieren, is grotendeels het resultaat van de improvisatie van de meester. Ondanks het feit dat het werk van ambachtslieden is en niet van schilders en beeldhouwers, zijn ze als eigenlijke Japanse kunstvorm van groot belang. De gebouwen, de paarden met dekens, keurige dames en krijgers geven een interessant beeld van het militaire leven van het vroege feodale Japan. Het is mogelijk dat de prototypes van deze cilinders in China verschenen, waar verschillende voorwerpen rechtstreeks in begrafenissen werden geplaatst, maar de uitvoering en de wijze van gebruik van haniwa behoren tot de lokale traditie.

De archaïsche periode wordt vaak gezien als een tijd zonder werken van hoog artistiek niveau, een tijd van dominantie van zaken van voornamelijk archeologische en etnologische waarde. We moeten echter niet vergeten dat de werken van deze vroege cultuur als geheel een grote vitaliteit hadden, omdat hun vormen overleefden en bleven bestaan ​​als specifieke nationale kenmerken van de Japanse kunst in latere perioden.

Asuka-periode

(552–710 n.Chr.). Introductie van het boeddhisme halverwege de 6e eeuw. bracht belangrijke veranderingen aan in de manier van leven en denken van de Japanners en werd een impuls voor de ontwikkeling van de kunst van deze en daaropvolgende perioden. De komst van het boeddhisme uit China via Korea wordt traditioneel gedateerd op 552 na Christus, maar was waarschijnlijk al eerder bekend. In de beginjaren kreeg het boeddhisme te maken met politieke tegenstand, met tegenstand van de nationale religie Shinto, maar slechts een paar decennia later kreeg het nieuwe geloof officiële goedkeuring en werd het uiteindelijk gevestigd. In de beginjaren van zijn introductie in Japan was het boeddhisme een relatief eenvoudige religie met een klein aantal goden die afbeeldingen nodig hadden, maar na ongeveer honderd jaar won het aan kracht en groeide het pantheon enorm.

Gedurende deze periode werden tempels gesticht, die niet alleen dienden voor de verspreiding van het geloof, maar ook centra van kunst en onderwijs waren. De kloostertempel in Horyuji is een van de belangrijkste voor de studie van vroege boeddhistische kunst. Naast andere schatten is er een standbeeld van de grote triade Syaka-Nerai (623 n.Chr.). Dit werk van Tori Bussi, de eerste grote Japanse beeldhouwer die we kennen, is een gestileerd bronzen beeld vergelijkbaar met soortgelijke groepen in de grote grottempels van China. De houding van de zittende Shaky (Japanse transcriptie van het woord "Shakyamuni", de historische Boeddha) en de twee figuren die aan weerszijden van hem staan, is strikt frontaal. De vormen van de menselijke figuur zijn verborgen door zware symmetrische plooien van schematisch weergegeven kleding, en in de gladde, langwerpige gezichten kan men dromerige zelfabsorptie en contemplatie voelen. Het beeld uit deze eerste boeddhistische periode is gebaseerd op de stijl en prototypes van het vasteland vijftig jaar eerder; het volgt getrouw de Chinese traditie die via Korea naar Japan kwam.

Enkele van de belangrijkste sculpturen uit deze tijd waren gemaakt van brons, maar er werd ook hout gebruikt. De twee bekendste houten sculpturen zijn die van de godin Kannon: Yumedono Kannon en Kudara Kannon, beide in Horyuji. Ze zijn een aantrekkelijker voorwerp van aanbidding dan de Shaki-triade, met hun archaïsche glimlachen en dromerige uitdrukkingen. Ook al hebben de Kannon-figuren een schematische en symmetrische opstelling van kledingplooien, ze zijn lichter en bewegingsrijker. Lange, slanke figuren benadrukken de spiritualiteit van de gezichten, hun abstracte vriendelijkheid, ver verwijderd van alle wereldse zorgen, maar gevoelig voor de gebeden van de lijdenden. De beeldhouwer besteedde enige aandacht aan de contouren van de figuur van Kudara Kannon, verborgen door de plooien van kleding, en in tegenstelling tot het grillige silhouet van Yumedono is de beweging van zowel figuur als stof in de diepte gericht. In profiel heeft Kudara Kannon een sierlijke S-vormige omtrek.

Het enige overgebleven voorbeeld van schilderkunst dat een idee geeft van de stijl van het begin van de 7e eeuw is het schilderij van Tamamushi Zushi, het ‘gevleugelde heiligdom’. Dit miniatuurheiligdom ontleent zijn naam aan de iriserende kevervleugels in een geperforeerd metalen frame; later werd het versierd met religieuze composities en figuren van individuele karakters gemaakt met gekleurde vernis. Net als de sculptuur uit deze periode laten sommige afbeeldingen een grote ontwerpvrijheid zien.

Nara-periode

(710-784). In 710 werd de hoofdstad verplaatst naar Nara, een nieuwe stad naar het voorbeeld van de Chinese hoofdstad Chang'an. Er waren brede straten, grote paleizen en talloze boeddhistische tempels. Niet alleen het boeddhisme in al zijn aspecten, maar het hele Chinese culturele en politieke leven werd gezien als een model om te volgen. Geen enkel ander land heeft zich misschien meer ontoereikend gevoeld in zijn eigen cultuur of is zo vatbaar geweest voor invloeden van buitenaf. Geleerden en pelgrims bewogen zich vrijelijk tussen Japan en het vasteland, en het regerings- en paleisleven was gemodelleerd naar de Tang-dynastie in China. We moeten echter niet vergeten dat de Japanners, ondanks het imiteren van de voorbeelden van Tang China, vooral in de kunst, en het waarnemen van de invloed en stijl ervan, buitenlandse vormen bijna altijd aan hun eigen vormen hebben aangepast.

In de beeldhouwkunst maakten de strikte frontaliteit en symmetrie van de voorgaande Asuka-periode plaats voor vrijere vormen. Door de ontwikkeling van ideeën over de goden, de toegenomen technische vaardigheid en de vrijheid van materiaalgebruik konden kunstenaars intiemere en toegankelijkere cultbeelden creëren. De oprichting van nieuwe boeddhistische sekten breidde het pantheon uit en omvatte zelfs de heiligen en grondleggers van het boeddhisme. Naast bronzen beeldhouwkunst is er een groot aantal werken van hout, klei en vernis bekend. Steen was zeldzaam en werd bijna nooit gebruikt voor beeldhouwkunst. Droge vernis was vooral populair, misschien omdat, ondanks de complexiteit van het voorbereidingsproces van de compositie, de werken die ervan werden gemaakt er indrukwekkender uitzagen dan houten en sterker waren dan kleiproducten die gemakkelijker te maken waren. Lakfiguren werden gevormd op een houten of kleibasis, die vervolgens werd verwijderd, of op houten of draadversterking; ze waren licht en duurzaam. Ondanks het feit dat deze techniek enige rigiditeit in poses dicteerde, werd een grote vrijheid toegestaan ​​in de weergave van gezichten, wat gedeeltelijk bijdroeg aan de ontwikkeling van wat eigenlijk portretsculptuur genoemd kan worden. De afbeelding van het gezicht van de godheid werd uitgevoerd in overeenstemming met de strenge eisen van de boeddhistische canons, maar de populariteit en zelfs de vergoddelijking van sommige grondleggers en predikers van het geloof boden uitstekende mogelijkheden om portretgelijkenis over te brengen. Deze gelijkenis is te zien in het beeldhouwwerk gemaakt van droge vernis van de Chinese patriarch Genjin, vereerd in Japan, gelegen in de Toshodaiji-tempel. Genjin was blind toen hij in 753 in Japan aankwam, en zijn blinde ogen en verlichte staat van innerlijke contemplatie zijn prachtig vastgelegd door de onbekende beeldhouwer. Deze realistische tendens kwam het duidelijkst tot uiting in de houten sculptuur van de predikant Kuya, gemaakt door de beeldhouwer Kosho in de 13e en 14e eeuw. De predikant is gekleed als een rondzwervende bedelaar met staf, gong en hamer, en uit zijn halfopen mond komen kleine boeddhafiguren tevoorschijn. Niet tevreden met het beeld van de zingende monnik, deed de beeldhouwer een poging om de diepste betekenis van zijn woorden tot uitdrukking te brengen.

Ook de afbeeldingen van Boeddha uit de Nara-periode onderscheiden zich door een groot realisme. Ze zijn gemaakt voor een steeds groter aantal tempels, zijn niet zo onverstoorbaar koud en gereserveerd als hun voorgangers, hebben een meer gracieuze schoonheid en adel, en zijn met grotere gunst gericht tot de mensen die ze aanbidden.

Er zijn maar heel weinig schilderijen uit deze tijd bewaard gebleven. Het veelkleurige ontwerp op papier toont de vorige en huidige levens van de Boeddha. Dit is een van de weinige oude voorbeelden van emakimono, oftewel rolschildering. De rollen rolden zich langzaam af van rechts naar links, en de kijker kon alleen genieten van dat deel van de foto dat zich tussen de handen bevond die de rol afrolden. De illustraties werden direct boven de tekst geplaatst, in tegenstelling tot latere rollen waarbij een tekstgedeelte werd afgewisseld met een verklarende afbeelding. In deze oudste nog bestaande voorbeelden van rolschildering worden omlijnde figuren geplaatst tegen een nauwelijks omlijnd landschap, waarbij het centrale personage, in dit geval Shaka, in verschillende scènes verschijnt.

Vroege Heian

(784-897). In 784 werd de hoofdstad tijdelijk verplaatst naar Nagaoka, deels om de dominantie van Nara's boeddhistische geestelijkheid te vermijden. In 794 verhuisde ze voor langere tijd naar Heian (nu Kyoto). Eind 8e en 9e eeuw was een periode waarin Japan met succes veel buitenlandse innovaties assimileerde en zich aanpaste aan zijn eigen kenmerken. De boeddhistische religie beleefde ook een tijd van verandering, de opkomst van nieuwe sekten van het esoterisch boeddhisme, met zijn ontwikkelde rituelen en etiquette. Hiervan waren de Tendai- en Shingon-sekten de meest invloedrijke, die hun oorsprong vonden in India, China bereikten en van daaruit naar Japan werden gebracht door twee wetenschappers die na een lange leertijd naar hun thuisland terugkeerden. De Shingon-sekte (“Ware Woorden”) was vooral populair aan het hof en nam al snel een dominante positie in. De belangrijkste kloosters bevonden zich op de berg Koya nabij Kyoto; net als andere belangrijke boeddhistische centra werden ze opslagplaatsen van enorme kunstcollecties.

Beeldhouwwerk uit de 9e eeuw was grotendeels van hout. De beelden van goden onderscheidden zich door hun ernst en ontoegankelijke grootsheid, wat werd benadrukt door de plechtigheid van hun uiterlijk en massaliteit. Gordijnen werden vakkundig uitgesneden volgens standaardpatronen en sjaals lagen in golven. De staande figuur van Shaki uit de Muroji-tempel is een voorbeeld van deze stijl. Voor deze en soortgelijke afbeeldingen uit de 9e eeuw. gekenmerkt door stijve gravures met diepere, scherpe vouwen en andere details.

De toename van het aantal goden zorgde voor grote problemen voor kunstenaars. In complexe, kaartachtige mandala's (geometrische ontwerpen met magische betekenissen) waren de goden gerangschikt in een hiërarchie rond de centrale Boeddha, die zelf slechts één manifestatie van het absolute was. Op dat moment verscheen er een nieuwe manier om figuren van beschermgoden af ​​te beelden, omringd door vlammen, verschrikkelijk van uiterlijk, maar weldadig van aard. Deze goden bevonden zich asymmetrisch en werden afgebeeld in bewegende poses, met formidabele gelaatstrekken, die het geloof fel verdedigden tegen mogelijke gevaren.

Midden- en late Heian- of Fujiwara-periode

(898-1185). De overdracht van de hoofdstad aan Heian, die bedoeld was om de moeilijke eisen van de geestelijkheid te omzeilen, veroorzaakte ook veranderingen in het politieke systeem. De adel was een dominante kracht en de meest representatieve vertegenwoordigers ervan waren de familie Fujiwara. Periode 10e-12e eeuw vaak geassocieerd met deze naam. Een periode van bijzondere macht begon toen echte keizers ‘sterk werd geadviseerd’ om de staatszaken terzijde te laten voor de aangenamere bezigheden van poëzie en schilderkunst. Tot hij meerderjarig werd, werd de keizer geleid door een strenge regent, meestal afkomstig uit de familie Fujiwara. Het was een tijdperk van luxe en opmerkelijke prestaties op het gebied van literatuur, kalligrafie en kunst; Er was overal een loomheid en emotionaliteit, die zelden diepgang bereikte, maar over het geheel genomen charmant was. Elegante verfijning en escapisme werden weerspiegeld in de kunst van deze tijd. Zelfs aanhangers van het boeddhisme zochten naar gemakkelijkere manieren, en vooral de aanbidding van de hemelse Boeddha Amida werd populair. Ideeën over het medeleven en de reddende genade van Amida Boeddha werden diep weerspiegeld in de schilder- en beeldhouwkunst van deze periode. De massaliteit en terughoudendheid van de beelden uit de 9e eeuw. in de 10e-11e eeuw. maakte plaats voor gelukzaligheid en charme. De goden worden afgebeeld als dromerig, bedachtzaam kalm, het snijwerk wordt minder diep, het oppervlak wordt kleurrijker, met een rijk ontwikkelde textuur. De belangrijkste monumenten uit deze periode behoren toe aan de beeldhouwer Jocho.

De werken van kunstenaars kregen ook zachtere trekken, die deden denken aan tekeningen op stof, en zelfs de verschrikkelijke goden – verdedigers van het geloof – werden minder beangstigend. Sutra’s (boeddhistische teksten) werden in goud en zilver geschreven op diepblauw papier, de prachtige kalligrafie van de tekst werd vaak voorafgegaan door een kleine illustratie. De populairste stromingen van het boeddhisme en de daarmee verbonden goden weerspiegelen de voorkeuren van de aristocratie en een geleidelijke verschuiving weg van de sobere idealen van het vroege boeddhisme.

De sfeer van deze tijd en zijn werken houden gedeeltelijk verband met de stopzetting van de formele betrekkingen met China in 894. Het boeddhisme in China werd in die tijd vervolgd en het corrupte Tang-hof verkeerde in een staat van verval. Het afgelegen eilandbestaan ​​dat volgde op deze scheiding moedigde de Japanners aan om zich tot hun eigen cultuur te wenden en een nieuwe, zuiverdere Japanse stijl te ontwikkelen. Inderdaad, seculiere schilderkunst uit de 10e tot 12e eeuw. was bijna volledig Japans - zowel qua techniek als qua compositie en plots. Een onderscheidend kenmerk van deze Japanse rollen, genaamd yamato-e, was de overheersing van engi-onderwerpen (oorsprong, geschiedenis). Terwijl Chinese rollen meestal uitgestrekte, verbazingwekkende natuur, panorama's van bergen, beken, rotsen en bomen afbeeldden, en mensen relatief onbelangrijk leken, was op Japanse verhalende rollen het belangrijkste in de tekening en tekst de persoon. Het landschap speelde slechts de rol van achtergrond voor het verhaal dat werd verteld, ondergeschikt aan de hoofdpersoon of personen. Veel boekrollen waren met de hand getekende kronieken van de levens van beroemde boeddhistische predikers of historische figuren, hun reizen en militaire campagnes. Anderen vertelden over romantische episoden uit het leven van edelen en hovelingen.

De ogenschijnlijk kenmerkende stijl van de vroege boekrollen kwam voort uit eenvoudige inktschetsen op de pagina's van boeddhistische notitieboekjes. Het zijn vakkundige tekeningen die menselijk gedrag karikaturiseren door middel van dierenafbeeldingen: een aap in kloostergewaden die een opgeblazen kikker aanbidt, wedstrijden tussen hazen, apen en kikkers. Deze en andere late Heian-rollen dienden als basis voor de meer complexe verhalende rollen van de ontwikkelde stijl van de 13e en 14e eeuw.

Kamakura-periode

(1185-1392). Eind 12e eeuw bracht grote veranderingen teweeg in het politieke en religieuze leven van Japan en uiteraard ook in de kunst. De elegantie en het esthetiek van het hof van Kyoto werden vervangen of, in de traditie van de “speciale” heerschappij, “kregen een toevoeging” in de vorm van een nieuwe, harde en moedige heerschappij: het Kamakura-shogunaat. Hoewel de hoofdstad in naam Kyoto bleef, vestigde shogun Minamoto no Yoritomo (1147–1199) zijn hoofdkwartier in de stad Kamakura en vestigde hij in slechts 25 jaar een rigide systeem van militaire dictatuur en feodalisme. Het boeddhisme, dat zo complex en geritualiseerd was geworden dat het door gewone leken nauwelijks werd begrepen, onderging ook grote veranderingen die geen bescherming van de kunsten beloofden. De Yodo-sekte (Zuiver Land), een vorm van verering van de Amida Boeddha, onder leiding van Honen Shonin (1133–1212), hervormde de hiërarchie van Boeddha's en goden en gaf hoop op verlossing aan iedereen die eenvoudigweg in Amida geloofde. Deze leer van een gemakkelijk bereikbaar paradijs werd later vereenvoudigd door een andere monnik, Shinran (1173–1262), stichter van de Shin-sekte, die erkende dat Amida's neerbuigendheid zo groot was dat het niet nodig was religieuze handelingen te verrichten, door simpelweg de bezwering te herhalen " Namu Amida Butsu" (het eerste woord betekent "gehoorzamen"; de tweede twee zijn "Boeddha Amida"). Deze eenvoudige methode om de ziel te redden was buitengewoon aantrekkelijk en wordt nu door miljoenen mensen gebruikt. Een generatie later verliet de militante predikant Nichiren (1222–1282), naar wie de sekte is vernoemd, deze vereenvoudigde vorm van religie. Zijn volgelingen vereerden de Lotus Soetra, die geen onmiddellijke en onvoorwaardelijke verlossing beloofde. Zijn preken gingen vaak over politieke onderwerpen, en zijn overtuigingen en voorgestelde hervormingen van kerk en staat spraken de nieuwe militaire klasse in Kamakura aan. Ten slotte begon de zenfilosofie, die al in de 8e eeuw opkwam, in deze periode een steeds belangrijkere rol te spelen in het boeddhistische denken. Zen benadrukte het belang van meditatie en minachting voor alle beelden die de mens zouden kunnen hinderen in zijn zoektocht om zich met God te verenigen.

Dit was dus een tijd waarin het religieuze denken het aantal schilder- en beeldhouwwerken beperkte dat voorheen nodig was voor de sekte. Niettemin zijn tijdens de Kamakura-periode enkele van de mooiste Japanse kunstwerken gemaakt. De drijfveer was de inherente Japanse liefde voor kunst, maar de sleutel tot de oplossing ligt in de houding van het volk ten opzichte van nieuwe geloofsovertuigingen, en niet in dogma's als zodanig. De werken zelf suggereren inderdaad de reden voor hun creatie, omdat veel van deze sculpturen en schilderijen vol leven en energie portretten zijn. Hoewel de zenfilosofie gewone religieuze voorwerpen als een obstakel voor verlichting beschouwt, was de traditie van het eren van leraren volkomen acceptabel. Een portret op zichzelf kan geen voorwerp van aanbidding zijn. Deze houding ten opzichte van het portret was niet alleen kenmerkend voor het zenboeddhisme: veel predikanten van de Pure Land-sekte werden bijna als boeddhistische goden vereerd. Dankzij het portret verscheen er zelfs een nieuwe architecturale vorm: mieido of portretkapel. De snelle ontwikkeling van het realisme paste geheel in de tijdgeest.

Hoewel de pittoreske portretten van de priesters uiteraard inderdaad afbeeldingen van specifieke mensen waren, waren het vaak bewerkingen van schilderijen met afbeeldingen van de Chinese grondleggers van het boeddhisme. Ze werden predikend afgebeeld, met open mond en gebarende handen; soms werden bedelmonniken afgebeeld die een moeilijke reis maakten ter ere van het geloof.

Een van de meest populaire onderwerpen was raigo (gewenste aankomst), waarin Boeddha Amida met zijn metgezellen werd afgebeeld die op een wolk neerdaalde om de ziel van een gelovige op zijn sterfbed te redden en naar de hemel over te brengen. De kleuren van dergelijke afbeeldingen werden vaak versterkt door aangebracht goud, en de golvende lijnen, vloeiende capes en wervelende wolken gaven een gevoel van beweging aan de afdaling van de Boeddha.

Unkei, actief in de tweede helft van de 12e en het begin van de 13e eeuw, was de auteur van een innovatie die houtsnijwerk mogelijk maakte, wat het favoriete materiaal van beeldhouwers bleef tijdens de Kamakura-periode. Vroeger werd de meester beperkt door de grootte en vorm van de boomstam of boomstam waaruit de figuur werd gesneden. De armen en kledingelementen werden afzonderlijk aangebracht, maar het afgewerkte stuk leek vaak op de oorspronkelijke cilindrische vorm. Bij de nieuwe techniek werden tientallen kleine stukjes zorgvuldig in elkaar gepast tot een holle piramide, waaruit leerlingen vervolgens grofweg een vorm konden uithakken. De beeldhouwer beschikte over een soepeler materiaal en het vermogen om complexere vormen te creëren. De gespierde tempelwachters en godheden in vloeiende capes en gewaden leken levendiger, ook omdat er kristal of glas in hun oogkassen werd gestoken; beelden begonnen te worden versierd met verguld brons. Ze werden lichter en barstten minder vaak naarmate het hout droogde. Het eerder genoemde houten beeld van Kuya Shonin, gemaakt door Kosho, de zoon van Unkei, demonstreert de hoogste prestatie van het realisme uit het Kamakura-tijdperk op het gebied van portretsculptuur. De beeldhouwkunst bereikte in die tijd inderdaad zijn hoogtepunt in zijn ontwikkeling en nam vervolgens niet langer zo'n prominente plaats in de kunst in.

Ook de seculiere schilderkunst weerspiegelde de tijdgeest. Verhalende rollen uit de late Heian-periode, met ingetogen kleuren en sierlijke lijnen, vertelden over de romantische escapades van prins Genji of het vermaak van de teruggetrokken hofdames. Nu beeldden kunstenaars uit het Kamakura-tijdperk met felle kleuren en energieke penseelstreken veldslagen van strijdende clans af, paleizen die in vlammen opgingen en bange mensen die op de vlucht waren voor aanvallende troepen. Zelfs toen de religieuze geschiedenis zich op de boekrol ontvouwde, was het beeld niet zozeer een icoon, maar eerder een historisch verslag van de reizen van heilige mannen en de wonderen die zij verrichtten. In het ontwerp van deze taferelen is een groeiende liefde voor de natuur en bewondering voor inheemse landschappen te bespeuren.

Muromachi- of Ashikaga-periode

(1392-1568). In 1392, na meer dan vijftig jaar strijd, herenigde de derde shogun van de Ashikaga-familie, Yoshimitsu (1358–1408), het land. De regeringszetel werd opnieuw de hoofdstad van Kyoto, waar de Ashikaga-shoguns hun paleizen in de Muromachi-wijk bouwden. (Deze periode wordt soms Muromachi of Ashikaga genoemd.) In de oorlogstijd zijn niet veel tempels gespaard: opslagplaatsen voor Japanse kunst, die samen met de schatten die zich daar bevonden, werden verbrand. Het land werd op brute wijze verwoest en zelfs de vrede bracht niet veel verlichting, aangezien de strijdende clans, die succes boekten, op hun beurt gunsten uitdeelden. Het lijkt erop dat de situatie uiterst ongunstig was voor de ontwikkeling van de kunst, maar in feite betuttelden de Ashikaga-shoguns de kunst, vooral in de 15e en 16e eeuw, toen de schilderkunst floreerde.

Het belangrijkste artistieke fenomeen van deze tijd waren de monochrome poëtische inktschilderijen, aangemoedigd door het zenboeddhisme en beïnvloed door Chinese voorbeelden uit de Song- en Yuan-dynastieën. Tijdens de Ming-dynastie (1368–1644) werden de contacten met China hernieuwd en Yoshimitsu, een verzamelaar en beschermheer van de kunsten, moedigde het verzamelen en bestuderen van Chinese schilderijen aan. Het werd een model en uitgangspunt voor begaafde kunstenaars die met lichte en vloeiende penseelstreken landschappen, vogels, bloemen, afbeeldingen van geestelijken en wijzen schilderden. De Japanse schilderkunst van deze tijd wordt gekenmerkt door lijneconomie; de kunstenaar lijkt de kern van het afgebeelde plot eruit te halen, waardoor de kijker het met details kan vullen. De overgangen van grijze en glanzende zwarte inkt in deze schilderijen liggen heel dicht bij de zenfilosofie, die de auteurs zeker heeft geïnspireerd. Hoewel dit geloof aanzienlijke invloed kreeg onder het militaire bewind van Kamakura, bleef het zich snel verspreiden in de 15e en 16e eeuw, toen er talloze zenkloosters ontstonden. Door voornamelijk het idee van "zelfverlossing" te prediken, werd de verlossing niet aan de Boeddha gekoppeld, maar vertrouwde het meer op de strenge zelfdiscipline van een persoon om een ​​plotselinge intuïtieve "verlichting" te bereiken die hem verenigt met het absolute. Het zuinige maar gewaagde gebruik van inkt en de asymmetrische compositie, waarbij ongeverfde delen van het papier een belangrijke rol speelden in afbeeldingen van geïdealiseerde landschappen, wijzen en wetenschappers, waren consistent met deze filosofie.

Een van de beroemdste exponenten van sumi-e, een stijl van schilderen met monochrome inkt, was Sesshu (1420–1506), een zenpriester wiens lange en vruchtbare leven hem langdurige verering opleverde. Aan het einde van zijn leven begon hij de haboku-stijl (snelle inkt) te gebruiken, die, in tegenstelling tot de volwassen stijl, die duidelijke, economische penseelstreken vereiste, de traditie van de monochrome schilderkunst bijna tot abstractie bracht.

Dezelfde periode markeert de activiteit van de kunstenaarsfamilie Kano en de ontwikkeling van hun stijl. Qua onderwerpkeuze en inktgebruik lag het dicht bij het Chinees, maar qua expressieve middelen bleef het Japans. Kano werd, met de steun van het shogunaat, de "officiële" schilderschool of artistieke stijl en bloeide tot ver in de 19e eeuw.

De naïeve traditie van Yamato-e bleef voortleven in de werken van de Tosa-school, de tweede belangrijke stroming van de Japanse schilderkunst. In feite waren beide scholen, Kano en Tosa, in die tijd nauw met elkaar verbonden; ze waren verenigd door een interesse in het moderne leven. Motonobu Kano (1476–1559), een van de vooraanstaande kunstenaars uit deze periode, trouwde niet alleen zijn dochter met de beroemde kunstenaar Tosa, maar schilderde ook op zijn manier.

In de 15e-16e eeuw. Er verschenen slechts enkele opmerkelijke beeldhouwwerken. Er moet echter worden opgemerkt dat de ontwikkeling van noo-drama, met zijn verscheidenheid aan stemmingen en emoties, een nieuw werkterrein voor beeldhouwers opende: ze maakten maskers voor acteurs. In klassiek Japans drama, gespeeld door en voor de aristocratie, droegen de acteurs (een of meer) maskers. Ze brachten een scala aan gevoelens over, van angst, ongerustheid en verwarring tot ingetogen vreugde. Sommige maskers waren zo mooi uitgesneden dat de kleinste draai van het hoofd van de acteur subtiele veranderingen in de uiting van gevoelens veroorzaakte. Opmerkelijke voorbeelden van deze maskers werden jarenlang bewaard in de families voor wier leden ze waren gemaakt.

Momoyama-periode

(1568–1615). In 1593 bouwde de grote militaire dictator Hideyoshi zijn kasteel op Momoyama, ‘Peach Hill’, en onder deze naam werd de periode van 47 jaar vanaf de val van het Ashikaga-shogunaat tot de oprichting van de Tokugawa- of Edo-periode in 1615 over het algemeen Het was een tijd van dominantie van een geheel nieuwe militaire klasse, wier grote rijkdom bijdroeg aan de bloei van de kunst. Indrukwekkende kastelen met grote audiëntiezalen en lange gangen kwamen eind 16e eeuw in de mode. en eiste versieringen die pasten bij hun grootsheid. Het was een tijd van strenge en moedige mensen, en de nieuwe beschermheren waren, in tegenstelling tot de vorige aristocratie, niet bijzonder geïnteresseerd in intellectuele bezigheden of de subtiliteiten van vakmanschap. Gelukkig was de nieuwe generatie kunstenaars redelijk consistent met hun opdrachtgevers. Gedurende deze periode verschenen er prachtige schermen en beweegbare panelen in heldere karmozijnrode, smaragdgroene, groene, paarse en blauwe kleuren. Dergelijke uitbundige kleuren en decoratieve vormen, vaak op een gouden of zilveren achtergrond, waren honderd jaar lang erg populair, en hun makers werden terecht ‘de grote decorateurs’ genoemd. Dankzij de subtiele Japanse smaak ontwikkelde de weelderige stijl zich niet tot vulgariteit, en zelfs toen terughoudendheid en understatement plaats maakten voor luxe en decoratieve excessen, slaagden de Japanners erin de elegantie te behouden.

Eitoku Kano (1543–1590), een van de eerste grote kunstenaars uit deze periode, werkte in de stijl van Kano en Tosa, waarbij hij de tekenconcepten van de eerste uitbreidde en deze combineerde met de rijkdom aan kleuren van de laatste. Hoewel er slechts een paar werken bewaard zijn gebleven die met zekerheid aan Eitoku kunnen worden toegeschreven, wordt hij beschouwd als een van de grondleggers van de Momoyama-stijl, en de meeste kunstenaars uit deze periode waren zijn studenten of werden door hem beïnvloed.

Edo- of Tokugawa-periode

(1615-1867). De lange periode van vrede die volgde op het nieuw verenigde Japan wordt ofwel de tijd van Tokugawa genoemd, naar de achternaam van de heerser, ofwel Edo (het huidige Tokio), aangezien deze stad in 1603 het nieuwe machtscentrum werd. Twee beroemde generaals uit de korte Momoyama-periode, Oda Nobunaga (1534–1582) en Toyotomi Hideyoshi (1536–1598), slaagden er door militaire actie en diplomatie uiteindelijk in om machtige clans en militante geestelijken met elkaar te verzoenen. Met de dood van Hideyoshi in 1598 ging de macht over op Ieyasu Tokugawa (1542–1616), die de gezamenlijk begonnen activiteiten voltooide. De beslissende slag om Sekigahara in 1600 versterkte de positie van Ieyasu; de val van het Oska-kasteel in 1615 ging gepaard met de definitieve ineenstorting van het huis van Hideyoshi en de vestiging van de onverdeelde heerschappij van het Tokugawa-shogunaat.

Het vreedzame bewind van de Tokugawa duurde vijftien generaties en eindigde pas in de 19e eeuw. Dit was grotendeels een periode van ‘gesloten deur’-beleid. Decreet 1640 verbood buitenlanders Japan binnen te komen, en Japanners konden niet naar het buitenland reizen. De enige commerciële en culturele verbinding was met de Nederlanders en Chinezen via de haven van Nagasaki. Net als in andere perioden van isolatie was er aan het einde van de 17e eeuw een toename van de nationale gevoelens en de opkomst ervan. de zogenaamde school van genreschilderkunst en -gravure.

De snelgroeiende hoofdstad Edo werd niet alleen het centrum van het politieke en zakenleven van het eilandrijk, maar ook een centrum van kunst en ambachten. De eis dat de daimyo, de provinciale feodale heren, een bepaald deel van elk jaar in de hoofdstad aanwezig moesten zijn, leidde tot de behoefte aan nieuwe gebouwen, waaronder paleizen, en dus aan kunstenaars om deze te versieren. Tegelijkertijd zorgde de opkomende klasse van rijke maar niet-aristocratische kooplieden voor nieuwe en vaak onprofessionele bescherming van kunstenaars.

De kunst uit de vroege Edo-periode zet de Momoyama-stijl gedeeltelijk voort en ontwikkelt deze, waardoor de neiging tot luxe en pracht wordt versterkt. De rijkdom aan bizarre beelden en polychroom geërfd uit de voorgaande periode blijft zich ontwikkelen. Deze decoratieve stijl bereikte zijn hoogtepunt in het laatste kwart van de 17e eeuw. in de zgn Genroku-tijdperk van de Tokugawa-periode (1688–1703). In de Japanse decoratieve kunst kent het geen parallel in de extravagantie en rijkdom aan kleuren en decoratieve motieven in schilderkunst, stoffen, vernis en artistieke details - kenmerken van een luxueuze levensstijl.

Omdat we het over een relatief late periode in de geschiedenis hebben, is het niet verrassend dat de namen van veel kunstenaars en hun werken bewaard zijn gebleven; Hier is het mogelijk om slechts enkele van de meest opvallende te noemen. Vertegenwoordigers van de decoratieve school die tijdens de Momoyama- en Edo-periodes leefden en werkten, zijn onder meer Honnami Koetsu (1558–1637) en Nonomura Sotatsu (overleden 1643). Hun werk getuigt van een opmerkelijk gevoel voor design, compositie en kleur. Koetsu, een getalenteerde keramist en lakkunstenaar, stond bekend om de schoonheid van zijn kalligrafie. Samen met Sotatsu creëerden ze gedichten op boekrollen, die in die tijd in de mode waren. In deze combinatie van literatuur, kalligrafie en schilderkunst waren de beelden geen eenvoudige illustraties: ze creëerden of suggereerden een sfeer die overeenkwam met de perceptie van de tekst. Ogata Korin (1658–1716) was een van de erfgenamen van de decoratieve stijl en bracht samen met zijn jongere broer Ogata Kenzan (1663–1743) de techniek ervan tot in de perfectie. Kenzan, beter bekend als keramist dan als kunstenaar, vuurde schepen af ​​met ontwerpen van zijn beroemde oudere broer erop. De heropleving van deze school aan het begin van de 19e eeuw. van de dichter en kunstenaar Sakai Hoitsu (1761–1828) was de laatste golf van de decoratieve stijl. Horitsu's prachtige rollen en schermen combineerden Korins gevoel voor design met de interesse in de natuur die inherent is aan het naturalisme van de Maruyama-school, uitgedrukt in de rijkdom aan kleuren en decoratieve motieven die kenmerkend waren voor de vroegere periode, die werd getemperd door de pracht en gratie van de penseelvoering.

Naast de polychrome decoratieve stijl bleef de traditionele inkttekening van de Kano-school populair. In 1622 werd Kanō Tan'yu (1602–1674) benoemd tot hofschilder van de shogun en naar Edo geroepen. Met zijn benoeming in deze functie en de oprichting van de Kano-schilderschool in Edo, in Kobikito, begon een periode van een halve eeuw van artistiek leiderschap van deze traditie, waardoor de familie Kano weer een prominente positie kreeg en de werken van de Edo-periode de belangrijkste in de Kano-schilderkunst. Ondanks de populariteit van schermen beschilderd met goud en felle kleuren gecreëerd door de 'grote decorateurs' en rivalen, kon Tanyu, dankzij de kracht van zijn talent en officiële positie, het schilderij van de nieuw leven ingeblazen Kano-school populair maken onder de adel. Aan de traditionele kenmerken van de Kano-school voegde Tanyu kracht en eenvoud toe, gebaseerd op een strakke gebroken lijn en een doordachte opstelling van compositorische elementen op een groot vrij oppervlak.

Aan het einde van de 18e eeuw begon een nieuwe richting de overhand te krijgen, waarbij het belangrijkste kenmerk de belangstelling voor de natuur was. Maruyama Okyo (1733–1795), het hoofd van de nieuwe school, was een boer, werd daarna predikant en uiteindelijk een kunstenaar. De eerste twee studies brachten hem noch geluk noch succes, maar als kunstenaar bereikte hij grote hoogten en wordt hij beschouwd als de grondlegger van de realistische school van Maruyama. Hij studeerde bij de Kano-schoolmeester Ishida Yutei (d.c. 1785); Op basis van geïmporteerde Nederlandse gravures leerde hij de westerse techniek van perspectiefweergave, en soms kopieerde hij deze gravures eenvoudigweg. Hij bestudeerde ook Chinese stijlen uit de Song- en Yuan-dynastieën, waaronder de subtiele en realistische stijl van Chen Xuan (1235–1290) en Shen Nanping; laatstgenoemde woonde aan het begin van de 18e eeuw in Nagasaki. Ōkyo maakte veel werken naar het leven, en zijn wetenschappelijke observaties dienden als basis voor de perceptie van de natuur waarop de Maruyama-school was gebaseerd.

Naast de belangstelling voor het naturalisme in de 18e eeuw. de invloed van de Chinese artistieke traditie werd vernieuwd. Vertegenwoordigers van deze beweging werden aangetrokken tot de beeldende school van kunstenaar-wetenschappers uit de Ming- (1368–1644) en Qing- (1644–1912) tijdperken, hoewel hun ideeën over de moderne stand van de kunst in China waarschijnlijk beperkt waren. De kunst van deze Japanse school heette bujinga (de kunst van ontwikkelde mensen). Een van de meest invloedrijke kunstenaars die in de bujinga-stijl werkten was Ikeno Taiga (1723–1776), een beroemde kunstenaar en kalligraaf. Zijn volwassen stijl wordt gekenmerkt door dikke contourlijnen gevuld met lichte, gevederde streken van lichte tinten en inkt; Hij schilderde ook met brede, vrije streken zwarte inkt, waarin bamboestammen werden afgebeeld die gebogen waren in de wind en de regen. Met korte, gebogen lijnen bereikte hij een graveerachtig effect in zijn weergave van mistige bergen boven een meer omgeven door bos.

17e eeuw bracht een andere opmerkelijke kunststroming uit de Edo-periode voort. Dit zijn de zogenaamde ukiyo-e (foto's van een veranderende wereld) - genretaferelen gemaakt door en voor gewone mensen. De vroege ukiyo-e verschenen in de oude hoofdstad Kyoto en waren vooral pittoresk. Maar het centrum van hun productie verhuisde al snel naar Edo, en de aandacht van de ambachtslieden concentreerde zich op houtgravure. De nauwe associatie van houtsneden met ukiyo-e heeft geleid tot de misvatting dat houtsneden een ontdekking uit deze periode waren; in feite ontstond het in de 11e eeuw. Dergelijke vroege afbeeldingen hadden een votief karakter en beeldden de grondleggers van het boeddhisme en goden af, en tijdens de Kamakura-periode werden sommige verhalende rollen gereproduceerd uit gesneden blokken. De graveerkunst werd echter vooral populair in de periode van het midden van de 17e tot de 19e eeuw.

De onderwerpen van ukiyo-e-prints waren prachtige courtisanes uit vrolijke buurten, favoriete acteurs en scènes uit drama's. Vroeg, zogenaamd Primitieve gravures werden uitgevoerd in het zwart, met sterke ritmisch golvende lijnen, en werden gekenmerkt door eenvoudige ontwerpen. Ze werden soms met de hand geschilderd in een oranjerode kleur genaamd tan-e (felrode schilderijen), met markeringen van mosterdgeel en groen. Sommige van de "primitieve" kunstenaars gebruikten handschilderingen genaamd urushu-e (lakschilderen), waarbij donkere gebieden werden versterkt en helderder gemaakt door de toevoeging van lijm. Een vroege meerkleurendruk, die in 1741 of 1742 verscheen, heette benizuri-e (karmozijnrode afdruk) en gebruikte gewoonlijk drie kleuren: rozerood, groen en soms geel. Echte meerkleurenafdrukken, waarbij het hele palet werd gebruikt en nishiki-e (brokaatafbeeldingen) werden genoemd, verschenen in 1765.

Naast het maken van individuele prenten, illustreerden veel van de graveurs boeken en verdienden ze geld door erotische illustraties in boeken en op boekrollen te maken. Houd er rekening mee dat het graveren van ukiyo-e uit drie soorten activiteiten bestond: het was het werk van de tekenaar, wiens naam de afdruk droeg, de beeldhouwer en de drukker.

Hishikawa Moronobu (ca. 1625–1694) wordt beschouwd als de grondlegger van de ukiyo-e prentkunsttraditie. Andere ‘primitieve’ kunstenaars van deze beweging zijn onder meer Kiyomasu (1694–1716) en de Kaigetsudo-groep (een vreemde groep kunstenaars waarvan het bestaan ​​onduidelijk blijft), evenals Okumura Masanobu (1686–1764).

De overgangskunstenaars die benizuri-e-prenten produceerden waren Ishikawa Toyonobu (1711–1785), Torii Kiyohiro (actief ca. 1751–1760) en Torii Kiyomitsu (1735–1785).

De werken van Suzuki Harunobu (1725–1770) luidden het tijdperk van polychrome graveren in. Gevuld met zachte, bijna neutrale kleuren, bevolkt door sierlijke dames en galante minnaars, waren de prints van Harunobu een groot succes. Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) en Kitagawa Utamaro (1753–1806) werkten rond dezelfde tijd met hem samen. Elk van hen heeft bijgedragen aan de ontwikkeling van dit genre; meesters brachten gravures met gracieuze schoonheden en beroemde acteurs tot in de perfectie. In de loop van een paar maanden in 1794–1795 creëerde de mysterieuze Tosusai Saraku verbluffend krachtige en ronduit brutale portretten van acteurs van die tijd.

In de eerste decennia van de 19e eeuw. het genre was volwassen geworden en begon in verval te raken. Katsushika Hokusai (1760–1849) en Ando Hiroshige (1797–1858) zijn de grootste meesters van die tijd, wier werk de teloorgang van de graveerkunst in de 19e eeuw met elkaar verbindt. en de nieuwe heropleving ervan aan het begin van de 20e eeuw. Beiden waren voornamelijk landschapsschilders die de gebeurtenissen van het moderne leven in hun gravures vastlegden. De briljante beheersing van de technieken van beeldhouwers en drukkers maakte het mogelijk om bij het graveren grillige lijnen en de kleinste tinten van de ondergaande zon of de opkomende mist bij zonsopgang over te brengen.

Meiji-restauratie en moderne tijd.

Het komt vaak voor dat de oude kunst van een bepaald volk arm is aan namen, data en overgebleven werken, zodat een oordeel alleen met grote voorzichtigheid en conditionaliteit kan worden gemaakt. Het is echter niet minder moeilijk om hedendaagse kunst te beoordelen, omdat we geen historisch perspectief hebben om de omvang van welke stroming of kunstenaar dan ook en zijn werk correct te beoordelen. De studie van de Japanse kunst vormt daarop geen uitzondering, en het beste wat we kunnen doen is een panorama van de hedendaagse kunst presenteren en enkele voorzichtige voorlopige conclusies trekken.

In de tweede helft van de 19e eeuw. Japanse havens werden heropend voor handel en er vonden grote veranderingen plaats op het politieke toneel. In 1868 werd het shogunaat afgeschaft en werd de heerschappij van keizer Meiji hersteld. De officiële hoofdstad en residentie van de keizer werden verplaatst naar Edo, en de stad zelf werd bekend als Tokio (de oostelijke hoofdstad).

Zoals in het verleden was gebeurd, wekte het einde van het nationale isolement grote belangstelling voor de prestaties van andere landen. In die tijd maakten de Japanners een enorme sprong op het gebied van wetenschap en technologie. Artistiek gezien demonstreert het begin van het Meiji-tijdperk (1868–1912) de acceptatie van alles wat westers is, inclusief technologie. Deze ijver duurde echter niet lang en werd gevolgd door een periode van assimilatie, de opkomst van nieuwe vormen die een terugkeer naar de eigen tradities en nieuwe westerse trends combineerden.

Bekende kunstenaars waren onder meer Kano Hogai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seiho (1864–1924) en Tomioka Tessai (1836–1942). De eerste drie hielden vast aan de traditionele Japanse stijl en onderwerp, hoewel ze ernaar streefden origineel te zijn qua sfeer en techniek. Seiho werkte bijvoorbeeld in de rustige en conservatieve sfeer van Kyoto. Zijn vroege werken zijn gemaakt in de naturalistische Maruyama-stijl, maar later reisde hij veel door China en werd hij sterk beïnvloed door de Chinese inktschildering. Ook zijn reizen naar musea en toonaangevende kunstcentra in Europa hebben een stempel op zijn werk gedrukt. Van alle vooraanstaande artiesten van deze tijd kwam slechts één Tomioka Tessai dicht bij de ontwikkeling van een nieuwe stijl. Zijn energieke en krachtige werken combineren ruwe, gedraaide, gekartelde lijnen en vegen zwarte inkt met fijn weergegeven kleurvlakken. In latere jaren slaagden sommige jonge olieverfschilders erin waar hun grootvaders hadden gefaald. De eerste pogingen om met dit ongewone materiaal te werken deden denken aan Parijse doeken en onderscheiden zich niet door bijzondere waarde of specifiek Japanse kenmerken. Er worden nu echter werken van uitzonderlijke aantrekkingskracht gecreëerd waarin het karakteristieke Japanse gevoel voor kleur en evenwicht door abstracte thema's heen schijnt. Andere kunstenaars, die met meer natuurlijke en traditionele inkt werken en soms kalligrafie als basismotief gebruiken, creëren energieke abstracte werken in briljant zwart met grijstinten.

Net als in de Edo-periode, in de 19e en 20e eeuw. het beeld was niet populair. Maar zelfs op dit gebied experimenteerden vertegenwoordigers van de moderne generatie, die in Amerika en Europa studeerden, zeer succesvol. De kleine bronzen sculpturen, abstract van vorm en met vreemde namen, tonen het Japanse gevoel voor lijn en kleur, zichtbaar in het gebruik van zachtgroene of warmbruine patina's; Houtsnijwerk getuigt van de Japanse liefde voor de textuur van het materiaal.

Sosaku hanga, de Japanse ‘creatieve prent’, verscheen pas in het eerste decennium van de 20e eeuw, maar overschaduwde als bijzondere kunststroming alle andere gebieden van de moderne kunst. Deze moderne houtsnede is strikt genomen geen opvolger van de oudere ukiyo-e houtsnede; ze verschillen in stijl, onderwerpen en creatiemethoden. Kunstenaars, van wie velen sterk beïnvloed waren door de westerse schilderkunst, erkenden het belang van hun eigen artistieke erfgoed en vonden hout een geschikt materiaal om hun creatieve idealen tot uitdrukking te brengen. Hanga-meesters tekenen niet alleen, maar snijden ook afbeeldingen op houten blokken en printen ze zelf. Hoewel de hoogste prestaties in deze kunstvorm worden geassocieerd met houtbewerking, worden alle moderne westerse graveertechnieken gebruikt. Experimenteren met bladeren, touwtjes en ‘gevonden voorwerpen’ kan soms unieke oppervlaktetextuureffecten creëren. Aanvankelijk werden de meesters van deze beweging gedwongen om erkenning te zoeken: zelfs de beste prestaties van de ukiyo-e-school werden immers door intellectuele kunstenaars geassocieerd met de ongeletterde menigte en beschouwd als plebejische kunst. Kunstenaars als Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi en Maekawa Senpan hebben er veel aan gedaan om het respect voor de prentkunst te herstellen en deze als een waardevolle tak van de beeldende kunst te vestigen. Ze trokken veel jonge kunstenaars naar hun groep, en het aantal graveurs bedraagt ​​nu honderden. Tot de meesters van deze generatie die erkenning kregen in Japan en het Westen behoren Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen en Saito Kiyoshi. Dit zijn meesters wier innovatie en onmiskenbaar talent hen hun rechtmatige positie onder de toonaangevende Japanse kunstenaars hebben opgeleverd. Veel van hun leeftijdsgenoten en andere jongere hanga-kunstenaars produceerden ook prachtige prenten; Dat wij hun namen hier niet noemen betekent niet dat hun werk laag gewaardeerd wordt.

DECORATIEVE KUNSTEN, ARCHITECTUUR EN TUINEN

De voorgaande paragrafen gingen voornamelijk over schilderkunst en beeldhouwkunst, die in de meeste landen als de belangrijkste vormen van beeldende kunst worden beschouwd. Het kan oneerlijk zijn om aan het einde van het artikel decoratieve kunsten en volksambachten, tuinkunst en architectuur op te nemen - vormen die een belangrijk en integraal onderdeel vormden van de Japanse kunst. Met de mogelijke uitzondering van de architectuur vereisen ze echter speciale aandacht, afgezien van de algemene periodisering van de Japanse kunst en stijlveranderingen.

Keramiek en porselein.

Tot de belangrijkste kunst- en ambachten in Japan behoren keramiek en porselein. Keramische kunst valt uiteraard in twee categorieën. Het fijne polychrome porselein van Imari, Nabeshima en Kakiemon ontleent zijn naam aan de productieplaatsen, en de rijke beschildering op een crème of blauwachtig wit oppervlak was bedoeld voor de adel en hofkringen. Het proces van het maken van echt porselein werd eind 16e of begin 17e eeuw in Japan bekend; borden en schalen met een glad glazuur, met een asymmetrisch of brokaatachtig patroon, worden zowel thuis als in het Westen gewaardeerd.

In tegenstelling tot porselein wordt bij grove schalen van klei of steenmassa van lage kwaliteit, kenmerkend voor Shino, Oribe en Bizen, de aandacht gevestigd op het materiaal, de ogenschijnlijk onzorgvuldige, maar doordachte opstelling van decoratieve elementen. Onder invloed van de concepten van het zenboeddhisme waren dergelijke vaten erg populair in intellectuele kringen en werden ze op grote schaal gebruikt, vooral bij theeceremonies. Veel kopjes, theepotten en theepotten, attributen van de kunst van de theeceremonie, belichaamden de essentie van het zenboeddhisme: strikte zelfdiscipline en strikte eenvoud. Tijdens de hoogtijdagen van de Japanse decoratieve kunst hielden getalenteerde kunstenaars Korin en Kenzan zich bezig met het decoreren van keramische producten. Er moet aan worden herinnerd dat Kenzan's bekendheid meer verband houdt met zijn talent als keramist dan als schilder. Enkele van de eenvoudigste scheepstypen en -technieken komen voort uit volksambachtstradities. Moderne werkplaatsen, die oude tradities voortzetten, produceren prachtige producten die verrukken door hun elegante eenvoud.

Lakproducten.

Al in de 7e-8e eeuw. vernis was beroemd in Japan. Uit deze tijd zijn de deksels van de dozen bewaard gebleven, versierd met afbeeldingen van mensen en geometrische motieven aangebracht met dunne gouden lijnen. We hebben het al gehad over het belang van de droge vernistechniek voor de beeldhouwkunst in de 8e en 9e eeuw; Tegelijkertijd en later werden er decoratieve voorwerpen gemaakt, zoals brievendozen of wierookdozen. Tijdens de Edo-periode werden deze producten in grote hoeveelheden en met de meest luxueuze decoratie gemaakt. Luxueus versierde dozen voor lunch, gebak, wierook en medicijnen, genaamd inro, weerspiegelden de rijkdom en liefde voor luxe die inherent waren aan deze tijd. Het oppervlak van voorwerpen werd versierd met patronen van goud- en zilverpoeder, stukjes bladgoud, afzonderlijk of in combinatie met inlegwerk met schelpen, parelmoer, een legering van tin en lood, enz.; deze patronen contrasteerden met gelakte rode, zwarte of bruine oppervlakken. Soms werden tekeningen voor vernissen gemaakt door kunstenaars, bijvoorbeeld Korin en Koetsu, maar het is onwaarschijnlijk dat zij persoonlijk aan deze werken hebben deelgenomen.

Zwaarden.

De Japanners waren, zoals al is gezegd, gedurende een aanzienlijke periode van hun geschiedenis een volk van krijgers; wapens en bepantsering werden voor een groot deel van de bevolking als noodzakelijk beschouwd. Het zwaard was de trots van een man; zowel het lemmet zelf als alle andere delen van het zwaard, vooral het handvat (tsuba), werden met verschillende technieken versierd. Tsuba gemaakt van ijzer of brons waren versierd met inleg van goud en zilver, bedekt met houtsnijwerk of afgezet met beide. Ze beeldden landschappen of menselijke figuren, bloemen of familiewapens (mon) af. Dit alles was een aanvulling op het werk van zwaardmakers.

Stoffen.

De zijde en andere stoffen met rijke patronen waar het hof en de geestelijkheid de voorkeur aan gaven in tijden van weelde en overvloed, evenals de eenvoudige stoffen met de bijna primitieve ontwerpen die kenmerkend zijn voor de volkskunst, zijn ook uitingen van nationaal Japans talent. Na haar hoogtepunt te hebben bereikt tijdens het weelderige Genroku-tijdperk, is de textielkunst opnieuw tot bloei gekomen in het moderne Japan. Het combineert met succes ideeën en kunstvezels uit het Westen met traditionele kleuren en decoratieve motieven.

Tuinen.

De afgelopen decennia is de belangstelling voor Japanse tuinen en architectuur toegenomen als gevolg van de toegenomen blootstelling van het westerse publiek aan deze kunstvormen. Tuinen hebben een speciale plaats in Japan; ze zijn de uitdrukking en het symbool van hoge religieuze en filosofische waarheden, en deze obscure, symbolische ondertoon, gecombineerd met de duidelijke schoonheid van de tuinen, trekt de belangstelling van de westerse wereld. Er kan niet worden gezegd dat religieuze of filosofische ideeën de belangrijkste reden waren voor de aanleg van tuinen, maar bij het plannen en creëren van een tuin hield de kunstenaar-planner rekening met dergelijke elementen, waarvan de contemplatie de kijker ertoe zou brengen na te denken over verschillende filosofische waarheden. Hier wordt het contemplatieve aspect van het zenboeddhisme belichaamd in een groep bijzondere stenen, golven van geharkt zand en grind gecombineerd met gras, of planten die zo zijn gerangschikt dat een stroom erachter verdwijnt en weer verschijnt, die de kijker allemaal aanmoedigen om de bedoelingen van de constructie te voltooien. tuinideeën. De voorkeur voor vage hints boven heldere verklaringen is kenmerkend voor de zenfilosofie. Een voortzetting van deze ideeën zijn dwergbonsaibomen en kleine tuinen in potten, nu populair in het Westen.

Architectuur.

De belangrijkste architectonische monumenten van Japan zijn tempels, kloostercomplexen, feodale kastelen en paleizen. Vanaf de oudheid tot op de dag van vandaag is hout het belangrijkste bouwmateriaal en bepaalt het voor een groot deel de ontwerpkenmerken. De oudste religieuze gebouwen zijn de heiligdommen van de nationale Japanse religie Shinto; afgaande op de teksten en tekeningen waren het relatief eenvoudige constructies met een rieten dak, zoals oude woningen. Tempelgebouwen die na de verspreiding van het boeddhisme werden gebouwd en daarmee geassocieerd waren, waren qua stijl en lay-out gebaseerd op Chinese prototypes. De boeddhistische tempelarchitectuur varieerde in de loop van de tijd, en de decoratie en indeling van gebouwen varieerde tussen verschillende sekten. Japanse gebouwen onderscheiden zich door enorme hallen met hoge daken en complexe consolesystemen, en hun inrichting weerspiegelde de smaak van hun tijd. De eenvoudige en majestueuze architectuur van het Horyuji-complex, gebouwd in de buurt van Nara in het begin van de 7e eeuw, is net zo kenmerkend voor de Asuka-periode als de schoonheid en elegantie van de proporties van Hoodo, de “Phoenix Hall” in Uji, weerspiegeld in het Lotusmeer. , stamt uit de Heian-periode. De meer uitgebreide gebouwen uit de Edo-periode kregen extra decoratie in de vorm van rijkelijk beschilderde schuifdeuren en schermen, gemaakt door dezelfde "grote decorateurs" die de interieurs van waterkastelen en feodale paleizen versierden.

De architectuur en tuinen van Japan zijn zo nauw met elkaar verbonden dat ze als delen van elkaar kunnen worden beschouwd. Dit geldt vooral voor gebouwen en tuinhuizen voor de theeceremonie. Hun openheid, eenvoud en zorgvuldige omgang met landschap en perspectief hebben een grote invloed op de moderne westerse architectuur.

DE INVLOED VAN JAPANSE KUNST OP HET WESTEN

Binnen slechts een eeuw werd de kunst van Japan bekend in het Westen en had er een aanzienlijke invloed op. Er waren al eerdere contacten (de Nederlanders dreven bijvoorbeeld handel met Japan via de haven van Nagasaki), maar de voorwerpen die in de 17e eeuw Europa bereikten waren vooral kunstwerken van toegepaste kunst: porselein en lakwerk. Ze werden gretig verzameld als curiosa en op verschillende manieren gekopieerd, maar deze decoratieve export weerspiegelde niet de essentie en kwaliteit van de Japanse kunst en gaf de Japanners zelfs een weinig vleiend idee van de westerse smaak.

De eerste keer dat de westerse schilderkunst in Europa rechtstreeks werd beïnvloed door de Japanse kunst was in 1862, tijdens de grote Internationale Tentoonstelling in Londen. Toen de Japanse houtsneden vijf jaar later op de tentoonstelling in Parijs werden gepresenteerd, wekten ze opnieuw grote belangstelling. Er ontstonden onmiddellijk verschillende privécollecties met gravures. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh en anderen zagen Japanse kleurenprenten als een openbaring; Vaak wordt de lichte maar altijd herkenbare invloed van Japanse prenten op de impressionisten opgemerkt. De Amerikanen Whistler en Mary Cassatt werden aangetrokken door de terughoudende lijnvoering en felle kleurvlekken van ukiyo-e-prenten en -schilderijen.

De openstelling van Japan voor buitenlanders in 1868 veroorzaakte een rage voor alles wat westers is en zorgde ervoor dat de Japanners zich afkeerden van hun eigen rijke cultuur en artistieke erfgoed. In die tijd werden veel prachtige schilderijen en beeldhouwwerken verkocht en kwamen in westerse musea en particuliere collecties terecht. Tentoonstellingen van deze objecten lieten het Westen kennismaken met Japan en stimuleerden de belangstelling voor reizen naar het Verre Oosten. Natuurlijk opende de bezetting van Japan door Amerikaanse troepen aan het einde van de Tweede Wereldoorlog grotere mogelijkheden dan voorheen om Japanse tempels en hun schatten te verkennen en er meer over te leren. Deze interesse kwam tot uiting in het bezoek aan Amerikaanse musea. De belangstelling voor het Oosten in het algemeen wekte de organisatie op van tentoonstellingen van werken van Japanse kunst, geselecteerd uit Japanse openbare en particuliere collecties en naar Amerika en Europa gebracht.

Wetenschappelijk onderzoek heeft de afgelopen decennia veel bijgedragen aan het weerleggen van het idee dat Japanse kunst slechts een weerspiegeling is van de Chinese kunst, en talloze Japanse publicaties in het Engels hebben het Westen kennis laten maken met de idealen van het Oosten.



Japan is een zeer interessante staat, bekend om een ​​grote verscheidenheid aan tradities en gebruiken. De geografische ligging van het Land van de Rijzende Zon maakte het enigszins geïsoleerd van andere staten, waardoor het zich ontwikkelde zonder rekening te houden met Europese landen. De cultuur van Japan is buitengewoon rijk en divers. Unieke Japanse tradities ontstonden onder invloed van historisch belangrijke gebeurtenissen. Japan veranderde geleidelijk in een machtige, verenigde staat met karakteristieke kenmerken en een bepaalde mentaliteit van de bevolking.

Basisaspecten van de Japanse cultuur

De cultuur van het land manifesteert zich op vele terreinen van de samenleving. In Japan zijn de aspecten;

Voor de Japanners is het proces van het drinken van thee geen simpele bevrediging van de fysiologische behoeften van het lichaam, maar een echte cultus. De theeceremonie in Japan gaat gepaard met bijzondere attributen en bevat veel tradities. Het lijkt erop dat een dergelijke eerbiedige houding ten opzichte van het dagelijkse proces zijn ontwikkeling ontleent aan de meditatie van boeddhistische monniken. Zij zijn degenen die zoveel betekenis hebben gegeven aan het theedrinkproces.

Voor Europeanen kenmerkt het concept van ‘kimono’ de nationale kleding van Japan. In het land van de rijzende zon zelf zijn er echter twee betekenissen van dit woord: in de enge en brede zin. Het woord ‘kimono’ verwijst in Japan niet alleen naar de nationale klederdracht, maar ook naar alle kleding in het algemeen. Onder de kimono worden in de regel een speciaal gewaad en zeven riemen gedragen. De kimono die in de zomer wordt gedragen, heet yukata. Afhankelijk van de leeftijd van de vrouw kan het kledingmodel variëren.

In Japan worden twee religieuze stromingen met succes tegelijk gepredikt: het shintoïsme en het boeddhisme. Het shintoïsme verscheen in het oude Japan; het is gebaseerd op de aanbidding van verschillende wezens. Het boeddhisme is op zijn beurt verdeeld in verschillende varianten. In Japan zijn er veel scholen die een of andere beweging van het boeddhisme promoten.

Rotstuinen zijn van bijzonder belang voor de Japanse cultuur. Ze zijn niet alleen een architecturale creatie die de aandacht van toeristen trekt, maar ook een plaats van spirituele groei. Hier vinden de Japanners verlichting door het beschouwen van stenen constructies die in een speciale volgorde zijn gerangschikt. Rotstuinen omvatten een specifiek ontwerp dat alleen een verlicht persoon kan ontrafelen.

Tango no sekku is een jongensfeest. Het is niet alleen opgedragen aan alle kleine mannelijke vertegenwoordigers, maar ook aan de mannelijkheid en kracht van het hele Japanse volk. Het is gebruikelijk om de vakantie in de lente te vieren, wanneer de natuur wakker wordt en verrukt van haar schoonheid. Op Tango no Sekku-dag worden jongens verzorgd door hun ouders. Een vader moet zijn zoon vertellen over alle Japanse krijgers en hun heldendaden. En zijn moeder dekt de tafel voor hem met heerlijk eten.

Kersenbloesems worden beschouwd als het mooiste natuurverschijnsel. Veel toeristen komen hier juist om te genieten van de contemplatie van een bloeiende plant. In het voorjaar zijn grote mensenmassa's te zien in Japanse parken. Veel gezinnen gaan picknicken en kijken naar de schoonheid van Japanse kersenbomen.

Een van de unieke tradities van het land is buigen. Ze verpersoonlijken de regels van goede manieren. Het is niet gebruikelijk dat Japanners afscheid nemen; in plaats daarvan buigen ze net zo vaak als de gesprekspartner.

Samurai vertegenwoordigen een bepaalde klasse van de samenleving, die werd gevormd onder invloed van tradities en gebruiken. Het heeft een directe verbinding met de cultuur van het land. Samurai zijn krijgers die een bepaalde dienst verrichten, die militair, veilig of binnenlands kan zijn. In al deze gevallen personifiëren samoerai de moed, mannelijkheid en nobelheid van het Japanse volk.

Het proces van vorming van de cultuur van het oude Japan

De cultuur van het oude Japan begon zich te ontwikkelen met de geboorte van de Japanse taal en het Japanse schrift. Het land van de rijzende zon heeft de basis hiervoor geleend van China. Het Japanse schrift bevat ook hiërogliefen die een buitenlandse burger niet zal kunnen begrijpen. In de loop van de tijd begonnen er nieuwe woorden, geluiden en zinsneden aan de Japanse taal te worden toegevoegd. Het is dus volledig getransformeerd, maar er zijn nog steeds gemeenschappelijke kenmerken met China te ontdekken.

De religiositeit van het land dateert ook uit de oudheid. Het shintoïsme was een gevolg van de ontwikkeling van verschillende mythologieën. Op dit moment bevordert deze leer de cultus van leiders en dode mensen. Het boeddhisme heeft zulke diepe wortels dat de meningen van wetenschappers en historici over de opkomst van dit soort religie sterk uiteenlopen.

Japanse kunst

Bijna alle soorten kunst die in Japan worden beoefend, hebben één hoofdidee: rust en ontspanning. Het is juist de harmonie van een persoon met zichzelf die kunst bevat, ongeacht de manier waarop informatie wordt gepresenteerd. Veel soorten kunst die over de hele wereld bekend zijn, begonnen hun ontwikkeling in Japan. Onder hen kunnen we origami benadrukken: het vermogen om verschillende vormen van papier te vouwen.

Een ander populair onderdeel van de Japanse kunst is ikebana. Dit is de vaardigheid om boeketten bloemen te vormen met behulp van speciale technologie. Vanaf hier ontstond een even populaire activiteit genaamd bonsai. Dit is de creatie van verschillende composities van dwergbomen. In Omiya, niet ver van Tokio, is een heel Bonsaipark. Elke hier gepresenteerde dwergboom is uniek en mooi op zijn eigen manier.

Japanse schilderkunst verdient een bijzondere betekenis, omdat elk schilderij een verborgen betekenis met zich meebrengt. Als ontwerp worden in de regel felle kleuren, contrasterende overgangen en duidelijke lijnen gebruikt. Japan kent ook de kunst van het kalligraferen. Dit is de vaardigheid van het esthetisch mooi schrijven van hiërogliefen. Toegepaste kunst is ook wijdverspreid in Japan. Er is een heel museum in Tokio gewijd aan dit ambacht. Hier ziet u producten gemaakt van papier, glas of metaal. En dit is geen volledige lijst van materialen die voor dit doel worden gebruikt.

De Japanse stijl van interieurontwerp verdient ook speciale aandacht. Het omvat functionaliteit en eenvoud, samen met originaliteit van uitvoering. Bovendien draagt ​​interieurontwerp religieuze filosofie in zich, net als elke andere vorm van Japanse kunst.

Architectuur van Japan

Architectonische structuren in Japan worden op de een of andere manier geassocieerd met religie. In het begin waren tempelgebouwen meestal verstoken van bloemen. Dit kwam door het gebruik van ongeverfd hout in de bouw. Later begonnen ze rode en blauwe tinten te gebruiken.

Hout wordt beschouwd als het belangrijkste materiaal voor architectonische gebouwen in Japan. Dit komt door het feit dat de reserve van deze hulpbron in het land vrij groot is. Naast dat hout de warmte goed geleidt en vocht absorbeert, is het ook praktisch bij aardbevingen, die in Japan nogal eens voorkomen. Als een stenen huis na vernietiging erg moeilijk opnieuw te creëren is, dan is een houten huis veel gemakkelijker.

Het belangrijkste kenmerk van de Japanse architectuur is de aanwezigheid van vloeiende geometrische vormen. Meestal zijn dit driehoeken en rechthoeken. Het is bijna onmogelijk om in welke structuur dan ook vloeiende en ronde lijnen te vinden. Het belangrijkste principe waarop de Japanners hun huizen inrichten, is het onafscheidelijke bestaan ​​van de binnenkant en de buitenkant van het huis. Dit geldt voor Japanse tuinen. Ze moeten in precies dezelfde stijl worden ingericht als het huis zelf. Anders wordt het beschouwd als een slechte vorm en een complete slechte smaak. De Japanners besteden speciale aandacht aan hun tuinen.

Japanse muziek

Wat de muzikale ontwikkeling betreft, keek Japan naar andere landen die een bepaald soort muziekinstrumenten gebruikten. Maar later moderniseerde ze ze onder invloed van lokale smaken en tradities. De eerste die de vorming van klassieke muziek in Japan beïnvloedde was de lokale folklore van Dengaku, vermengd met buitenlandse invloeden en waaruit de muziek voortkwam die momenteel bekend is in Japan.

Ook de religieuze kant van de kwestie heeft zijn bijdrage geleverd aan de muzikale oorsprong. Dankzij het christendom begon het orgelspelen zich te verspreiden. En het boeddhisme promootte het fluitspelen.

Momenteel heeft klassieke muziek aan populariteit gewonnen in Japan. Veel vertegenwoordigers van deze creatieve cel reizen naar het buitenland in Japan. Deze omvatten Goto Midori, Ozawa Seiji en Uchida Mitsuko. Relatief recentelijk werden in Japan zalen geopend die zijn ontworpen voor het comfortabel luisteren naar klassieke muziek. Deze omvatten Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, enz.

Huishoudelijke tradities van Japan

De Japanners zijn een welgemanierd volk dat hun tradities en gebruiken in acht neemt. Jezelf en anderen met respect behandelen wordt in Japan als de norm beschouwd. Van kinds af aan leren kinderen goede manieren, worden de basiswaarden van het Japanse volk uitgelegd en worden ze op alle mogelijke manieren opgeleid. En het komt de samenleving allemaal ten goede. Elke toerist die vanuit een ander land naar het land van de rijzende zon komt, is verrast hoe vriendelijk, vriendelijk en welgemanierd de Japanners zijn.

In tegenstelling tot Europese landen kent Japan al lang een rookverbod op openbare plaatsen. Dit geldt ook voor privé-eigendom. Roken in de buurt van andere mensen is alleen toegestaan ​​als zij daarvoor toestemming hebben gegeven.

De Japanners volgen onder meer strikt alle hygiëneregels die de samenleving hen voorschrijft. In elke kamer, inclusief religieuze gebouwen, zijn er bijvoorbeeld speciale stromatten. Je kunt er niet in schoenen op lopen, ze worden niet alleen als interieurdecoratie beschouwd, maar ook als een echte heiligschennis. Ook besloten de Japanners zichzelf te beschermen tegen mogelijke bacteriën die via het toilet op hun voeten terechtkomen. Op elke openbare plaats en in appartementen zijn er speciale pantoffels voor het toilet, waardoor schadelijke ziektekiemen niet naar andere kamers kunnen worden overgedragen.

Voor de Japanners wordt eten niet als een levensproces beschouwd, maar als een echte sekte. Voor het eten vegen de Japanners altijd hun handen af ​​met een speciale handdoek bevochtigd met water, die oshibori wordt genoemd. De tafelschikking gebeurt niet in willekeurige volgorde, maar volgens een speciaal patroon. Zelfs elk apparaat heeft zijn plaats. De Japanners verdelen ze in mannelijk en vrouwelijk, en dit is erg belangrijk voor hen. In Japan worden lepels alleen gebruikt voor het eten van o-zoni-soep, die wordt bereid voor het nieuwe jaar; de Japanners drinken de rest van de voorgerechten liever uitsluitend uit speciale kommen. Bovendien wordt het smakken met de lippen tijdens een maaltijd niet als slechte manieren beschouwd. Er wordt aangenomen dat op deze manier de smaak van het gerecht beter wordt onthuld.

De relevantie van goede manieren in Japan wordt bewezen door de volgende regels:

• Het is noodzakelijk om vooraf de plaats en het tijdstip van de bijeenkomst te bespreken. In Japan wordt te laat komen beschouwd als onbeschaamdheid die de grenzen van het fatsoen overschrijdt.
• U kunt uw gesprekspartner niet onderbreken; u moet geduldig wachten tot de persoon iets zegt en dan beginnen uw mening te uiten.
• Als u het verkeerde nummer belt, moet u zich verontschuldigen.
• Als iemand je te hulp kwam, moet je hem zeker bedanken.
• Sommige gasten van de Japanners kunnen als ere worden beschouwd. Ze krijgen zelfs een speciale plaats aan de tafel toegewezen, die zich in de regel het verst van de ingang van de kamer bevindt.
• Wanneer u een geschenk aan Japanners geeft, moet u zich verontschuldigen omdat u bescheiden bent, ongeacht wat het vertegenwoordigt. Dit zijn de regels, deze mogen niet overtreden worden.
• Terwijl ze aan de eettafel zitten, kunnen mannen hun benen over elkaar slaan, maar het is vrouwen ten strengste verboden dit te doen. De benen moeten worden weggestopt en in één richting wijzen.

Tot de tradities in het dagelijks leven in Japan behoort ook de verering van ouderen. Het maakt niet uit wat iemands beroep, inkomen, uiterlijk of karaktereigenschappen zijn, als hij ouder is, moet hij met respect worden behandeld. Ouderdom in Japan roept respect en trots op. Dit betekent dat de persoon een lange weg heeft afgelegd en nu eer verdient.

Help de site: Druk op de knoppen

Himeji is een van de oudste kastelen van Japan

Oude Japanse kunst
De Japanse cultuur kreeg vorm en ontwikkelde zich in bijzondere natuurlijke en historische omstandigheden. Japan ligt op vier grote en vele kleine eilanden omgeven door zeeën. Gelegen aan de uiterste rand van het oosten, ondervond het periodiek een toenemende en vervolgens weer afnemende invloed van culturen op het vasteland als China en Korea. Perioden van interactie met de buitenwereld werden in de Japanse geschiedenis gevolgd door lange eeuwen van cultureel isolement (perioden van de 10e tot de 14e en van de 17e tot het midden van de 19e eeuw). Deze laatste omstandigheid heeft bijgedragen aan de ontwikkeling en consolidatie van vele unieke kenmerken van de Japanse cultuur in het algemeen en de kunst in het bijzonder. Kennismaking met de cultuur van het Westen vond plaats in de 16e eeuw, toen de belangrijkste kenmerken van de oorspronkelijke Japanse beschaving al waren gevormd. Tot 1854 handelde Japan slechts via één haven met China en Nederland.

Van de oude bewoners van de Japanse eilanden - jagers en vissers - stenen bijlen, harpoenen, pijlpunten en handgemaakte keramische schepen ontdekt als resultaat van archeologische opgravingen, die hun naam kregen vanwege het 'Jomon'-patroon dat erop was gedrukt, wat ' spoor van het touw”. Daarom wordt de neolithische cultuur in Japan ook wel Jomon genoemd. De kolonisten, afkomstig uit Siberië, Polynesië en later uit Korea en China, bevonden zich in verschillende stadia van culturele ontwikkeling. Dit verklaart het feit dat in sommige culturele lagen monumenten uit zowel het Neolithicum als de Bronstijd worden aangetroffen. De Japanse taal ligt dicht bij de talen van de Altai-groep. Toen de Japanners, als gevolg van contacten met de Chinese cultuur, kennis maakten met het Chinese hiërogliefenschrift, bleek het erg moeilijk om Chinese karakters aan te passen om mondelinge Japanse spraak over te brengen.

De beginperiode van de Japanse cultuur, waarover betrouwbare gegevens bewaard zijn gebleven, wordt het tijdperk van kofuns (heuvels) genoemd - begrafenissen waarvan het grondgedeelte een aarden heuvel met een karakteristieke vorm was - een verbinding van een cirkel en een trapezium, doet denken aan een sleutelgat, dat de vereniging van aarde en water symboliseerde. Ze waren aanzienlijk groot, ze waren omgeven door een dubbele gracht met water, er groeide gras op de heuvel en langs de binnenomtrek van de heuvel stonden holle kleifiguren van mensen, dieren, modellen van boten en huizen vanaf 30 cm. tot anderhalve meter hoog. Ze werden "haniwa" genoemd. In de begrafeniskamer stonden doodskisten met overleden vertegenwoordigers van de adel, waar rituele voorwerpen werden geplaatst: een spiegel, een dotaku-bel, waarvan het geluid boze geesten moest afschrikken en de goden moest aantrekken - de beschermheren van boeren. De begrafenissen van de koningen van Yamato bevatten noodzakelijkerwijs rituele machtssymbolen als jadehangers en zwaarden. Om de koningen van de Yamato-clan te verheerlijken, werd het begin van de geschiedenis gevestigd, werd de hiërarchie van de goden bepaald en werd de godheid Amaterasu ("Schijnt vanuit de hemel") geïdentificeerd, die de macht over de Japanse eilanden overdroeg aan de koningen van de Yamato. clan. De naam "Nippon" of "Nihon", wat "land van de rijzende zon" betekent, verscheen in de 7e eeuw. In 608 begonnen studiereizen naar China, die meer dan twee eeuwen duurden.

Dotaku - rituele bronzen klokken - naar boven versmalde cilinders, bekroond met brede lussen met uitgebeelde uitsteeksels, waarvan de wanden zijn verdeeld in vierkanten gevuld met grafische afbeeldingen

De heterogene overtuigingen van de Japanners, die veel kenmerken van primitief animisme en fetisjisme vertonen, worden weerspiegeld in het Shintoïsme. Shinto (“de weg van de goden”) weerspiegelt inherent de Japanse ideeën over de universele spiritualiteit van de natuur. Ontelbare aantallen zogenaamde "kami" (geesten) bestaan ​​zowel in wonderbaarlijke landschapsobjecten, zoals het Biwa-meer en de berg Fuji, als in objecten die door mensen zijn gemaakt - zwaarden, spiegels, die daarom magische eigenschappen hebben. De Shinto-tempel onderscheidde zich door de eenvoud van zijn houten structuur: een enkele kamer werd op palen geplaatst, aan alle kanten omgeven door een veranda. Binnen in het Shinto-heiligdom was het donker en leeg. Gelovigen gingen de tempel niet binnen.

Para-periode (645-794 n.Chr.)

Nara is de naam van de eerste hoofdstad en destijds de enige stad van Japan. Dit was de tijd van de oprichting van de Japanse staat, de introductie van het boeddhisme en de oprichting van monumenten van boeddhistische kunst: tempels, pagodes en verschillende beelden van boeddhistische goden. Het boeddhisme was in deze periode niet zozeer het geloof van het volk als wel een voortzetting van het beleid van het hof. Verschillende sekten van het boeddhisme speelden een zeer belangrijke rol aan het hof, het grondbezit van boeddhistische kloosters groeide en de monniken hadden een enorme invloed aan het hof. Er verschijnen boeddhistische kloosters, dit zijn groepen houten gebouwen op een rechthoekig gebied omgeven door muren. Van bijzonder belang waren de brede steeg die naar de voorpoort leidde, het plein voor de tempel en de pagode met meerdere niveaus die al van een afstand zichtbaar was. De houten tempels waren beschilderd met rode vernis, stonden op stenen funderingen en hadden brede gebogen dubbele daken - irimoya.

Tot de vroege boeddhistische tempels behoren Asukadera en Horyuji. De bouw van laatstgenoemde begon in 607 in opdracht van de toen regerende kroonprins Shotoku Taishi. Het klooster bestond uit 53 gebouwen op een oppervlakte van 90 duizend vierkante meter. m. De gevel van de tempel ligt op het zuiden, de hoofdgebouwen bevinden zich op de noord-zuidas, de heilige zone ligt in het noorden, er was een hal voor preken - een kodo, een appartement en een pagode met vijf verdiepingen. Er waren 265 beelden in Horyuji, het belangrijkste sculpturale beeld was de Shakyamuni-drie-eenheid, vertegenwoordigd door een beeldhouwwerk van de stichter van het geloof, vergezeld van twee bodhisattva's. In de 8e eeuw Grote kloosters hadden al beeldhouwersateliers. De cultus van de bodhisattva Kannon, wiens naam een ​​vertaling was van de Sanskrietnaam Avalokiteshvara (Hoorder van de geluiden van de wereld), verspreidde zich. Vervuld van mededogen voor levende wezens kan de Bodhisattva luisteren naar de geluiden van degenen die lijden, waar ze ook zijn. De cultus van Avalokiteshvara ontstond in het noordwesten van India en verspreidde zich naar China. In de Lotus Soetra werd gezegd dat de bodhisattva de vorm aannam van de wezens die hem aanriepen. In Japan leidde de verspreiding van de cultus van Kannon tot de verschijning van een groot aantal van haar afbeeldingen - Sint Kannon helpt in de hel, Kannon met het hoofd van een paard die genade verspreidt aan vee en boze geesten - asura's worden gered door duizend- gewapende Kannon, Kannon met een vislijn redt mensen.

Heian-periode (794-1185)

In 794 werd de hoofdstad van de staat verplaatst naar de stad Heian (nu Kyoto). Tijdens de Heian-periode bloeide een verfijnde hofcultuur. Er is een Japans syllabarium gemaakt - kana (Japans - geleende hiëroglief). Aanvankelijk gebruikten alleen vrouwen dit schrift, terwijl het officiële schrift Chinees bleef. Gedurende de 10e eeuw. Het schrijven van vrouwen begon in de privépraktijk te worden gebruikt. In de 11e eeuw De bloeitijd van de Japanse klassieke literatuur begon, een schitterend voorbeeld hiervan is de roman "Genji Monogatari", gemaakt door hofdame Murasaki Shikibu.

In de Heian-kunst wordt de hoofdrol ingenomen door boeddhistische afbeeldingen van de esoterische Tendai- en Shingon-sekten die destijds uit China kwamen en leerden dat alle levende wezens de essentie van Boeddha bezitten. Door de geest en het lichaam te trainen en de geloften na te komen, kan iedereen de essentie van Boeddha verwerven in het proces van verschillende wedergeboorten. De tempels van deze sekten werden gebouwd op bergtoppen en rotsachtige richels, en de gebedshuizen daarin waren in twee delen verdeeld. Gewone gelovigen mochten de binnenste niet binnen, waar het heilige beeld zich bevond.

Het Heian-tijdperk is een tijd van luxe voor de heersende kringen. Op dit moment werd het Shinden-huistype gevormd. Zelfs in warme klimaten waren de muren geen kapitaal en hadden ze geen ondersteunende waarde. Ze kunnen heel gemakkelijk uit elkaar worden gehaald, bij koud weer worden vervangen door duurzamere exemplaren, of bij warm weer helemaal worden verwijderd. Er waren ook geen ramen. In plaats van glas werd er wit papier over het traliewerk gespannen, waardoor er zwak diffuus licht de kamer binnenkwam. De brede dakrand van het dak beschermde de muren tegen vocht en zonlicht. Het interieur, verstoken van permanent meubilair, had verschuifbare scheidingswanden, waardoor het mogelijk was om naar believen een hal of meerdere kleine geïsoleerde kamers te creëren; de vloer was bedekt met stromatten - tatami, van dezelfde grootte (180 bij 90 cm).

Confucianistische en boeddhistische teksten werden tijdens de Heian-periode uit China meegenomen. Ze waren vaak versierd met afbeeldingen. Aanvankelijk kopieerden Japanse kunstenaars Chinese ‘beroemde plaatsen’, maar vanaf de 10e eeuw. gaan over tot het weergeven van de landschappen en gebruiken van hun geboorteland. Er ontstond een Yamato-e-schilderkunst, die zich onderscheidde van de Chinese schilderkunst door thema's uit Japanse poëzie, korte verhalen, romans of volkslegendes te gebruiken. Het schilderij dankt zijn naam aan de naam van de Yamato-regio - het zuidwestelijke deel van het eiland Honshu, waar de staat Japan werd gevormd.
Het beeld vertegenwoordigde vaak een rol illustraties met de bijbehorende tekst, die met de hand werd genomen en van rechts naar links werd losgedraaid; bij het lezen van het overeenkomstige gedeelte werd de volgende illustratie onderzocht.

De Yamato-e-schilderkunst bloeide in de late Heian-periode. Op dit moment verschenen er professionele kunstenaars die afbeeldingen van seculiere onderwerpen schilderden op schermen, schuifwanden (shoji) en rollen - emakimono. De oudste van de rollen is de Genji Monogatari. Emakimano-rollen waren schilderijen-verhaal. De boekrol “Genji-monogatari-emaki”, de beroemde roman van Murasaki Shikibu, is tot op de dag van vandaag bewaard gebleven en geeft het ijdele leven van de aristocratie in felle kleuren weer; het is een synthese van kalligrafie, literatuur en schilderkunst. In de overgebleven 19 van de 54 hoofdstukken van de roman in illustraties is er geen enkele plot en continue actie. De meeste afgebeelde scènes spelen zich af in interieurs, alles wat zichtbaar is wordt van bovenaf getoond, er is geen enkel verdwijnpunt van lijnen, grootschalige correspondentie van figuren en architectuur, de gezichten van alle personages zijn hetzelfde, alleen kapsels en kleding zijn verschillend . De belangrijkste focus van de aandacht van de kunstenaar ligt op het overbrengen van de emotionele inhoud van de gebeurtenissen in de roman, die bij iedereen bekend waren. De belangrijkste technieken zijn het bouwen van ruimte en het benutten van de mogelijkheden van kleur. Om de interne toestand van de personages en de sfeer van elke scène over te brengen, is het voor de kunstenaar belangrijk onder welke hoek ten opzichte van de onderrand van de rol de diagonale lijnen zijn gericht, die de balken van de structuren of het gordijn aangeven. stangen, of de rand van de veranda. Afhankelijk van de mate van emotionele spanning varieert deze hoek van 30 tot 54 graden.

Bodhisattva - Kannon verschijnt in China, Korea en Japan voornamelijk in vrouwelijke vorm, in zijn handen met een kruik, een wilgentak en een lasso

Er waren geen scheidingswanden in de huizen van aristocraten; de beste kunstenaars schilderden Yamato-e-schilderijen op schermen en gordijnen. Yamato-e-schilderijen vormden een eenheid met literaire werken, die ook op schermen en gordijnen werden geplaatst. In poëziebloemlezingen uit de X-XIII eeuw. Gedichten geschreven op schermen uit de 9e tot 10e eeuw zijn niet ongewoon. Het grootste aantal van dergelijke gedichten staat in de bloemlezing "Suixu". Net zoals poëzie het thema van de vier seizoenen was, zo ook het schilderen voor schermen. In lijn met de volksliederen ontwikkelde zich een bepaald systeem van poëtische formules, dat vervolgens de basis werd van de Japanse klassieke poëtica. Het teken van de lente was dus een mistige nevel, een wilg, het teken van de zomer - de koekoek, krekels, het teken van de herfst - dieprode esdoornbladeren, herten, de maan, de winter - sneeuw en pruimenbloemen.

Kyoto is de oude parel van Japan.

De overvloed aan homoniemen in de taal maakte het mogelijk om gedichten vele betekenissen te geven. Thema's en plots maakten het mogelijk om door middel van een detail of hint in een uiterst laconieke poëtische vorm (er zijn 31 lettergrepen in een tanka) de diversiteit van alle schakeringen van emotionele toestanden tot uitdrukking te brengen. Van schermen met teksten was er een geleidelijke overgang naar schermen zonder tekst. Dit is hoe de werkelijke picturale genre-indelingen ontstonden - shiki-e ("foto's van de vier seizoenen") en meise-e ("schilderijen van beroemde plaatsen").
De compositie van dergelijke schilderijen kwam niet overeen met een van de categorieën van de Chinese schilderkunst. De grootste versmelting van natuur en mens zal kenmerkend worden voor verschillende genres van de Japanse kunst.

Kamakura-periode (1185-1333) en Muromachi (1333-1568)

Aan het einde van de 12e eeuw werd de hoofdstad opnieuw verplaatst; de macht in het land werd, als resultaat van een bloedige vete, gegrepen door de Minamoto-clan, wiens hoofd de hoofdstad verplaatste naar zijn nederzetting Kamakura, waarvan de naam werd de naam van de volgende fase in de geschiedenis van Japan. De militaire klasse van de samoerai kwam aan de macht in het land, onder wie de shoguns kwamen – de feitelijke militaire heersers van Japan; de keizer, die in Nara bleef, behield slechts nominale machtsattributen. De samurai gaven de voorkeur aan eenvoud boven de verfijning van de hofcultuur. De kloosters van de Zen-sekte hadden geen pagodes meer; de tempels leken op plattelandshutten. Vanaf het einde van de 13e eeuw. onder invloed van de pantheïstische ideeën van de zen-sekte begon het landschap het idee te belichamen van de aanwezigheid van boeddhistische goden in alle landschapsobjecten. In de kloosters van Kamakura ontwikkelde zich een iconografie van portretten van de patriarch van Minsk: zittend en in een rustige houding met een benadrukt gezichtskenmerk en de hypnotiserende kracht van zijn blik. Onder invloed van de Zen-sekte raakt de beeldhouwkunst naar de achtergrond; de schilderkunst, vooral de landschapsschilderkunst, geeft uitdrukking aan het wereldbeeld van de mensen van deze tijd.

De Muromachi-periode begint met de gebeurtenissen van 1333, toen de feodale heren van de zuidoostelijke regio's van het eiland Honshu Kamakura veroverden en verbrandden en de hoofdstad teruggaven aan Heian. Het was een tijd van interne strijd en oorlogen tussen feodale clans. Het belangrijkste voor de moeilijke tijden was de leer van de aanhangers van de zen-sekte dat men, nadat men eenheid met de natuur heeft bereikt, in het reine kan komen met de ontberingen van het leven en eenheid met de wereld kan bereiken. Landschapsschilderkunst komt op de voorgrond in de Japanse kunst, onder invloed van de Zen-leer dat het ‘lichaam’ van de Boeddha de natuur is. In de tweede helft van de 12e eeuw. Schilderen met zwarte inkt kwam vanuit China naar Japan. De Japanners, die zich voornamelijk met dergelijke schilderkunst bezighielden, waren lid van de zen-sekte. Ze creëerden een nieuwe stijl die het nieuwe credo verklaarde (shigaku - een combinatie van schilderkunst en poëzie). XV en XVI eeuw - de tijd van maximale bloei van de inktschilderkunst, waarvan Sesshu Toyo (1420-1506) de leidende meester was. Parallel aan deze stijl was er ook de Yamato-e-stijl.

Veranderingen in de sociaal-politieke verhoudingen, waardoor de militaire klasse op de voorgrond trad, bepaalden mede het uiterlijk in de 16e eeuw. Sein-bouwstijl. Het voorheen enige volume van de woning is nu opgedeeld met behulp van schuifdeuren (shoji) en schuifwanden (fusuma). In de kamers verscheen een speciale studieplek: een plank voor boeken en een raam met een brede vensterbank en een nis (tokonoma), waar een boeket of een grillig gevormde steen werd geplaatst en een verticale boekrol werd opgehangen.

In de 16e eeuw In de geschiedenis van de Japanse architectuur verschijnen theepaviljoens in verband met de noodzaak om de theeceremonie goed uit te voeren. Thee werd tijdens de Kamakura-periode door boeddhistische monniken als medicijn naar Japan gebracht. Het theeritueel (cha-no-yu) werd geïntroduceerd op initiatief van de zenmonnik Murata Shuko en vereiste een speciale methode voor de uitvoering ervan. Dit is hoe een nieuw type architecturale structuur ontstond - chashitsu (paviljoen voor de theeceremonie), qua structurele basis dichtbij een woongebouw, en qua functie - bij een boeddhistische tempel. De steunen van het theepaviljoen waren van hout en het plafond was bekleed met bamboe of riet. In een hut van 1,5 of 2 tatami bedekt met matten, met lemen muren, kleine ramen met meerdere niveaus, een tokonoma-nis met een hangend monochroom landschap en een bloem in een vaas, was er een haard en een plank voor keukengerei.

De kunst van het aanleggen van tuinen bloeide tijdens de Muromachi-periode. Japanse tuinen zijn anders. Kleine tuinen bevinden zich meestal bij tempels of worden geassocieerd met een traditioneel huis, ze zijn bedoeld om bekeken te worden. Grote aangelegde tuinen zijn ontworpen om van binnenuit te ervaren.

Kondo - (Japanse gouden zaal) - de belangrijkste tempel van het boeddhistische complex, met iconen, beelden en muurschilderingen

De Zen-tempeltuin is gebouwd volgens het principe van een monochrome landschapsrol. In plaats van een vel papier gebruikte de kunstenaar het oppervlak van een meer of een platform bedekt met kiezelstenen, en in plaats van vlekken en uitwassen, dikke stenen, mossen, bladeren van bomen en struiken. Geleidelijk aan verdwenen de bloemen uit de tuin, werden ze vervangen door mossen en struiken en werden er stenen gebruikt in plaats van bruggen. Sommige tuinen waren aangelegd en heuvelachtig (tsukiyama). Tsukiyama-tuinen waren een combinatie van natuurlijke elementen zoals stenen, mossen, bomen, vijvers, met het verplichte paviljoen aan de kust. De oudste landschapstuin bevindt zich in Kyoto en behoort tot het Sohoji-klooster. Droge tuinen werden “hiraniwa” genoemd, d.w.z. vlak. Hiraniva is een ‘filosofische’ tuin, omdat er een ontwikkelde verbeeldingskracht van de kijker voor nodig was. De hiraniwa-tuin “was gemaakt van stenen, zand en kiezelstenen. Aan drie zijden afgesloten door een muur eromheen, was de tuin alleen bedoeld voor contemplatie. Aan het einde van de 15e eeuw. een van de beroemdste droge tuinen werd aangelegd in het Reanji-klooster. Het bevat 15 stenen op een rechthoekig grindgebied. In de Hiraniwa-tuin van het Daitokuji-klooster, aangelegd in 1509, wordt de natuur vertegenwoordigd door composities van stenen en kiezelstenen. Een van de delen van de tuin wordt de ‘oceaan van de leegte’ genoemd en bestaat uit twee lage kiezelheuvels in een rechthoekig gebied. De tuinen kunnen elkaar aanvullen.

Aan het einde van de 15e eeuw. De Kano-hofschool voor decoratieve schilderkunst werd gevormd. De oprichter van de school, Kano Masanobu (1434-1530), kwam uit de militaire klasse en werd een erkend professioneel hofkunstenaar. Zijn landschappen hadden alleen een voorgrond, al het andere werd aan het zicht onttrokken door een mistige nevel. De nadruk op één specifiek onderwerp van het beeld zal kenmerkend worden voor de Kano-school. De belangrijkste plaats in het werk van kunstenaars van de Kano-school werd ingenomen door decoratieve muurschilderingen en schermen met genreschilderijen. Muurschilderingen zijn het belangrijkste onderdeel geworden van de synthese met de architectonische vorm en een middel om de figuratieve betekenis van de architectonische ruimte te beïnvloeden. Op hun beurt vereisten de kenmerken van de architecturale vorm bepaalde stilistische kwaliteiten van de schilderijen, en daarom vormde zich geleidelijk een nieuwe stijlcanon, die tot de 19e eeuw in de Japanse schilderkunst bewaard bleef.

Shinden is een type woongebouw. Het hoofdgebouw, rechthoekig van opzet, heeft één hal, gericht op het plein met de zuidelijke gevel en omlijst door galerijen aan de oost- en westzijde

Momoyama-periode (1X73-1614)

En deze keer kwam er een einde aan het tijdperk van feodale oorlogen en ging de macht in het land over op opeenvolgende militaire dictators: Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi en Iyaesu Tokugawa. Het was een tijd van stedelijke groei, secularisatie en democratisering van de cultuur, en de penetratie van nieuwe waardeoriëntaties. Cultarchitectuur heeft zijn vroegere betekenis verloren. De nieuwe heersers van Japan verklaarden hun macht door grandioze kastelen te bouwen, waarvan de bouw werd veroorzaakt door de opkomst van vuurwapens in Japan en een overeenkomstige verandering in strijd- en verdedigingstactieken. Het kasteel werd een fundamenteel nieuw type Japanse architectuur. Het asymmetrisch gelegen grondgebied van het kasteel, omgeven door een gracht en wachttorens en hoektorens, omvatte een centraal plein en vele binnenplaatsen en kamers, ondergrondse schuilplaatsen en doorgangen. De woonruimtes bevonden zich in een houten gebouw op het kasteelterrein met een strikte hiërarchie van de interne ruimte die de sociale hiërarchie weerspiegelde. Decoratieve muurschilderingen, grandioos van formaat, geschilderd met heldere kleuren op een gouden achtergrond, waren het meest geschikt voor de interieurs van kastelen ondergedompeld in de schemering.

Kano Eitoku (1543-1590). Schepper van een nieuwe stijl van schilderijen ontworpen om militaire dictators te verheerlijken. Hij was de eerste die het principe van een enkele compositie op grote horizontale vlakken ontwikkelde, waarbij hij de vormen uitvergroot en kleine details achterwege liet om niet alleen silhouetten, maar ook de dynamiek van hun vormen over te brengen. Eitoku wordt gekenmerkt door de wens om de vlakheid van het schilderij te vergroten en de decoratieve kwaliteiten ervan te versterken. Zo worden op plaatsen die de lege ruimte symboliseren, vlekken met een mengsel van goudpoeder geplaatst. De ruimte van de compositie ontvouwde zich niet in de diepte, maar langs het uitzicht.
In 1576 werd aan de oevers van het Biwameer een ongekend kasteel met een kolossale toren van zeven verdiepingen gebouwd, die de macht van dictator Oda Nobunaga moest demonstreren. Een bijzonder kenmerk van het kasteel was de aanwezigheid van niet alleen officiële, maar ook privékamers. De belangrijkste decoratie van de kamers waren de muurschilderingen, die werden toevertrouwd aan Kano Eitok, die er drie jaar lang aan werkte met een grote groep assistenten. Kano Eitoku, die door de dictator haastig werd gemaakt om de bestelling af te ronden, begon de formulieren te vergroten met een dikke borstel van rijststro, waarbij hij zijn toevlucht nam tot een laconieke artistieke taal. De belangrijkste plaats werd ingenomen door het beeld van bomen, bloemen, vogels en dieren. Het kleurenschema was helder, er was geen kleurnuance.

De verandering in de sociale situatie in het land nadat de Tokugawa-shoguns aan de macht kwamen, leidde tot een verbod op de bouw van kastelen.
In de werken van kunstenaars uit het eerste derde deel van de 17e eeuw. nieuwe functies beginnen te domineren. In de schilderkunst werden het verlangen naar evenwichtige, rustige composities, de toename van decoratieve vormen en de interesse in de cultuur van het Heian-tijdperk en de werken van Yamato-e steeds duidelijker. Een onderscheidend kenmerk van de Kano-school van deze tijd zijn versieringen en verhoogde decorativiteit. Toen in het tweede kwart van de 17e eeuw. De bouw van kastelen werd verboden en het scherm werd de belangrijkste vorm van decoratieve schilderkunst. De monumentaliteit van Kano Eitoku is uit de decoratieve schilderkunst verdwenen. Kunst kreeg een persoonlijk tintje, wat ook de stilistische kwaliteiten ervan beïnvloedde. Decoratief schilderij uit de 17e eeuw. werd meestal geïnspireerd door de helden en thema's uit de klassieke literatuur, en weerspiegelde het scala aan belangen van de tribale aristocratie, evenals de opkomende burgerlijke elite. Decoratieve schilderkunst ontwikkeld in de oude hoofdstad Kyoto.

Ogata Korin, een nieuwe vertegenwoordiger van de Kano-school, werd een exponent van de smaak van nieuwe kunstconsumenten - stadsbewoners, kooplieden en ambachtslieden.

Emakimano - een horizontale rol papier of zijde vastgelijmd aan een basis, omlijst met een brokaatrand met aan het uiteinde een houten rol

Ogata Korin (1658-1716) leefde als een rijke hark en bezocht voortdurend de ‘homowijken’. Pas na de ondergang, geconfronteerd met de ernstige behoefte om in zijn levensonderhoud te voorzien, begon hij zich bezig te houden met textielschilderen en schilderen. Ogata Korin hield zich bezig met zowel keramiek als lakwerk, en beschilderde kimono's en waaiers. Hoe
meester, begon hij met een inleiding tot de traditionele schilderkunst en haar technieken. Korin heeft altijd gestreefd naar compactheid en evenwicht van vormen; een karakteristiek kenmerk van zijn creatieve stijl is een concentratie op de ontwikkeling van verschillende plotmotieven, hun herhaalde herhaling en variatie. Voor het eerst verscheen in het werk van Ogata Korin werk uit het leven. In het schilderij van het scherm "Red and White Plum Tree" gaat het plotmotief van Korin terug naar de klassieke poëzie met zijn beelden van de vroege lente en de ontwakende natuur. Aan weerszijden van de beek zijn op een gouden achtergrond bloeiende bomen geschreven: een gedrongen rode pruimenboom met een dikke gebogen stam en bijna verticaal stijgende takken, en een andere, alleen aangegeven door de voet van de stam en een scherp gebogen tak, zoals als het in het water valt en daarom plotseling wordt overgegeven, bezaaid met witte bloemen.

Kano Eitoku-havik op een pijnboomboom. Scherm. Detail uit het einde van de 16e eeuw.

Ogata Kenzan (1663-1743) was, in tegenstelling tot zijn oudere broer Ogata Korin, vanaf zijn jeugd aangetrokken tot spirituele waarden, een volgeling van het zenboeddhisme, kende de Chinese en Japanse klassieke literatuur, het Noh-theater en het theeritueel. Op het grondgebied van de Ninnaji-tempel kreeg Kenzan toestemming om zijn eigen keramische oven te bouwen, die tot 1712 13 jaar lang producten produceerde. Hij streefde niet naar winstgevendheid, hij liet zich leiden door het idee om zeer artistieke producten te creëren. . Voor het eerst gebruikte hij traditionele inktschildertechnieken bij het driedimensionaal schilderen. Kenzan begon kleur te gebruiken, hij schreef op een vochtige scherf, de poreuze klei absorbeerde de verf, zoals papier bij het schilderen met inkt. Net als zijn grote tijdgenoot, de dichter Basho, die van het populaire lage genre haiku een openbaring maakte, liet Ogata Kenzan zien dat gewone keramische borden, kopjes en vazen ​​zowel gebruiksvoorwerpen als tegelijkertijd poëtische meesterwerken kunnen zijn.

Edo-periode (1614-1868)

In 1615 werden samurai hervestigd van Kyoto naar Edo. Het belang van de klasse van kooplieden, handelaren en geldschieters, geconcentreerd in Mara, Kyoto en Osaka, werd steeds belangrijker. Vertegenwoordigers van deze sociale groepen werden gekenmerkt door een wereldse perceptie van het leven en een verlangen om zichzelf te bevrijden van de invloed van de feodale moraal. Voor het eerst richt kunst zich op thema's uit het dagelijks leven, inclusief het leven van de zogenaamde. vrolijke buurten - de wereld van theehuizen, Kabuki-theater, sumoworstelaars. Het verschijnen van houtgravures werd geassocieerd met de democratisering van de cultuur, aangezien graveren wordt gekenmerkt door circulatie, goedkoopheid en toegankelijkheid. Na de alledaagse schilderkunst begon het graveren ukiyo-e te heten (letterlijk: de sterfelijke, veranderlijke wereld).

De productie van gravures kreeg een brede reikwijdte. De vroege ontwikkelingsperiode van ukiyo-e-afbeeldingen wordt geassocieerd met de naam Hashikawa Moronobu (1618-1694), die eenvoudige scènes uit het leven van de bewoners van theehuizen en ambachtslieden afbeeldde, waarbij gebeurtenissen uit verschillende tijden, die niets met elkaar te maken hadden, in één gravure werden gecombineerd. naar elkaar. De achtergrond van de gravures bleef wit, de lijnen waren duidelijk. Geleidelijk aan werd het scala aan thema's in de gravures groter en werd de interesse niet alleen in de externe, maar ook in de interne wereld van de personages dieper. Japanse gravure uit 1780-1790. beleeft zijn hoogtijdagen. Suzuki Haranobu (1725-1770) begon voor het eerst de innerlijke wereld van helden te onthullen in gravures als ‘Beauties Plucking a Plum Branch’ en ‘Lovers in a Snowy Garden’. Hij was de eerste die de techniek van het rollen gebruikte, waardoor een overgang van donkere naar lichte toon ontstond en de dikte en textuur van de lijnen varieerde. Hij gaf nooit om de werkelijke kleuren, de zee in zijn gravures is roze, de lucht is zanderig, het gras is blauw, alles hangt af van de algemene emotionele sfeer van de scène. Een van zijn beste werken, 'Lovers Playing the Same Shamisen', is gemaakt rond het thema van het Japanse spreekwoord: 'Als muziek liefde bevordert, speel dan.'

Tokonoma - een nis in het interieur van een theehuis

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - een uitstekende meester van ukiyo-e. Zijn werk begon met de albums “The Book of Insects” en “Songs of Shells”. In zijn halflange en lange portretten van vrouwen is Utamaro de eerste die micapoeder gebruikt, waardoor een glinsterende achtergrond ontstaat. De schoonheid Utamaro is ideaal met haar sierlijke vorm en hoofdstel,
dunne nek, kleine mond, korte zwarte wenkbrauwen. In de series 'Ten Female Characters' en 'Days and Hours of Women' probeerde hij verschillende soorten uiterlijk en karakter van vrouwen te identificeren. Eind jaren 90. in Utamaro behandelt hij het thema moederschap in prenten als 'Moeder met kind' en 'Balspel', terwijl hij tegelijkertijd drieluiken en veelluiken maakt over historische thema's, waarbij hij zijn toevlucht neemt tot indirecte aanduidingen (de helden van het land worden afgebeeld als schoonheden ). Teshusai Sharaku creëerde een serie portretten van Kabuki-acteurs en sumoworstelaars. Hij verliet algemeen aanvaarde tradities en maakte van het groteske zijn belangrijkste techniek. De derde ontwikkelingsperiode van de ukiyo-e-gravure valt in de periode 1800-1868. In deze tijd nam de invloed van Nederlandse en Duitse etsen op de Japanse kunst toe. De creativiteit van de artistieke dynastie van Utagawa werd gekenmerkt door een afwijzing van de zoektocht naar individualiteit en een verlangen naar formele gratie. De bloei van het landschapsgenre in de gravure wordt geassocieerd met de naam Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai bestudeerde oude en moderne trends in de Japanse kunst, kende de kunst van China en maakte kennis met Europese gravures. Tot bijna 50 jaar werkte Hokusai op de traditionele manier van ukiyo-e kunstenaars. Pas in de Manga-albums (schetsboek), waarvan het eerste deel in 1812 werd gepubliceerd, vond Hokusai zijn vakgebied. Nu schilderde hij alledaagse taferelen, landschappen, mensenmassa's.

landschapstuinen van Japan

Op 70-jarige leeftijd creëerde Hokusai zijn serie “36 Gezichten op de berg Fuji”, in elk van de prenten beeldt de kunstenaar de berg Fuji af. De combinatie van een genrethema met een landschap is kenmerkend voor Hokusai. In tegenstelling tot oude landschapsschilders toont Hokusai de aarde van onderaf. Tegelijkertijd maakt hij de serie "Reis door de watervallen van het land", "Bridges", "Big Flowers", "100 Views of Fuji". Hokusai kon dingen vanuit een onverwachte hoek overbrengen. In de gravures ‘100 Views of Fuji’ komen de bergen als een visioen uit de duisternis van de nacht tevoorschijn, zijn ze zichtbaar achter de stengels van bamboe, of worden ze weerspiegeld in het meer. Een navolger van Hokusai, Ando Hiroshige (1797-1858), schilderde de natuur veel realistischer. Hij was rivieragent van beroep en reisde veel door het land en creëerde zijn series "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido". Hiroshige's kunst benadert de Europese schilderkunst en maakt een einde aan de tweehonderd jaar durende hoogtijdagen van ukiyo-e-prenten.

Japanse kunst Japanse kunst

De kunst van de Oost-Aziatische staat, die ca. 4.000 eilanden in het westelijke deel van de Stille Oceaan. De oudste kunstmonumenten behoren tot de Jomon-cultuur (4e - midden 1e millennium voor Christus). Dit zijn kleivaten omwikkeld met grastouwen, die tijdens het bakken een karakteristiek patroon op hun oppervlak achterlieten. In con. 1e millennium voor Christus e. de religie van het Shinto wortelt (vergoddelijking van de natuur - bergen, rivieren, bomen, enz.). De eerste tempels waren schuren voor het opslaan van rijst, waarvoor feestelijke rituelen werden uitgevoerd. De oudste heiligdommen (Ise en Izumo, begin 1e millennium na Christus) werden gebouwd op basis van het type van deze schuurtempels. In de 3e-6e eeuw. N. e. In verband met de ontwikkeling van de voorouderscultus begon de bouw van grandioze koninklijke heuvels (kofun) met ronde en hoefijzervormige vormen, omgeven door een gracht met water (het graf van keizer Nintoku). Er werden holle kleibeeldjes (haniwa) geplaatst met afbeeldingen van priesteressen, bedienden, paarden en vogels, en modellen van woongebouwen.
Vanaf het einde 6e eeuw in verband met de verspreiding van het boeddhisme begon de bouw van kloosters, vierkant van opzet pagodes en tempels gebaseerd op Chinese en Koreaanse modellen (Asukadera-ensembles, 588; Shitennoji, 593; Hokkiji, begin 7e eeuw; Horyuji, 607) De gebouwen werden opgetrokken op een witstenen platform en werden omringd kolommen, beschilderd met rode vernis en bedekt met een pannendak, gebogen aan de randen, enkellaags of tweelaags dak. In het centrale deel van boeddhistische tempels werden altaren opgericht met afbeeldingen van boeddhistische goden, gemaakt van verguld brons of geverfd hout.

Tuin van het keizerlijk paleis. Herschapen in 1789 volgens het model van de 9e eeuw. Kioto

In 710, toen er één gecentraliseerde feodale staat werd opgericht, werd de eerste permanente Japanse hoofdstad (daarvoor, toen een nieuwe heerser de troon besteeg, de hoofdstad verplaatst) Nara (Heijo-kyo), gebouwd naar het model van Chinese steden met een reguliere indeling. De tempelcomplexen van deze tijd (Yakushiji, Todaiji, Toshodaiji) kenmerken zich door een duidelijke symmetrie van plattegronden, grandioze schaalgroottes en de kracht van structuren. Groteske rituele maskers raakten wijdverspreid in de beeldhouwkunst. De schilderkunst wordt vertegenwoordigd door schilderijen uit de Horyuji-tempel (8e eeuw), die qua stijl dicht bij Indiase en Chinese voorbeelden liggen.
In 794 werd de hoofdstad verplaatst naar Heian (nu Kyoto). In con. 8e-12e eeuw Een nieuw type tempelpaleis ontstond in de architectuur (de Phoenix-tempel in het Byodoin-klooster nabij Kyoto, 1053). Leden van boeddhistische sekten, die geheime leringen predikten, richtten religieuze gebouwen op afgelegen plaatsen tussen de rotsen op (Enryakuji-tempels, 782; Kongobuji, 816; Muroji, eind 8e - begin 9e eeuw). Kleine tempels werden organisch geïntegreerd in het landschap. Seculiere architectuur bloeide. T.n. De Shinden-zukuri-stijl, die de tradities van de nationale architectuur voortzette, werd gecombineerd met de ervaring van de Chinese architectuur. In het midden van de wooncomplexen bevond zich een houten paviljoen (shinden), opgetrokken op pilaren, aan beide zijden verbonden door galerijen (tainoya), die het hoofdgebouw met de rest van het ensemble verbond. De gevel van het paviljoen keek uit op een zandgebied en eindigde in het zuidelijke deel met een landschapstuin met eilanden, bruggen, rotsen en een kunstmatig meer (het keizerlijk paleis in Kyoto, herschapen naar 9e-eeuws model in 1789). In het beeldhouwwerk verschenen angstaanjagende beelden van goden met vele gezichten en veel armen - bewakers van de landen van de wereld, genezers van kwalen. Naast beeldhouwkunst werden ornamenten en muurschilderingen op grote schaal gebruikt bij de decoratie van tempelinterieurs. Schilders schilderden ook mandala-iconen die het symbolische diagram van het boeddhistische universum nabootsten. Er ontwikkelde zich een soort horizontale rollen (emakimono) die literaire werken illustreerden (illustraties voor "The Tale of Prince Genji" van Fujiwara Takayoshi, begin 12e eeuw). Artistieke vernissen waren populair in de decoratieve en toegepaste kunst.
In de 12e-15e eeuw. Het land werd geregeerd door shoguns (militaire heersers) en Kamakura werd de hoofdstad. Sculpturale en geschilderde portretten van shoguns (portret van shogun Minamoto Yoritomo, gemaakt door Fujiwara Takanobu, 12e eeuw), krijgers en monniken waren populair. Wapens en paardentuigen waren versierd met prachtige versieringen. In con. 14e-16e eeuw onder invloed van de leringen van Zen, die het pad naar verlichting predikten door de contemplatie van de natuur, die het ‘lichaam van Boeddha’ is, ervaart een bloeiende tuinarchitectuur(Kinkakuji-tempels - Gouden Paviljoen en Ginkakuji - Zilveren Paviljoen in Kyoto, 14e - eind 15e eeuw). In tegenstelling tot Europese tuinen hadden Japanse tuinen meestal geen bloeiende planten; landschappen werden versierd rotstuinen(tuin van het Ryoanji-klooster in Kyoto, 15e eeuw). Met behulp van stenen en zand creëerden bekwame tuinlieden het gevoel van een rivier, bergen, een brug over een afgrond, een waterval, enz. Iemand die naar een hoek van de tuin keek, creëerde een gevoel van grenzeloze ruimte (de tuin van de Daisen -in Tempel in het Daitokuji-klooster in Kyoto, 14e eeuw). In woongebouwen verdwenen lange galerijen, kamers werden gescheiden door schuifwanden, er verschenen speciale nissen (tokonoma) voor pittoreske boekrollen en planken (tana) voor heilige boeken. Schuifwanden brachten het interieur dichter bij de tuin. Inktschilderen (suiboku) ontwikkelt zich. Kunstenaars (Josetsu, Shuoun, Sesshu, etc.) schilderen monochrome landschappen op rollen. Aan het einde van de 15e eeuw. schilders van de Kano-school (Masanobu Kano, Motonobu Kano, Eitoku Kano, Sanraku Kano, enz.) Creëerden heldere decoratieve composities met afbeeldingen van vogels en bloeiende bomen. Geworteld in de Japanse cultuur sinds de 15e eeuw. De traditie van theeceremonies had een tastbare impact op de architectuur en de beeldende kunst, en zorgde voor de bloei van de porseleinproductie. In de diepten van de tuinen waren nadrukkelijk eenvoudige paviljoens ingericht voor theeceremonies: halve tempels, halve hutten. De cultus van eenvoud, natuurlijkheid en vertrouwdheid met de natuurlijke wereld vond zijn meest perfecte belichaming in het ensemble van de keizerlijke landvilla Katsura nabij Kyoto (1625). Het beleeft zijn hoogtijdagen, die hun oorsprong vonden in de 6e eeuw. de kunst van ikebana (boeketarrangement).
In 1543 landden Portugese kooplieden tijdens een storm op een van de Japanse eilanden. Vanaf dat moment begonnen levendige contacten tussen Japan en Europa. In con. 16 – begin 17e eeuw met de medewerking van Europese architecten werden grandioze kastelen gebouwd, waarbij het cyclopische metselwerk van de basis werd gecombineerd met een traditioneel houten blad (Azuchijo, 1576; Osakajo, 1583; Himejijo, 1601-1609). De ruime, sombere interieurs van deze gebouwen, evenals paleizen, waren versierd met houtsnijwerk, veelkleurige schilderijen met een overvloed aan goud (het kasteel van de shogun Nijo, het Fushimi-paleis, nu het Nishihonganji-klooster; beide - het begin van de 17e eeuw). Er werden weelderige, plechtige graftempels gecreëerd, rijkelijk versierd met houtsnijwerk, verguldsel en schilderijen (het mausoleum van de Tokugawa-shoguns in Nikko, begin 17e eeuw).
Vanaf 1639, onder de Tokugawa-shoguns, werd het Europese schepen verboden Japanse havens binnen te varen. De Japanse periode van zelfisolatie duurde tot 1854. Gedurende deze tijd bloeide de stedelijke cultuur. Kleine benen of houten beeldjes – netsuke – waren enorm populair. Er zitten geen zakken in het Japanse pak (kimono), dus portemonnees en kleine tasjes werden in de taille gedragen. Door de riem werd een koord geregen, aan het ene uiteinde zat een portemonnee en aan het andere uiteinde een netsuke met contragewicht. In de netsuke zat een gat waar een koord doorheen werd geregen. Er waren mensen van kleur in alle huizen gravures(ukiyo-e), gemaakt met behulp van de techniek houtsneden. Beroemde auteurs van gravures waren Suzuki Harunobu en Kitagawa Utamaro, die afbeeldingen van zachtaardige vrouwen creëerden; Chosusai Sharaku, die acteurs uit het traditionele Japanse Kabuki-theater speelde; landschapsschilders Katsushika Hokusai en Ando Hiroshige.
Architectuur en beeldende kunst van de 19e eeuw. gemarkeerd met kenmerken eclecticisme, de wens om Europese en nationale manieren dichter bij elkaar te brengen. Om 20 uur – begin. 21e eeuw Japanse meesters wenden zich tot het gehele gevarieerde erfgoed van de Europese kunst; avant-gardistische trends bestaan ​​naast de heropleving van oude nationale tradities.

(Bron: “Art. Modern geïllustreerde encyclopedie.” Bewerkt door Prof. Gorkin A.P.; M.: Rosman; 2007.)

Zie wat “Japanse kunst” is in andere woordenboeken:

Kalligrafie (van het Griekse καλλιγραφία “mooi handschrift”) is een vorm van beeldende kunst. Een oude tak van toegepaste ... Wikipedia

De kunst en technologie van wapensmeden- Keizer Maximiliaan I in de pantserwerkplaats. Het gereedschap ligt duidelijk zichtbaar op tafel. Op de achtergrond is een smederij en een aambeeld te zien. Aan de muur hangt kant-en-klaar pantser van verschillende typen. Het is merkwaardig dat het Renzoig- en Rentarch-pantser bedoeld zijn voor linkshandige mensen, oh... ... Encyclopedie van middeleeuwse wapens

Vincent van Gogh. Sterrennacht, 1889 ... Wikipedia

De kunst van het creëren van een visueel beeld van een voorstelling (zie Prestatie) door middel van decors, kostuums, verlichting en productietechnieken. Ontwikkeling enz. en. nauw verbonden met de ontwikkeling van theater, drama en beeldende kunst. … …

Het ontwikkelde zich als resultaat van een historisch proces dat begon met de hervestiging van de voorouders van het Japanse volk vanaf het vasteland naar de Japanse archipel en de opkomst van de cultuur van de Jomon-periode. De moderne Japanse cultuur is sterk beïnvloed door Aziatische landen (in... ... Wikipedia

Literatuur De multinationale Sovjetliteratuur vertegenwoordigt een kwalitatief nieuwe fase in de ontwikkeling van de literatuur. Als een bepaald artistiek geheel, verenigd door één enkele sociale en ideologische oriëntatie, gemeenschap... ... Grote Sovjet-encyclopedie

Scenografie (een traditionele term voor de West-Europese kunstgeschiedenis, wijdverspreid in de Sovjetwetenschap sinds de tweede helft van de 20e eeuw), de kunst van het creëren van een visueel beeld van een voorstelling door middel van decors, kostuums, verlichting,... ... Kunstencyclopedie

Paleolithische Jomon ... Wikipedia

Theorie en praktijk van oorlogvoering te land, ter zee en in de lucht. Sov. In en. omvat strategie, operationele kunst, tactiek. In en. ontstond gelijktijdig met de opkomst van oorlogen en legers en ontwikkelt zich afhankelijk van de productiemethode... Sovjet-historische encyclopedie

Theorie en praktijk van het voorbereiden en uitvoeren van militaire operaties te land, ter zee en in de lucht; de belangrijkste tak van de militaire wetenschap (zie Militaire wetenschappen). De componenten van de Sovjet V. en. zijn Militaire Strategie, Operationele Kunst en... ... Grote Sovjet-encyclopedie

Boeken

• Culture of Japan The Art of Zen Buddhism Leerboek voor universiteiten, Malinina E., Het boek van Elizaveta Malinina spreekt over enkele facetten van de Japanse kunst, geïnspireerd door de ideeën en esthetische principes van het zenboeddhisme, dat in de 13e eeuw vanuit China Japan binnendrong En ... Categorie: Cultuur Fabrikant:

Japan is een geweldig oostelijk land gelegen op eilanden. Een andere naam voor Japan is het land van de rijzende zon. Het milde, warme, vochtige klimaat, de bergketens van vulkanen en het zeewater creëren prachtige landschappen waarin jonge Japanners opgroeien, wat ongetwijfeld een stempel drukt op de kunst van deze kleine staat. Hier wennen mensen al op jonge leeftijd aan schoonheid, en verse bloemen, sierplanten en kleine tuinen met een meer zijn een kenmerk van hun huis. Iedereen probeert een stukje wilde natuur voor zichzelf te organiseren. Net als alle oosterse nationaliteiten hebben de Japanners een band met de natuur onderhouden, die ze door de eeuwen heen van hun beschaving hebben geëerd en gerespecteerd.

Luchtbevochtiging: de luchtwasser “WINIX WSC-500” genereert kleine waterdeeltjes. Bedrijfsmodi van de Winix WSC-500 wasmachine: De luchtwasser “WINIX WSC-500” heeft een handige automatische bedrijfsmodus. Tegelijkertijd wordt de meest optimale en comfortabele luchtvochtigheid in de kamer gehandhaafd - 50-60% en is de plasma-luchtzuiverings- en ionisatiemodus (“Plasma Wave™”) standaard ingeschakeld.

Architectuur van Japan

Lange tijd werd Japan als een gesloten land beschouwd; er waren alleen contacten met China en Korea. Daarom volgde hun ontwikkeling zijn eigen speciale pad. Later, toen verschillende innovaties het grondgebied van de eilanden begonnen binnen te dringen, pasten de Japanners ze snel voor zichzelf aan en maakten ze op hun eigen manier opnieuw. De Japanse bouwstijl bestaat uit huizen met enorme gebogen daken om ze te beschermen tegen de constante zware regenval. De keizerlijke paleizen met tuinen en paviljoens zijn een waar kunstwerk.

Onder de religieuze gebouwen die in Japan zijn gevonden, kunnen we de nadruk leggen op houten Shinto-tempels, boeddhistische pagodes en boeddhistische tempelcomplexen die tot op de dag van vandaag bewaard zijn gebleven en die verschenen in een latere periode van de geschiedenis, toen het boeddhisme het land binnenkwam vanaf het vasteland en tot staat werd verklaard. religie. Houten gebouwen zijn, zoals we weten, niet duurzaam en kwetsbaar, maar in Japan is het gebruikelijk om gebouwen in hun oorspronkelijke vorm opnieuw te creëren, dus zelfs na branden worden ze herbouwd in dezelfde vorm waarin ze destijds werden gebouwd.

Japanse sculptuur

Het boeddhisme had een sterke invloed op de ontwikkeling van de Japanse kunst. Veel werken vertegenwoordigen het beeld van Boeddha, daarom zijn er in tempels talloze beelden en sculpturen van Boeddha gemaakt. Ze waren gemaakt van metaal, hout en steen. Pas na enige tijd verschenen er meesters die seculiere portretsculpturen begonnen te maken, maar na verloop van tijd verdween de behoefte eraan, dus werden sculpturale reliëfs met diep houtsnijwerk steeds vaker gebruikt om gebouwen te versieren.

Miniatuur netsuke-sculptuur wordt beschouwd als de nationale kunstvorm van Japan. Aanvankelijk speelden dergelijke figuren de rol van een sleutelhanger die aan de riem was bevestigd. Elk beeldje had een gat voor een koord waaraan de benodigde spullen werden gehangen, aangezien kleding in die tijd geen zakken had. Netsuke-beeldjes beeldden seculiere karakters, goden, demonen of verschillende objecten af ​​die een speciale geheime betekenis hadden, bijvoorbeeld een wens voor gezinsgeluk. Netsuke zijn gemaakt van hout, ivoor, keramiek of metaal.

Decoratieve kunsten van Japan

De vervaardiging van scherpe wapens werd in Japan tot kunst verheven, waardoor de vervaardiging van het samoeraizwaard tot in de perfectie werd gebracht. Zwaarden, dolken, frames voor zwaarden, elementen van gevechtsmunitie dienden als een soort herensieraden, wat aangeeft dat ze tot de klasse behoorden, dus werden ze gemaakt door bekwame ambachtslieden, versierd met edelstenen en houtsnijwerk. Japanse volksambachten omvatten ook keramiek, lakwerk, weven en houtgravure. Traditionele keramische producten worden door Japanse pottenbakkers beschilderd met verschillende patronen en glazuren.

Japans schilderij

In de Japanse schilderkunst overheerste aanvankelijk het monochrome type schilderkunst, nauw verweven met de kunst van de kalligrafie. Beiden zijn gemaakt volgens dezelfde principes. De kunst van het maken van verf, inkt en papier kwam vanaf het vasteland naar Japan. In dit opzicht begon een nieuwe ontwikkelingsronde van de schilderkunst. In die tijd was een van de soorten Japanse schilderkunst lange horizontale rollen van emakinomo, die scènes uit het leven van Boeddha afbeeldden. De landschapsschilderkunst in Japan begon zich veel later te ontwikkelen, waarna kunstenaars verschenen die zich specialiseerden in scènes uit het sociale leven, het schilderen van portretten en oorlogsscènes.

In Japan schilderden ze meestal op kamerschermen, shoji, huismuren en kleding. Voor de Japanners is een scherm niet alleen een functioneel element van het huis, maar ook een kunstwerk voor contemplatie, dat de algemene sfeer van de kamer bepaalt. Nationale kleding, kimono, is ook een stukje Japanse kunst met een speciaal oosters tintje. Decoratieve panelen op bladgoud met felle kleuren kunnen ook worden geclassificeerd als Japanse schilderkunst. De Japanners hebben een grote vaardigheid verworven in het maken van ukiyo-e, de zogenaamde houtgravure. Het onderwerp van dergelijke schilderijen waren afleveringen uit de levens van gewone stadsmensen, kunstenaars en geisha's, evenals prachtige landschappen, die het resultaat werden van de ontwikkeling van de schilderkunst in Japan.