Modelli di presentazione sul tema della natura morta. Presentazione di natura morta sull'argomento

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Quando si lavora con fogli di calcolo Excel, si verificano situazioni in cui, quando si apre una cartella di lavoro, le colonne hanno numeri come intestazioni invece delle solite lettere latine. Ciò accade perché Excel utilizza due tipi di collegamenti: A1 e R1 C1 . Diamo un'occhiata a entrambi gli stili e scopriamo in cosa differiscono e come disabilitare lo stile R1 C1.

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La lezione può essere fruttuosa e gioiosa, tutta d'un fiato, oppure può trascinarsi lentamente e noiosamente, esaurendo i bambini e l'insegnante e non dando soddisfazione a nessuno. E la ragione di ciò non sono solo errori metodologici, caratteristiche del materiale e classe. Forse, in misura ancora maggiore, il motivo va ricercato nel background emotivo della lezione, che si è rivelato sfavorevole. Creare un background emotivo è un compito che inevitabilmente deve affrontare qualsiasi insegnante e richiede la sua attenzione e il suo impegno. Come creare uno sfondo positivo per la lezione?

Come catturare l'attenzione di uno studente nell'era della tecnologia digitale, quando il flusso di informazioni assorbe completamente una persona? Molte persone probabilmente hanno familiarità con la situazione in cui è in corso una lezione e gli studenti guardano lo schermo del telefono e non vogliono fare nient'altro. Come catturare l'attenzione degli studenti e rendere la lezione interessante? Diamo un'occhiata a diverse tecniche per creare interesse per la lezione.

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Didascalie delle diapositive:

Natura morta p. natura morte, letteralmente - "natura morta", con natura "natura, natura, essenza, proprietà" e morte "morte"; vita immobile

La "natura morta" ha mostrato la capacità di invadere il "vivente" - e non solo mostrarlo, ma anche spiegarlo.

La natura morta è un genere di belle arti. La natura morta è un genere di belle arti dedicato alla rappresentazione di cose collocate in un unico ambiente e organizzate in un gruppo.

Messa in scena La particolare organizzazione del motivo (la cosiddetta messa in scena) è una delle componenti principali del sistema figurativo del genere della natura morta.

Oggetti della natura vivente Oltre agli oggetti inanimati (ad esempio articoli per la casa), la natura morta raffigura oggetti della natura vivente, isolati dalle loro connessioni naturali e quindi trasformati in una cosa: pesce sul tavolo, fiori in un mazzo, ecc.

Rappresentazione di creature viventi La rappresentazione di creature viventi e in movimento - insetti, uccelli, animali e persino persone - a volte può essere inclusa in una natura morta, ma solo a complemento del suo motivo principale.

Gli obiettivi della natura morta Gli obiettivi della natura morta come genere non si limitano all'espressione del simbolismo, alla soluzione di problemi decorativi o alla registrazione precisa del mondo oggettivo nella storia naturale. Un fotografo può creare un'immagine capiente e multistrato in una natura morta che ha implicazioni semantiche complesse.

Specificità del genere La specificità del genere determina la maggiore attenzione dell'artista (e dello spettatore) alla struttura e ai dettagli dei volumi, alla struttura della superficie e ai problemi dell'immagine.

Da dove iniziare a comporre una natura morta? Il fatto è che ogni produzione contiene un centro compositivo che “cattura” la nostra attenzione. L'ispirazione gioca un ruolo importante qui, o forse hai visto, notato un oggetto che volevi assolutamente catturare e mostrarlo da un lato nuovo, inaspettato.

In primo luogo, gli oggetti dovrebbero essere disposti in modo armonioso, un oggetto è il centro compositivo attorno al quale è costruita la tua storia. E tutti insieme formano un unico insieme, cioè il tuo piano dovrebbe essere leggibile.

Per mettere in scena una natura morta, viene solitamente utilizzata una superficie piana (tavolo, sedia, davanzale).

Alcune regole quando si costruisce una natura morta: gli oggetti dovrebbero essere posizionati abbastanza vicini l'uno all'altro, in modo compatto, e le distanze tra loro dovrebbero essere diverse.

Le masse di colore devono essere equilibrate, equilibrate.

Si consiglia di non posizionare gli stessi colori in orizzontale.

Il tavolo (sedia, davanzale) non deve dividere il telaio a metà.

La parte inferiore dovrebbe essere più grande o più piccola dell'immagine in alto con sfondo.

Il posizionamento del bianco e nero uno accanto all’altro, l’abbondanza di linee nette e spezzate porta a una sensazione di lotta e drammaticità.

L'abbondanza di transizioni leggere e fluide leniscono e soddisfano l'occhio

La composizione emotiva della composizione dovrebbe essere in accordo con il soggetto della foto

Impostazione della luce Nella maggior parte dei casi, una natura morta è un'immagine ravvicinata di oggetti. Nelle fotografie dovrebbero apparire come siamo abituati a vederli nella vita reale. E questo è possibile solo se la texture superficiale degli oggetti viene trasmessa attraverso l'apposita installazione degli apparecchi illuminanti.

Illuminazione di nature morte con un'unica fonte di luce Per riprendere una piccola natura morta, è possibile utilizzare la luce direzionale da un'unica fonte. Questo soggetto non ha né occhi né mento, quindi non ci sono problemi associati alla comparsa delle ombre corrispondenti. Tuttavia, le superfici riflettenti possono causare abbagliamento e le ombre create dalla luce proveniente da una fonte situata leggermente a sinistra e sopra la fotocamera sono altamente indesiderabili.

Quando si scatta una natura morta, spesso è sufficiente utilizzare una sola fonte di luce per ottenere una fotografia interessante per toni, luci e ombre.

Fonte unica; illuminazione diffusa L'illuminazione può essere notevolmente migliorata se si utilizza un grande ombrello traslucido (traslucido). Tuttavia, in questo caso ci sono ancora ombre profonde con bordi sfumati che, di regola, non migliorano l'impressione dell'immagine. La fonte luminosa, come si può vedere dalla posizione delle ombre, è ancora sopra e di lato rispetto ai soggetti fotografati. Le alte luci sulle superfici lucide sono significativamente ridotte, e il materiale di sfondo appare ancora sgradevolmente grigio.

Sono state utilizzate l'illuminazione mediante luce riflessa da due ombrelli, due sorgenti di uguale potenza con identici ombrelli riflettenti, posizionati ad un angolo di 45° su ciascun lato dell'oggetto. Questo design di illuminazione è popolare quando si fotografano piccole nature morte, ma i suoi svantaggi vengono solitamente trascurati. Le ombre scompaiono solo nella parte centrale della composizione, ma continuano ad esistere su entrambi i bordi, rompendo così l'impressione di tridimensionalità degli oggetti. Gli oggetti cilindrici non sembrano voluminosi come dovrebbero.

Illuminazione a tasto singolo e illuminazione di sfondo Spostando la singola sorgente di luce ambientale in una posizione direttamente sopra la telecamera, le ombre possono essere efficacemente eliminate. La modellazione della forma spaziale e della profondità non è del tutto soddisfacente, ma l'intera immagine appare molto più pulita e chiara. Per migliorare l'illuminazione di uno sfondo che appare grigio non uniforme, è necessario utilizzare una seconda fonte di luce, posizionata dietro e leggermente sopra la natura morta per illuminare lo sfondo. Ciò provoca anche l'illuminazione dall'alto e da dietro dell'intero gruppo di oggetti.

Anteprima:

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Didascalie delle diapositive:

Scurire lo sfondo Se per scopi visivi è necessario uno sfondo scuro anziché chiaro, molti fotografi cercano di organizzarlo indirizzando la luce della fonte principale dietro i soggetti. Questa tecnica raramente fornisce l'illuminazione ideale. Un metodo più semplice ed efficace è creare uno sfondo nero speciale. Per fare ciò, un'ampia striscia di colore nero viene attaccata sopra uno sfondo esistente, ad esempio di carta arrotolata, dietro e qualche centimetro sopra i soggetti. Questa striscia proietta un'ombra profonda con bordi sfocati sullo sfondo, evidenziandolo bene.

Aggiunta di illuminazione laterale modellante Senza modificare lo schema di illuminazione generale dello schema precedente o creare nuove ombre visibili, allo schema di illuminazione è stata aggiunta una piccola fonte di luce diffusa, situata all'esterno dell'inquadratura a destra della natura morta, quasi ad un angolo di 90 °, ma leggermente in avanti. Ciò ha causato un indebolimento delle luci su un lato degli oggetti della natura morta con un certo oscuramento del lato opposto, enfatizzando così la profondità della trama.

Illuminazione di fondo diffusa La sorgente è posta dietro e sopra il soggetto, fuori dall'inquadratura, ed è ruotata in modo che il flusso luminoso sia diretto obliquamente dall'alto verso il basso. Il rotolo di carta che funge da sfondo è fissato direttamente al treppiede su cui è montato l'illuminatore. Questa configurazione a sorgente singola enfatizza la lucentezza, la struttura e la traslucenza del soggetto ed è ideale per fotografare cibo, pelletteria e altri oggetti riflettenti con una struttura superficiale pronunciata. Un riflettore situato sotto la fotocamera illumina le ombre.

Illuminazione di sfondo aggiuntiva Per girare questa scena, è stata utilizzata un'illuminazione di sfondo direzionale per creare ombre proiettate dagli oggetti verso la telecamera. Senza retroilluminazione la struttura dei piani dei tavoli in legno non sarebbe dettagliata e non si avrebbe alcuna impressione visiva del grado di lucidatura. L'illuminazione principale è diffusa ed è creata da due sorgenti con grandi ombrelli diffusi poste su entrambi i lati dell'apparecchio. L'illuminazione di fondo evidenzia anche lo sfondo del rotolo di carta.

Illuminazione d'accento Alcune nature morte beneficiano di un'illuminazione d'accento aggiuntiva che mette in risalto le superfici angolari riflettenti o strutturate. È possibile utilizzare un numero qualsiasi di queste luci d'accento, poiché il loro effetto si basa più sulla riflessione che sull'illuminazione e può essere regolato modificando la potenza di queste fonti. Su alcuni oggetti con tale illuminazione appare una frangia chiara.

Illuminazione dal basso Uno schema simile può essere utilizzato quando si fotografano oggetti in cui è importante illuminare la parte inferiore. A volte basta uno sfondo di carta bianca per riflettere abbastanza luce ed evidenziare le ombre. Per oggetti con forme più complesse, sporgenze frontali ripide o rientranze profonde, può essere utile l'illuminazione inferiore da un'unica sorgente posizionata sotto la telecamera. I riflettori in questo caso devono essere troppo grandi e non sempre possono essere posizionati nella posizione desiderata sotto la telecamera. Se viene utilizzata una piccola sorgente luminosa direzionale, la sua potenza dovrebbe essere bassa.

A seconda del contenuto della foto, viene selezionato lo sfondo. Dovrebbe essere uniforme, calmo, raramente sfumato dal chiaro allo scuro. Gli oggetti chiari a volte appaiono migliori su uno sfondo scuro e, al contrario, gli oggetti scuri su uno sfondo chiaro. Lo sfondo nella foto è solitamente leggermente sfocato. Sfondo

Nella maggior parte dei casi, la superficie su cui sono posizionati gli oggetti e lo sfondo sono separati da una linea orizzontale, che interferisce con la percezione olistica della foto, poiché divide l'immagine in due parti. Per evitare questa linea nell'immagine, dovresti scegliere un punto di ripresa alto oppure utilizzare un foglio di carta o un pezzo di tessuto abbastanza grande come sfondo.

In questo caso, la carta o il tessuto dovrebbero, piegandosi dolcemente, spostarsi dal piano orizzontale a quello verticale.

Porcellana Quando si fotografano prodotti in porcellana, è possibile utilizzare non solo uno sfondo bianco, ma anche uno nero. In questo caso, la base per la costruzione tonale dell'immagine sarà il contrasto tra i piatti chiari e uno sfondo scuro non specifico.

Per delineare chiaramente i contorni del servizio si può utilizzare la plafoniera posteriore (quasi arretrata), e illuminare frontalmente gli oggetti con fonti di luce diffusa.

I più difficili da riprodurre sono i prodotti in vetro, legno lucidato, metallo e altri materiali con superficie lucida. Per evitare abbagliamenti e riflessioni dell'ambiente circostante viene utilizzata una luce morbida e diffusa.

Monete, medaglie e altri oggetti piatti vengono rimossi per rivelare il rilievo utilizzando una luce “scorrevole” laterale, fortemente diretta.

Presentazione sul tema "L'arte della natura morta" nelle belle arti in formato powerpoint. Questa presentazione per gli scolari racconta cos'è la natura morta, come si è sviluppata l'arte della natura morta e i suoi rappresentanti. Autore della presentazione: insegnante di scuola elementare, Nadezhda Vasilievna Kavylina.

Frammenti della presentazione

Cos'è la natura morta?

Natura morta(Francese nature morte - "natura morta") - l'immagine di oggetti inanimati nelle belle arti, in contrasto con temi di ritratto, genere, storici e paesaggistici.
La natura morta prese finalmente forma come genere di pittura indipendente nelle opere di artisti olandesi e fiamminghi del XVII secolo. Gli oggetti nella pittura di natura morta di questo periodo spesso contengono un'allegoria nascosta - sia della transitorietà di tutte le cose terrene e dell'inevitabilità della morte (Vanitas), sia, in un senso più ampio, della Passione di Cristo e della Resurrezione. Questo significato viene trasmesso attraverso l'uso di oggetti - nella maggior parte dei casi familiari e incontrati nella vita di tutti i giorni - dotati di ulteriore significato simbolico.

Natura morta di fiori

A partire dagli anni '40 del XVII secolo, la natura morta nella pittura olandese si diffuse come genere indipendente. Una delle prime a distinguersi fu la natura morta floreale nelle opere di artisti come Ambrosius Bosschaert il Vecchio e Balthasar van der Ast, e continuò il suo sviluppo nelle lussuose nature morte di Jan Davids de Heem e dei suoi seguaci in epoca medievale. seconda metà del XVII secolo. Le ragioni della popolarità della natura morta floreale possono essere trovate nella vita quotidiana della società olandese - la tradizione di avere giardini, ville di campagna o piante da interno - così come nelle condizioni naturali favorevoli per lo sviluppo della floricoltura.

Natura morta dello scienziato

Il genere della natura morta “dotta”, che ha avuto origine presso l’Università di Leida, è chiamato “vanità delle vanità” o “memento mori” ed è il tipo più intellettuale di natura morta, richiedendo allo spettatore di conoscere la Bibbia e le tradizioni di simbolismo religioso (i dipinti di Peter Steenwijk e David Bayley sono tipici). Spesso nelle nature morte di questo stile sono presenti tecniche illusionistiche che creano un'abile illusione ottica. A sua volta, il fascino per la resa illusionistica della natura portò alla nascita di un tipo speciale di natura morta, il cosiddetto “trompe l’œil”. Tali nature morte erano particolarmente comuni a metà del XVII secolo e guadagnarono un'incredibile popolarità nel paese e all'estero.

Natura morta olandese del XVII secolo

La natura morta olandese fu un fenomeno culturale unico del XVII secolo, che influenzò l'ulteriore sviluppo di tutta la pittura europea. I “Piccoli Olandesi” riflettono nelle loro opere il mondo degli oggetti che vivono la loro vita tranquilla e congelata. Il termine “vita congelata” (tedesco stilleven, tedesco stilleben, inglese still-life) cominciò ad essere utilizzato per designare il genere a metà del XVII secolo, inizialmente nei Paesi Bassi. Prima di questo, gli artisti chiamavano dipinti simili, descrivendo la trama: "Piccola colazione", "Mazzo di fiori", "Trofeo di caccia", "Vanità delle vanità". La traduzione principale di questo termine trovata in letteratura è “vita tranquilla e immobile”.

La natura morta nella pittura russa del XVIII-XX secolo

La natura morta come genere di pittura indipendente apparve in Russia all'inizio del XVIII secolo. L'idea era inizialmente associata all'immagine dei doni della terra e del mare, il variegato mondo delle cose che circondano l'uomo. Fino alla fine del XIX secolo la natura morta, a differenza dei ritratti e dei dipinti storici, era considerata un genere “inferiore”. Esisteva principalmente come produzione educativa ed era accettato solo in un senso limitato come pittura di fiori e frutti.
L'inizio del XX secolo fu segnato dal periodo di massimo splendore della natura morta russa, che per la prima volta ottenne l'uguaglianza tra gli altri generi. Il desiderio degli artisti di espandere le possibilità del linguaggio visivo è stato accompagnato da ricerche attive nel campo del colore, della forma e della composizione. Tutto ciò si è manifestato particolarmente chiaramente nella natura morta. Arricchita di nuovi temi, immagini e tecniche artistiche, la natura morta russa si è sviluppata in modo insolitamente rapido: in un decennio e mezzo passa dall'impressionismo alla creazione di forme astratte.
Negli anni '30 e '40 del XX secolo, questo sviluppo si interruppe, ma dalla metà degli anni '50 la natura morta conobbe una nuova ascesa nella pittura sovietica e da quel momento in poi si colloca finalmente e saldamente alla pari con gli altri generi.

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A.Pereda. Natura morta con orologio. Olio. 1652. Museo statale di belle arti intitolato ad A. S. Pushkin. Il termine "natura morta" deriva dal francese nature morte - "natura morta". Denota l'immagine di oggetti inanimati combinati in un unico gruppo compositivo. Il mondo delle cose in una natura morta è sempre destinato a rivelare la loro originalità oggettiva, qualità uniche e bellezza. Allo stesso tempo, questo è sempre il mondo umano, che esprime la struttura dei pensieri e dei sentimenti, l'atteggiamento nei confronti della vita delle persone di una certa società.

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Pieter Klass (1597/98-1661) Colazione scolastica olandese. Olio. 1642. Museo statale di belle arti intitolato ad A. S. Pushkin.

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Willem Claes Heda. 1594 - tra il 1680 e il 1682. Scuola olandese. Prosciutto e argenteria. Legno, olio. 1649. Museo statale di belle arti intitolato ad A. S. Pushkin.

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La formazione delle sue diverse forme e tipologie avvenne durante il Rinascimento, anche se singoli motivi e dettagli si trovano nell'arte dell'Antico Oriente e dell'antichità: verdure, ghirlande o le cosiddette stanze disordinate nei mosaici, pitture murali, rilievi. I. I. Kozlovsky (1830 -?) Natura morta. Tela, olio. 1858. Museo d'arte regionale di Ul'janovsk.

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Autori antichi sul primo maestro pittore greco Periakos, vissuto in epoca ellenistica. È possibile che i suoi dipinti siano serviti da modello per gli affreschi di Pompei. Queste sono immagini luminose e ricche di fiori, frutti, nonché vasi rituali, strumenti di scrittura e monete. Jean François van Dahl (?) (1764-1840). Scuola francese. Frutta. Legno, olio.

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Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779). Scuola francese Natura morta con attributi artistici. Tela, olio. 1766. Museo statale dell'Ermitage.

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Abraham Mignon (1640-1679) (?). Natura morta con un cacatua. Tela, olio. Museo d'arte regionale di Ulyanovsk.

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Il tipo più comune di natura morta è la rappresentazione di oggetti domestici. Questo tipo di natura morta è strettamente correlata allo sviluppo del genere quotidiano, degli interni, del paesaggio e fiorì brillantemente nell'arte dell'Europa occidentale nel XVII secolo. Ogni scuola d'arte nazionale ha risolto questo problema a modo suo. Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779). Scuola francese Natura morta con una brocca e una pentola di rame. Olio. 1728-1732. Lugano, collezione Thyssen-Bornemisza.

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Willem Claes Heda (1594 circa-1680 circa) Scuola olandese. Colazione con torta di more. Legno, olio. 1631. Pinacoteca di Dresda.

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Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690). Natura morta con granchio. Legno, olio. 1655. Vecchia Pinacoteca. Monaco.

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Pieter Claes (1597/98-1661) Colazione scolastica olandese. Legno, olio. 1620. Museo statale dell'Ermitage. In netto contrasto con queste piccole tele sono i dipinti di artisti fiamminghi dello stesso periodo. Si tratta di enormi nature morte decorative raffiguranti frutti succosi e maturi, frutti, uccelli morti, teste di cinghiale e cervo, carcasse di carne divise, una varietà di pesci, dalle specie più comuni a quelle rare ed esotiche. Tutto ciò di cui è ricca la fertile terra delle Fiandre, di cui abbondano i suoi boschi e i suoi campi, che cade nelle reti dei pescatori fiamminghi, viene ammucchiato in montagna su tavoli e vetrine, pende e cade su pesanti banconi di quercia. Le cornici diventano anguste a causa dell’inesauribile abbondanza dei doni della natura. L'autore di questi enormi dipinti fu Frans Snyders, e le tele stesse costituiscono un tipo di natura morta originale e unica, chiamata “panchina”.

Diapositiva 15

Snyders con amore e abilità trasmette il colore, la forma e la trama degli oggetti, combinandoli in cicli lussuosi, decorativi e integrali di dipinti che in precedenza adornavano i palazzi della nobiltà europea. Introduce volentieri figure e mezze figure di persone e animali, e talvolta inserisce piccole scene di genere, ad esempio un cane che si lancia contro un gatto; una scimmia che ruba frutta, un negoziante e un cliente che parlano. Queste scene avevano un significato allegorico nascosto, ben compreso dai contemporanei, e molto spesso indicavano i vizi umani. Di solito nelle nature morte di Snyders le figure umane si perdono tra l'abbondanza dei doni terreni. Le sue opere sono vicine al genere quotidiano, ma spesso l'elemento della trama gioca in esse un ruolo secondario. L'obiettivo dell'artista è creare una festa colorata con i frutti della sua terra natale. Frans Snyders. (1579-1657) Scuola fiamminga. Natura morta con un cigno. Tela, olio. Intorno al 1615-1620. Museo statale di belle arti intitolato ad A. S. Pushkin.

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La dottrina artistica del classicismo classificava la natura morta come un “genere basso”, ma fu nel XVIII secolo che apparvero i magnifici dipinti di J. B. Chardin, che fecero rivivere il mondo della “natura morta”. Con lo sviluppo del sistema educativo accademico, appare la natura morta educativa o messa in scena, che è diventata uno degli elementi obbligatori dell'educazione. Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779). Scuola francese Natura morta (Attributi delle arti). Tela, olio.

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L'interesse per la natura morta è aumentato notevolmente nella seconda metà del secolo scorso. Gli impressionisti in Francia pongono l'accento sulla percezione pittorica del mondo delle cose, risolvono i problemi delle relazioni luce-colore e spesso interpretano la natura morta come una sorta di pannello decorativo. I postimpressionisti sviluppano complessi problemi di composizione e combinazione di colori di un dipinto e rivelano la realtà materiale del mondo. Pablo Picasso. 1881-1973 Ciotola verde e bottiglia nera Olio su tela. Museo statale dell'Ermitage.

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Dall'inizio del XX secolo la natura morta è diventata una sorta di laboratorio creativo per la pittura. I maestri del Fauvismo seguono il percorso di un'accresciuta identificazione delle possibilità emotive ed espressive-decorative del colore e della consistenza, mentre i rappresentanti del Cubismo affermano nuovi modi di trasmettere lo spazio e gli oggetti: costruiscono volumi. Su un piano, sezionano le forme in semplici corpi geometrici percepiti da un punto di vista, applicano toni aspri, quasi monocromatici, e poi introducono nei dipinti il collage: polvere, pezzi di giornali e altri materiali. F. Leger. Natura morta. Olio. 1927.

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L'inizio del XX secolo vide il periodo di massimo splendore della natura morta russa. K. Korovin e i maestri dell'associazione (Fante di quadri) creano opere importanti e riccamente colorate che glorificano la pura bellezza dell'esistenza. Le opere poetiche sono eseguite da I. Grabar, artisti (World of Art), raffinati maestri decorativi (Blue Rose) Y. Pimenov Long Road. Olio. 1959.

Diapositiva 20

Queste tradizioni furono continuate nell'arte sovietica degli anni '20 e '30. Opere colorate che ricreano la ricchezza e la diversità del mondo oggettivo sono state eseguite nel corso degli anni da P. Konchalovsky, A. Kuprin, I. Mashkov, A. Lentulov, M. Saryan, A. Osmerkin, A. Gerasimov. Allo stesso tempo, è continuata la ricerca di una sottile armonia coloristica, la poeticizzazione del mondo delle cose (V. Lebedev, N. Tyrsa), gli esperimenti nel campo del colore e della trama (D. Shterenberg, N. Altman). N. Eryshev Brocche. Olio. 1979.

Preparato la presentazione

insegnante di arte

Porozova Natalya Valerievna

MBOU "Scuola Secondaria Plekhanovskaya"

Ritratto di I.I. Shishkin

Ritratto Maria Lopukhina.

Un genere di belle arti dedicato alla rappresentazione di una persona

o gruppi di persone .

Ivan Shishkin - Scenario con chi cammina.

Artista Sergej Basov. Paesaggi .

Un'immagine di qualsiasi località, immagini della natura: fiumi, montagne, campi, foreste,

paesaggio rurale o urbano;

– (tradotto dal francese - natura morta) - immagine di inanimato

elementi.

Questa parola si riferisce a un genere complesso e vario di belle arti.

arte, artisticamente

riproducendo utensili domestici, strumenti musicali, fiori, frutta, verdura, selvaggina morta e altri oggetti inanimati.

Sistematizzare la conoscenza dei generi delle belle arti (natura morta)
Instillare nei bambini l'interesse per i capolavori delle belle arti
Continuiamo a lavorare sullo sviluppo della composizione, del colore, del trasferimento delle forme e degli stati emotivi

Obiettivo della lezione

Raffigurare

natura morta provocatoria

gioia, tenerezza

In effetti, esiste una tale varietà di colori e sfumature in natura! Dopotutto, ogni colore può essere più scuro, più chiaro, più luminoso e più opaco.

Come puoi descrivere il colore?

1. Colori primari (quelli semplici che non si possono ottenere mescolando altri colori): rosso, blu, giallo.

2. Composito (ottenuti da semplici miscele) colori: arancio, verde, viola.

I. Mashkov "Natura morta. Frutta su un piatto."

fisica - un minuto

Davanti a noi c'è un'ampia quercia, (Mani ai lati)

E sopra di noi c'è un'alta quercia. (Mani in alto)

All'improvviso ci sono pini e abeti rossi sopra di noi (inclina la testa)

Teste che fanno rumore (applausi)

Colpì un tuono, un pino cadde, (accovacciati)

Ho appena scosso i rami. (Alzarsi e scuotere la testa)

Risorse Internet