Konstruktivisme stil i design

Konstruktivisme er en bevegelse som først og fremst assosieres med arkitektur. En slik visjon kan imidlertid kalles ensidig eller til og med helt feil, for før det ble en arkitektonisk metode, fantes konstruktivisme innen design og trykking. I grafiske former for kreativitet var konstruktivismen preget av bruk av fotomontasje i stedet for håndtegnede illustrasjoner, ekstrem geometrisering og underordning av komposisjonen til rektangulære rytmer. Fargeskjemaet var også stabilt: svart, rødt, hvitt, grått med tillegg av blått og gult.

"Klassisk" stil i design

Grafisk design i klassisk stil er basert på strenge kanoner: klarhet, konsisthet, harmoni og logikk. Kun typologiske trekk ved bildet brukes. Klassikere er alltid tidløse og er like populære i dag som de var for flere tiår siden. Denne stilen brukes til visittkort, kalendere og annen kontorutskrift. Elementer klassisk stil: strenge rammer, "blanke", skinnende gradienter, diverse dekorative elementer. Angående fargeløsninger klassisk stil, da er disse som regel rike og lyse nyanser i kombinasjon med sølv eller gull.

viktoriansk stil i design

hovedfunksjon Viktoriansk stil - rik på detaljer. Her kom begrepet «frykt for tomhet» i bruk igjen, men i motsetning til den tradisjonelle tolkningen, for eksempel i barokkkunsten, ble det en refleksjon av en annen, eklektisk tenkning. Dette er merkbart i utformingen av boliginteriør og reklameplakater som er karakteristiske for denne perioden.

Avangard stil i design

Avantgarde er en generell betegnelse på bevegelser i europeisk kunst som oppsto på begynnelsen av 1800- og 1900-tallet, uttrykt i en polemisk og stridbar form. Avantgarde er preget av en eksperimentell tilnærming til kunstnerisk kreativitet som går utover klassisk estetikk, ved bruk av originale, innovative uttrykksmidler, samt vektlegging av symbolikken i kunstneriske bilder.

Amerikansk design fra midten av 1900-tallet

På 40-50-tallet ble begrepet " god design" I Italia ble det kalt "klokkedesign", i Tyskland - "god form", i Nord-Europa - " skandinavisk design"Menneskes hovedbehov i etterkrigsårene var å etablere et normalt, fredelig liv. Designet som imøtekommer denne sosiale etterspørselen måtte være av høy kvalitet, "rolig", økonomisk og behagelig for øyet. Samfunnet gjorde det ikke ønsker enhver utfordring, protest eller elitisme fra ting.

Empirestil i design

Mange forbinder empirestilen med St. Petersburg, siden hovedtemaet i stilen anses å være monarkisk og heroisk i orientering. Denne stilen er ofte fokusert på gamle bilder av Hellas, Roma og Egypt. Makt, storhet og monumentalitet kjennetegner empirestilen. Ulike militære motiver kan brukes som dekorasjon: rustninger, laurbærkranser, ørner og egyptiske ornamenter finnes ofte. I moderne reklame brukes denne stilen oftest av produsenter alkoholholdige produkterå understreke soliditeten og maskuliniteten til merket. Empirestil kan skape effekten av royalty og majestet.

Moderne stil i design

Moderne eller art nouveau er den fullstendige motsatte av klassisk og empire. Dens særtrekk er: avvisning av rette linjer og vinkler til fordel for mer naturlige, "naturlige" design, ikke-standard proporsjoner, asymmetri og blomstermønstre. Denne lettheten og romantikken kommer vanligvis til uttrykk ved bruk av pastellfarger. Modernismen benekter kanoniteten og klarheten til elementene i komposisjonen. Det brukes vanligvis for å tiltrekke et kvinnelig publikum.

Art Deco-stil i design

Art Deco (art deco) stammer fra avantgardekunst. Hovedtrekk: mønster, etnisk geometriske mønstre, luksus. Eksotismen til denne stilen kommer til uttrykk i bruken av elementer av kultur og tradisjoner fra forskjellige land og folk. Dette inkluderer det gamle Mesopotamia, Maya-folkene og den egyptiske kulturen fra faraoenes tid. Ofte refereres det til kulturen i antikkens Hellas, Roma, Kina og Japan, og, viktigere, Russland. Du kan finne gjentatte geometriske former: sirkler, firkanter, piler - dette er resultatet av påvirkningen fra Amerika på 20-tallet, da mekaniske og industrielle former ble inspirasjonskilder for designere. Et slående eksempel Art Deco-stil anses å være designet til en pakke Lucky Strike-sigaretter.

"Minimalisme" stil i design

Grunnlaget for denne stilen er enkelhet og konsisthet. Monokrome, enkle former, nøytrale farger - dette er prisen som er verdt å betale hvis du vil fokusere på hovedobjektet eller bildet. Gode ​​eksempler minimalisme finnes blant japanske designere. Eleganse og enkelhet. Noen ganger er det alt som skal til for å vekke interesse for et bilde.

Pop Art-stil i design

Popkunst (eller populærkunst) har som mål å skildre massebilder – fra forbruksvarer til kjendiser. De mest minneverdige bildene av denne stilen var bilder av Ernesto Che Guevara og Marilyn Monroe fra grunnleggeren av stilen, Andy Warhol. Hovedtrekk ved stilen: lyse, rike farger og skarpe kontraster. Denne stilen er rettet mot å tiltrekke seg et massepublikum, spesielt unge mennesker.

Typografistil i design

Typografi kan betraktes som grunnlaget for moderne grafisk design i reklame. Dens hovedoppgave er å informere. I typografi er ett element tekst. Ytterligere manipulasjoner av designeren kan gjøres med fonter, farge og plasseringen av selve teksten. Et klassisk eksempel på denne stilen er ulike etiketter og informasjonsbrosjyrer.

Grunge stil i design

På en gang dukket grunge-stilen opp som et alternativ til coiffed glamour og unaturlig falsk skjønnhet, idealisert til punktet av cloying. Definisjoner som skitten, bevisst ustelt og noen ganger til og med stygg kan brukes på grunge. Nå er grunge en kraftig, bærekraftig trend innen webdesign, som gir store muligheter for selvuttrykk.

Moderne grunge streber ikke etter å fullstendig bruke alle "klokkene og plystre" fra arsenalet sitt for å ligne en søppelfylling eller en haug med søppel. Noen få visuelle elementer er nok – og designet får en helt annen lyd. Den visuelle komponenten av grunge er heller forvandlet til en form for lett uaktsomhet eller slitasje fra lang og hyppig bruk.

Grunge er en av de mest kreative og morsomme stilene innen webdesign. Han gir rikelige muligheter for eksperimentering, lar deg prøve forskjellige grafiske elementer. Og det er ikke nødvendig å følge strenge skjemaer og regler.

Designere fra Yourinspirationweb så på 4 hovedkomponenter i grunge-stilen. Det er tilstedeværelsen av ett eller flere slike elementer som bestemmer tilhørigheten til denne stilen.

1. Grunge fargepalett
   I grunge-design blir levende og dynamiske farger vanligvis erstattet med mer dempede og matte farger. Typiske farger er beige, brun, svart og grå. Grunge unngår pastellfarger så vel som typiske Web 2.0-stilfarger.
2. Teksturer og mønstre
   Vi kan si at dette er et grunnleggende element for grunge-stilen. Ulike "ryddige" visuelle elementer brukes til bakgrunnen, for eksempel bilder av stålarmering, revne jeans, treoverflater, samt overflater med ulike lyder og slitasje. Det er et stort felt for eksperimentering her. Hovedsaken er at det er passende.
3. Realistiske detaljer
   Grunge, som den håndlagde stilen, har en svakhet for alle slags håndlagde ting. Dette kan være klistremerker, polaroid, papirrester, papirbiter, binders. Samt elementer som flekker, flekker, sprut og flekker på overflaten.
4. Grunge fonter
   Grunge-fonten kan ha riper, ruhet og bretter. Den kan ha taggete eller uregelmessige linjer og se ut som om den har blitt manipulert på en eller annen måte. Eller, alternativt, kan det være en håndskrevet font.

Nye trender innen grafisk design dukker opp ganske sjelden. Hvordan en trend erstatter en annen blir synlig bare med tiden, og selv da ikke alltid. Noen ideer og mønstre dukker opp i store digitale samfunn som Drebbble eller Behance, men få eksperter vil være i stand til nøyaktig å forutsi hvilken trend som vil ha størst innflytelse på kultur, mote og grafisk design generelt.

Trender innen grafisk design er aldri kortvarige og forsvinner aldri sporløst. De trenger gradvis inn i livene våre, og blir sakte populært. Og de forsvinner sakte i bakgrunnen, og blir mindre etterspurt. Alle de store trendene som vil være aktuelle i 2016 dukket ikke opp fra ingensteds. Disse trendene har vært dominerende for flere senere år, endrer seg litt, men forblir absolutt gjenkjennelig.

Mange grafiske designere følger med på hva som skjer i deres bransje og prøver å bruke nye tilnærminger i arbeidet. Dette gir mening – trendanalyse lar deg bli kvitt klisjeer og klisjeer. Hvilke trender vil ha størst betydning i 2016?

MODERNE RETRO

I motsetning til vanlig retro, fokuserer moderne retrostil på stilen fra 70- og 80-tallet. Dette er epoken med de første personlige datamaskinene, videospillene, aktiv romutforskning og den raske utviklingen av digitale teknologier. Som et eksempel kan vi nevne verkene til den filippinske designeren Ralph Czifra - nostalgi etter den nære fortiden er veldig tydelig synlig i hans arbeid. I serien "Retro Technologies" samlet han mange gjenkjennelige gjenstander og enheter som nesten ingen bruker i dag - disse er fotografisk film, lydkassetter, disketter, vinylspillere, personsøkere og mye mer.

Designerne av The Welcome Branding Groups studio henvendte seg også til retro stil, da de fikk i oppdrag å lage en serie plakater for vinylplatebutikken MusicLab. Som et resultat ser designet ut som om det ble opprettet på midten av 70-tallet av forrige århundre.

Men i utformingen av Write Sketch & merkevareproduktene er den grafiske stilen fra 80-tallet godt synlig.

Designer Elin McGuire, mens han jobbet med design av bokser for Coca-Cola, ble inspirert av det en gang så populære arkadespillet "Space Invaders", som dukket opp i 1978 og var utrolig populært. Resultatet er morsom pikselkunst som bringer tilbake minner fra de aller første dataspillene.

MATERIALDESIGN

Moderne grafisk design og digital teknologi henger så tett sammen at designere blir påvirket av trender som dominerer andre bransjer, som for eksempel webutvikling. Da Google introduserte sitt Material Design-konsept, var det knapt noen som forventet at det ville ha innvirkning på all design. Dette visuelle språket er preget av bevisste fargevalg, storstilt typografi og dristig bruk av hvitt mellomrom.

Material Design ligner på mange måter Flat 2.0-stilen, men det er en helt egen designretning. Den har mer realisme, dybde, volum og bevegelse. Og selv om Google har laget sitt visuelle språk for bruk i det digitale miljøet, kan dets prinsipper brukes mest forskjellige typer design.

LYSE FARGEPALETT

Trender som moderne retro og Material Design er relatert ved bruk av lyse og uvanlige fargekombinasjoner i design. Derfor vil designere aktivt bruke lyse farger i designene sine. Og til tross for at nettet nå domineres av trenden med å bruke dempede toner, er det motsatte i grafisk design – i mote er fargene lyse og mettede.

• PANTONE 13-1520 Rosenkvarts
• PANTONE 15-3919 Serenity
• PANTONE 12-0752 Smørblomst
• PANTONE 16-3905 Syringrå
• PANTONE 15-1040 Iskaffe
• PANTONE 16-1548 Peach Echo
• PANTONE 19-4049 Snorkelblå
• PANTONE 13-4810 Limpet Shell
• PANTONE 17-1564 Fiesta
• PANTONE 15-0146 Grønn Blink

Det er tydelig at det er en trend mot lyse farger som fersken, gul, fyldig blå og knallgrønn. Kombinasjon av knallgrønt og gule blomster brukt av In The Pool studiodesignere som jobbet med å lage en plakat for den internasjonale konferansen Paris Climat 2015, dedikert til problemet med global oppvarming.

Designer Tron Burgundy ble inspirert av grafiske bilder fra 80-tallet mens han jobbet med plakaten til Walk The Moon-showet. Lyse farger og geometriske former bringer tankene til en annen voksende trend innen grafisk design.

GEOMETRISKE FIGURER

Bruken av geometriske former er en merkbar trend, selv om forskjellen i tilnærminger er åpenbar. I dag bruker stadig flere designere såkalte polygoner, som brukes til å lage 3D-modeller og videospill. Inntil nylig ville denne grafiske teknikken vært uforståelig for betrakteren, men nå har alt endret seg og illustrasjoner der geometriske former brukes på en eller annen måte vil dukke opp oftere.

NEGATIV PLASS

Negativ eller negativ plass er en integrert del av enhver god design. Ved å bruke denne teknikken kan du legge til dybde eller dobbel mening til designet ditt. Den vanligste bruken av negativ plass er i logooppretting eller merkevarebygging, men det er ingenting i veien for å bli brukt i andre typer grafisk design.

Designer John Randal skapte en veldig interessant logo for restauranten The Swan & Mallard, som kombinerer en svane, en and og et og-tegn veldig bra, alt takket være den smarte bruken av negativ plass.

Et annet eksempel er konsertplakaten for arrangementet 123 Years The Best Of British Music. Betrakteren ser først fiolinen og først da skiller tallene 1, 2 og 3, som er i navnet på arrangementet.

EMOTIONELL TYPOGRAFI

Denne trenden viser at typografi kan brukes til å skape dramatisk effekt. Store bokstaver tiltrekker seg oppmerksomhet, og inntrykket kan forsterkes ved å bruke lyse fargekombinasjoner, teksturer og uvanlig arrangement av elementer.

UNIKE ILLUSTRASJONER

Designere går gradvis bort fra å bruke lagerillustrasjoner. Årsaken er for like bilder og mangel på individualitet. Ingen designer vil at arbeidet deres skal se ut som en klisjé, og det samme gjelder merker som sliter med å skille seg ut fra konkurrentene. Å bruke arkivbilder i et design reduserer originaliteten og risikerer også at noen elementer kan sees i andre designeres arbeid.

Så i 2016 vil trenden for tilpassede illustrasjoner være veldig merkbar. De vil bli brukt i en rekke prosjekter, fra trykkdesign til landingssider for nettsider.

I STEDET FOR KONKLUSJON

Selvfølgelig må du følge trender. Men å bruke nye designtilnærminger bare fordi de er på mote er ikke en god idé. Og hvis du virkelig vil prøve noe nytt, er det bedre å sørge for at denne eller den trenden passer godt inn i prosjektet og blir riktig forstått av publikum. Likevel er det bedre å forbli pragmatisk og bare bruke de elementene eller fargekombinasjonene som vil se passende ut i designet.

Grafisk fungerer

Teater

Bok, teater

Bokgrafikk og scenografisk design er de områdene av kreativitet hvor Kunst grensesnitt med andre typer kunst, hvor det kreves at kunstneren har en mangfoldig kultur. I bok- og teaterdesign oppstår det kunstneriske resultatet når den visuelle løsningen er korrelert med verkets litterære eller teatralske stoff.

Livet, som utspiller seg på scenen og inspirert av skjønnheten i sang, gester og kulisser, legemliggjør selve kunstverdenen som verdien av eksistensen alene var assosiert med. Teater er en spesiell verden hvor fiksjon og virkelighet er ett og det samme. Hovedattraksjonen til kunstnerverdenen ligger i dens skjønnhet. I sitt teatralske arbeid forsøkte de å gjøre scenen til et «skjønnhetsrike».

Alt som begrepet "teatralitet" inkluderer - opphøyelse og ikke-hverdagslig, magi og løsrivelse, sannhet og fiksjon - blir en karakteristisk egenskap, spesielt for grafiske verk.

Ved å vende seg til grafikk har verdensartister hevet kulturen på bare noen få år. Uansett hva artister gjør - en bok, et magasin, et teaterprogram, en konvolutt for visittkort, plakat - de så sitt formål som å dekorere publikasjonen. Ideen om skjønnhet dominerer i grafisk kreativitet. Utformingen av bøker og blader begynner med omslaget og bygger deretter på overskrifter og avslutninger, drop caps og overskriftsstreker.

Vignett- hoveddesignelementet. Motiver– blomster, bånd, girlandere, vaser. Miriskus-elever ble ofte kalt vignettermestere eller vignetter.

5.7.5 Utgivelse av magasinet “World of Art”

Det første kunstillustrerte magasinet. Etter å ha begynt å publisere magasinet, begynte kunstnerne å innse deres syn på livet på det, avslørte evnene deres og perfeksjonerte deres grafiske stil. All "World of Art"-grafikk deltok i søket etter det kunstneriske utseendet til magasinet; profesjonelle designprinsipper for design ble bygget. Kunstnere tenker på hvilket papir de skal trykke magasinet på, hvilken skrifttype, velger reproduksjonsteknikk, bestiller trykk fra forskjellige trykkerier og overvåker produksjonskvaliteten.

Magasinet ble redigert av S. Diaghilev. Filantropene S. Mamontov og M. Tenishcheva subsidierte det, men private subsidier opphørte etter et år og i ytterligere fire år eksisterte magasinet for offentlig regning; med begynnelsen av finanskrisen i landet, sluttet bladet å publisere med nummer nr. 12 for 1904.

Når de utvikler sin grafiske stil, går de ut fra todimensjonaliteten til det trykte arket og koordinerer grafikkens og skrifttypens natur.

Grafikk har fått sitt eget konvensjonelle språk; de utmerker seg ved fravær av illusjoner, stilisert tegning, spill av svart og hvitt, linjer og flekker.

"World of Art" forente den første generasjonen kunstnere som ikke begrenset sine profesjonell aktivitet problemer med nasjonal kunst, men korrelerte og målte deres kreativitet med alt som skjedde på den tiden i andre lands kunst.

Magasinet skulle reflektere alt nytt og betydningsfullt som dukket opp i kunsten, både innenlandsk og utenlandsk. "World of Art" introduserer leseren til Abramtsevo- og Talashkino-verkstedene, for kunsten til vestlig modernisme (verkene til Aubrey Beardsley er de første som ble publisert), russisk kunst promoteres også, magasiner publiseres dedikert til arbeidet til K.A. Somov, A.P. Ostroumova, V.A. Serov, M.A. Vrubel.

For de talentfulle individene som dannet dette kreative fellesskapet, var virkeligheten ikke omgivelsene, men et indre liv fullt av drømmer og skjønnhet. De vendte seg til svunne tider - det 18. "galante århundre", 30 år av 1800-tallet. Etter hvert begynner temaer og motiver hentet fra fortiden å dominere i maleriet og grafikken til World of Art-kunstnere. Retroperspektiv er deres kjennetegn. Verkene til World of Art-kunstnerne er lett gjenkjennelige på deres sofistikerte stilisering; de tok utgangspunkt i: tiden til Peter I og Ludvig XIV, russisk portrett av 1700-tallet og tysk gravering, bokgrafikk fra Pushkins tid, etc.

Kreativiteten til World of Art-studentene utvikler seg parallelt med den mest seriøse studien av russisk kultur på 1700- og begynnelsen av 1800-tallet. Benoit driver et systematisk arbeid med å samle informasjon om datidens kunstnere. Diaghilev utførte arbeid for å studere arbeidet til Levitsky, resultatet av dette var utstillingen "World of Art", dedikert til portrett i 1905, der mer enn 2000 verk av russiske og vesteuropeiske kunstnere og skulptører ble stilt ut.

60 utgaver av magasinet og 5 utstillinger er resultatet av den intense aktiviteten til World of Art, som plasserte den i sentrum av hele Russlands kunstneriske liv. I løpet av denne perioden ble det estetiske programmet til denne foreningen fullt ut uttrykt, den kreative individualiteten til alle deltakerne ble bestemt (som regel var disse allerede profesjonelle kunstnere, etablerte individer).

Den siste fasen i deres aktivitet var den triumferende utformingen av de "russiske årstidene" holdt i Paris, hvor de designet alle opera- og ballettproduksjoner.

Den kulturelle rollen som World of Art spilte viste seg å være mer betydningsfull enn bidraget fra den individuelle kreativiteten til medlemmene. Kollektive handlinger fra World of Art har alltid hevet tonen i hele kunstnerlivet. Den kunstneriske stilen de utviklet ble videreført og utviklet innen grafikk - i verkene til den såkalte "andre generasjonen" av "World of Art". Alle kunstnerne som tilhørte den viet seg til grafikk, og etablerte dens profesjonelle status.

For å forstå hva internasjonal stil er, er det nødvendig å definere stilbegrepet i grafisk design generelt. Den amerikanske grafisk designforskeren og teoretikeren Steven Heller kaller stil en designstil som forholder seg til tid og sted. Dette ordet brukes også til å definere stilen til en bestemt forfatter eller gruppe av forfattere. I en snevrere forstand kalles stil noen ganger et etablert sett med krav til utformingen av alle typer produkter eller dokumenter, for eksempel "lag det i stil med avisoverskrifter." En stil vokser ut av en annen, de forgrener seg, eksisterer parallelt med hverandre, dør og dør igjen.

Den internasjonale stilen ble drevet av behovene til store selskaper for identifiseringssystemer.

Begrepet "stil" i grafisk design er nært knyttet til begrepet "grafisk språk", og identifiseres ofte med det. Grafisk språk er et visst sett med visuelle teknikker som er karakteristiske for en gitt stil. Det kan inkludere prinsippene for komposisjon (statisk eller dynamisk, ordnet eller kaotisk), naturen til koloristiske og tonale relasjoner, plastiske teknikker (bruk av matriser, linjaler, etc.), og arsenalet av fonter som brukes.

I den grafiske utformingen av jugendstilen, sammen med den dynamiske, ble det brukt en statisk, noen ganger til og med symmetrisk komposisjon, som hadde en tendens til å jevnt fylle arkets plan; felt og rammer ble nesten alltid brukt, og delte arket inn i soner. Farger stilen er rik og nyansert, pastellfarger sameksisterer med åpne, ornamenter som er karakteristiske for den kunstneriske stilen som helhet ble ofte brukt, hovedsakelig tegnede visningsfonter ble brukt. Alt det ovennevnte utgjør det grafiske språket i jugendstilen. For den "modernistiske" grafikken til Bauhaus er det helt annerledes, til tross for det relativt korte tidsintervallet mellom dem. Komposisjonene får et sentrum og periferi, i noen tilfeller dynamisk, med en uttalt diagonal. Fargeskalaene til Bauhaus-designere blir dårligere og mer minimalistiske, ornamentikken forsvinner, rette og sirkulære linjer dominerer, snodige vridende jugendstiler viker for strenge geometriske. Grafisk språk, i motsetning til stil, er ikke assosiert med tid, sted og situasjon, noe som ikke tillater disse konseptene å bli fullstendig identifisert.

Sammensetningen av modernismen

Gamle stiler og gamle arbeidsmetoder kunne ikke tjene produksjon som var kommet så langt. Enkeltgjenstander skapt av brukskunstnere bar preg av høy estetisk smak, men produktene som kom ut fra fabrikkene hadde ingenting med estetikk å gjøre.

I sin bok "Graphic Styles. Fra viktoriansk til postmodernisme» kaller Stephen Heller Art Nouveau, eller «Art Nouveau» som det vanligvis kalles i engelskspråklig litteratur, den første internasjonale stilen. Dette er virkelig den første retningen som hevder å skape hele fagmiljøet, og er ikke assosiert med historiske prototyper.

Fortjenesten til arkitektene og designere av jugendstil er at de skapte et nytt plastisk språk nesten fra bunnen av, de beviste at det er mulig å lage en estetisk perfekt ting som ikke er basert på de klassiske elementene oppfunnet av grekerne ved sivilisasjonens begynnelse, som for eksempel den arkitektoniske orden. De prøvde å skape et nytt estetisk miljø, og utformet alle elementer i hverdagen i en enkelt stilistisk nøkkel. Driftsprinsippene forblir imidlertid de samme. Kunstnere fokuserte på å gjøre en ting så vakker og elegant som mulig, og glemte å gjenskape den.

Hovedkomponenten i det grafiske språket i jugendstilen var forfatterens illustrasjon, som inkluderte komplekse ornamenter og individuelle håndtegnede fonter. Dette innebar mye tid brukt på å lage den originale layouten, og som regel store materialkostnader for produksjon (fargetrykk var en luksus på den tiden). Moderne viste seg å være for dyrt, og dens utbredte, men kortvarige popularitet i Europa klarte aldri å krysse havet.

Ny kunstneriske bevegelser begynnelsen av det tjuende århundre, som kubisme, futurisme og suprematisme, fødte et så globalt fenomen innen brukskunst som modernismen. Hel eller delvis avvisning av prinsippet om figurativitet til gamle kunststiler, jakten på nye visuelle teknikker, revolusjonær orientering og radikalisme er de mest karakteristiske trekk disse strømmene. Kazimir Malevich, hans eksperimenter i Suprematisme var faktisk rettet mot å skape et plastisk språk for fremtiden, fritt for enhver dekorasjon, bestående av enkle former, og hvor hovedfaktoren er sammensetning, plan eller volumetrisk-romlig. I likhet med suprematisme har grafisk design alltid lånt bilder og tilnærminger fra andre områder av kunstnerisk og populærkultur. Visuelle sitater, referanser av alle slag, mimikk av stiler - dette er et viktig trekk ved veien til grafisk design, dens metamorfose på 1900-tallet. Resultatet av dette var postmodernismen, som den moderne kulturens siste akkord.

"Det nyes feil ligger i fortiden" Fredric Jameson, litteraturkritiker.

Postmodernisme på slutten av 1900-tallet. Tidlige tegn«postmodernismen» begynte å dukke opp på midten av 1970-tallet. I grafisk design var dette spesielt tydelig i utformingen av omslag til musikkprodukter - plater, kassetter, CDer. Høy grad mobilitet, rettet mot aktive forbrukergrupper - alt dette ble et bredt felt for eksperimentering, selv om trenden på ingen måte var begrenset til dette området. Den engelske kritikeren Rick Poynor nevner eksemplet med albumomslaget til den tyske elektroniske musikkgruppen Kraftwerk. I 1978 inneholdt albumet sterke synthmelodier og pulserende robotrytmer som ville ha en varig innflytelse på utviklingen av dansemelodier på 1980-tallet og var en sterk avvik fra tidens musikk. Platen ble kalt "Die AlenschMaschine" (Man-Machine).

Albumomslagets design minnet om typografien til sovjetisk konstruktivisme på 1920-tallet. Den historiske referansen ble forsterket ved å bruke rødt, svart og hvitt som hovedfarger. Den samme komposisjonen med en dikterende diagonal og typografisk skriftstil ble brukt på baksiden av konvolutten, mot en bakgrunn av forskjellige geometriske former. Designet til Karl Klefisch var inspirert av verkene til den avantgardistiske "designeren" L. Lissitzky og var faktisk et sitat fra ham (lest som et lån, men på ingen måte en parodi). Designeren og musikerne ønsket å understreke at musikken skulle forstås som «avantgarde».

Etter 70 eller 80 år med klassisk modernisme ble resultatet en utarming av intellektuelle ressurser. "I en verden der stilistisk innovasjon ikke lenger er mulig, gjenstår det bare å imitere døde stiler, å snakke gjennom masker og med stemmene til stiler i et imaginært museum."

Bruken av "retrostiler" ble det definerende grafiske utseendet på slutten av 1900-tallet. Et eksempel er arbeidet til Paulie Sher. Hennes gode kunnskap og forståelse av de historiske formene for futurisme, konstruktivisme, Dada, nederlandske De Stijl, tyske Bauhaus, Art Deco og Art Nouveau, hennes eklektiske evne til å gjenoppfinne det og bruke det til fordel for kundene hennes har gjort henne til en innflytelsesrik figur i design.

Paula Cher og Terry Koppel. Brosjyre "Great Beginnings", dobbeltsidet, 1984

I vårt land ble valget av en enklere måte å kopiere stiler og låneideer i stor grad bestemt av mangelen på kontinuitet i grafisk design. Dette kan ikke sies å være en konsekvens av det lave designnivået generelt. Mange kjente designere og kunstnere likte å fordype seg i stilene fra svunne tider.

viktoriansk stil

Viktoriansk stil (viktorian): britisk, amerikansk, fransk, kunst og håndverk: britisk, amerikansk. Art Nouveau: Fransk/belgisk, jugendstil, Glasgow-stil, Vienna Secession, amerikansk, italiensk. Tidlig moderne: plakatstil, wiener werkstatte. Ekspresjonisme: tysk. Moderne (moderne): futurisme, vorticizm (suprematisme?), konstruktivisme, De Stijl, Bauhaus, "New Typography". Art Deco: fransk, tysk, sveitsisk, østeuropeisk, italiensk, engelsk, amerikansk, strømlinjeform, dansk. Dada "Heroisk realisme" Senmoderne: sveitsisk, engelsk, amerikansk, sveitsisk internasjonal stil, bedriftsstil, vekkelse, eklektisisme, polsk, psykedelisk, japansk. Postmoderne: Memphis/Basel/Zürich, amerikansk «new wave», amerikansk punk, amerikansk postmodernisme, europeisk «new wave».

Kitsch

En av de lyseste trendene de siste årene, på grensen til eksotisk. Kitschs natur og dens opprinnelse er assosiert med repetisjon og nytenkning av allerede etablerte klassiske mønstre. Men i gjentakelsesprosessen oppstår en viss overkill: et annet materiale, skala, miljø osv. Grensen mellom klassikere og kitsch er nesten helt usynlig, siden den nåværende kitschen er «av høyeste og beste merke». De dyreste materialene og anerkjente produsenter som ikke skjuler prestasjonene til teknisk fremgang, og også demonstrerer dem. En retur til naturen og vekt på miljøvennlighet. En blanding av ekte retro og fantasier om det.

Fargespekter: Blant det prangende spekteret fra rosa til giftig grønt og lilla, er den aggressive rødfargen i spissen. Også gull, hvitt og svart.

Eklektisisme

Visste du at vi lever i en tid med eklektisisme? Eklektisisme er rett og slett en blanding. Dette er navnet gitt til epoken med ikke-venstreorientert utvikling av arkitektur og design. Eklektisisme oppstår når den neste dominerende stilen allerede har "utviklet seg selv", og en ny ennå ikke er opprettet; dette er en overgang, en nytenkning. Samtidig henvender arkitekter og designere av nåtiden seg veldig ofte til hele den tidligere arkitektoniske arven og historiske stilene, sorterer på nytt gjennom ulike stildannende elementer fra en bestemt tid og nyter den akkumulerte erfaringen. Kombinasjonen av heterogene kunstneriske elementer er merkbar allerede i det sene romerske interiøret. Ved å fullstendig kopiere gamle stiler (interesse for autentisitet), lar eklektisisme elementer av flere stiler formelt sameksistere i ett interiør. Moderne stil kan være en "blanding av det ublandbare", fra et subtilt hint til det groteske. Stilen til et bestemt interiør kan bestemmes ganske intuitivt; det passer ofte ikke inn i noen spesifikt definerte klassiske definisjoner. Dannet i løpet av samarbeid designer og kunde, kan han ta en eller annen stilistisk retning. Eklektisisme blir en uavhengig stil med sine egne trekk som er unike for den.

Høyteknologisk

Nye muligheter for materialer og design, rask utvikling ulike bransjer vitenskapen har født en ny stil - lys, ulik noen tidligere stil og til å begynne med litt sjokkerende.. Ultramoderne høyteknologisk stil, fremmer estetikk nyeste teknologier. Den fullstendige mangelen på dekor kompenseres av materialets "arbeid". Techno er en av variantene av hi-tech. De grunnleggende prinsippene for høyteknologisk stil: fremhevet grafikk og lakoniske linjer, en overflod av klare og distinkte geometriske former, et minimum av detaljer, en overflod av glass, metall og plast, lyse åpne farger. High-tech skiller seg fra tidligere stadier ved demonstrativ super-technicalism.Alt er praktisk og funksjonelt.

Favoritt farger: metallisk, sølv, hvit, svart; materialer: metall, glass. Høyteknologi er ideell for fans av minimalisme.

Farge: metallisk, sølv, hvit, svart. Høyteknologi er fortsatt en av de nåværende stilene. Denne stilen, som tok form i siste tredjedel av det 20. århundre. Praktisk talt fullstendig fravær Innredningen her kompenseres av lysspillet på glasset, glansen fra krom- og metalloverflater, og mønsteret av naturlig tre. Til dette kan legges eksponert murstein og en rekke moderne syntetiske materialer. High-tech er en stil som fremmer materialets estetikk, dynamikk og trykk; det er en stil for folk som er unge til sinns.

Funksjonalisme

Etter slutten av første verdenskrig tok det litt tid før økonomien stabiliserte seg og store byggeprosjekter fant sted. Under forhold med tvungen "inaktivitet" retter ledende spesialister sin kreative energi mot eksperimentelt og teoretisk arbeid; de utvikler prosjekter og modeller som inneholder de grunnleggende prinsippene for den kommende periodens arkitektur.

En overvekt på tingenes utilitaristiske natur og funksjon var karakteristisk for noen modeller laget på 1930-tallet på Bauhaus (et eksperimentelt skoleverksted) for massefabrikkproduksjon.

Fargespekter ekstremt mangfoldig og involverer utsøkte fargekombinasjoner. Minimalisme. Enkelhet, enkelhet, fravær av mønstre, tegninger, tilbehør. Dette er søken etter absolutt form, jakten på perfeksjon, konsisthet og tilbakeholdenhet.

Den videre dannelsen av stilen er assosiert med aktivitetene til Bauhaus eksperimentelle skoleverksted. Plassering av et lite antall gjenstander. På 50-tallet av 1900-tallet var minimalisme veldig populær som en rasjonell stil. Begrenset grafisk rekkevidde Minimalisme er en moderne tolkning av den eldgamle orientalske stilen. Det er preget av: ekstrem lakonisme av former, fullstendig fravær av dekor, ornamenter, klarhet i komposisjonen, monokrom, understreker naturligheten til teksturer, arbeid med store plan, grafisk natur. I den minimalistiske stilen brukes aldri tegninger og mønstre; Preferanse er gitt til svart, hvit, krem ​​og grå farger.

Art Deco

I dag er Art Deco (franske art deco-bokstaver, "dekorativ kunst") internasjonalt anerkjent som synonymt med spektakulæritet. Den oppsto som en stil i 1908–1912 og nådde sitt høydepunkt mellom 1925 og 1935. Selve begrepet kommer fra navnet på den internasjonale utstillingen for dekorativ kunst og kunsthåndverk fra 1925, Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modemes, men som et begrep som betegner en kunstnerisk stil, oppsto det i 1966, etter gjenopplivingen av utstillingen i Paris. Før det ble det kalt "jazz moderne", "sikksakk moderne", "strømlinjeformet moderne".

Art Deco var veldig populær og utbredt i sin tid, og er fortsatt i dag effektive midler gjenskape eleganse og luksus. Art Deco skylder sin fremvekst påvirkningen fra så forskjellige kilder som jugendstil, kubisme og Bauhaus på den ene siden, eldgammel kunst Egypt, Øst, Afrika, Amerika på den andre. Art Deco kombinerte nyklassisisme og strømlinjeformethet, grasiøsitet og lekenhet, monumentalitet og eleganse på samme tid. Representanter for denne stilen ignorerte masseindustriell produksjon av varer; de sto for eksklusiv produksjon gjenstander. Verdifulle og dyre materialer ble brukt i produksjonen av produkter - slangeskinn, elfenben, bronse, krystaller, eksotisk tre. Favorittformer var geometriske mønstre av sekskanter, åttekanter, ovaler og sirkler, trekanter og romber. I tillegg ble planteformer av den nylig utbredte modernismen, ulike sitater fra klassisismen, samt lån fra egyptiske, afrikanske og andre eksotiske kulturer mye brukt.

Således, i Art Deco, kan mange retninger skilles: elegant-klassisk, ekspressivt-eksotisk, så vel som ulike modernistiske alternativer. Art Deco begynte med en henrykkelse av luksus og ornament, men senere endret denne stilen retning mot konseptet funksjonell design, pioner av Bauhaus, og det skjedde da tyske designere ankom Amerika for å unnslippe forfølgelse i Nazi-Tyskland og brakte ideene sine til den amerikanske Art Deco-skolen. På 1930 - 1940-tallet ble USA feid av moten for "moderne" Art Deco-stil. "Art Deco. Style of artistic fantasy”, Suzanne A. Sterno Den siste elegante stilen i europeiske hovedsteder.

En blanding av Empire-elementer, arkaisk egyptisk kunst, amerikansk indisk eksotisme og afrikansk primitiv kunst, bil- og luftfartsdesign. Art Deco-perioden er et pusterom i Europa mellom to kriger, en epoke preget på den ene siden av ønsket om å glemme alt om krigens redsler og ønsket om å estetisere verden, på den annen side er det en «fest før og etter pesten», der man føler tørst og livsglede, sammen med en forståelse av dens skjørhet og forgjengelighet. Art Deco-stilen gjenvinner stor popularitet. Som en trend dukket den opp på midten av 20-tallet. XX århundre og kombinerte retrostiler fra alle tidsepoker og land. I dag tiltrekker Art Deco med sin kombinasjon av kunst og teknologi, med en åpen appell til luksus. Former og linjer I motsetning til blomstertemaene i jugendstil, foretrakk Art Deco geometriske former og mønstre, rette linjer, abstrakte komposisjoner og mønstre med orientalske og afrikanske motiver. Et av de vanligste mønstrene på 1930-tallet var den egyptiske halvsirkelen, som symboliserer den stigende solen. Skildringen av nakne kvinnelige figurer med utviklede muskler og i uttrykksfulle "ødelagte" positurer er veldig karakteristisk.

Fargespekter. Et snodig fargespill: elfenben, rike brune toner, alle nyanser av gull.

Moderne

Art Nouveau - stilen fra slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet, introduserte fundamentalt nye dekorative elementer i interiørdesign, og ga dem preferanse fremfor konstruktive.

I Russland og England ble den moderne stilen kalt moderne, i Belgia og Frankrike - art nouveau ("ny kunst"), i Tyskland - jugent-stil ("ung stil"), i Østerrike - løsrivelse ("separasjon, avgang"). Avvisning av gamle stilformer, søk og bruk av nye materialer: jern, glass, armert betong.

Slagordet er "tilbake til naturen". Et komplekst system lineær ornament: grunnlaget for motivene er svært stiliserte blomster og planter, svaner. Symbolet på stil er den sofistikerte formen til cyclamen-blomsten.

Fargespekter: dempede toner, farger uten nyanser.

Ny bølge"

Det første tiåret av det nye århundret virket noe tapt etter de vanvittige svingningene de siste årene og frøs i påvente av en ny bølge. Sannelig sier de at alt nytt er godt glemt gammelt. Men hvor lang tid vil det egentlig ta oss å huske denne gamle tingen? Den enorme etterslepet på nittitallet løste seg bokstavelig talt i mangel på fisk og ynkelig vakling på begynnelsen av det 21. århundre. Legenden er fersk, men vanskelig å tro. Denne stagnasjonen har gitt seg utslag i bokstavelig talt alt de siste seks årene. Det er verdt å se for eksempel på utvalget av TV og media. Patetiske forsøk på å spille på interessene til skandaler og livene til "celestiale" kjendiser, som visstnok tjener som forbilder, forårsaker ofte ikke annet enn kulturell kvalme. Et komplett sett uten informativt søppel tilbys oss under dekke av en sandwich med kaviar. Hva skal jeg si om mote. Hvor kan man spørre seg, er det blitt av de tidligere alternativistene? Halleluja, de begynte endelig å sende små nyheter fra deres uautoriserte eksil. Seks år senere begynte sjeldne kreative hoder endelig å dukke opp i horisonten. Verdens motedesignere hvisker om ankomsten av en ny bølge. Det er allerede prognoser om gjenoppliving av lyse blomster den kommende våren. Ekkoet av nittitallets disco-trender har endelig gjort seg gjeldende. Det ser ut til at ekko av den gode gamle ravekulturen legger til lyden. Designere i Londons East End forkynner åpent ankomsten av en ny generasjon som ønsker mer enn bare morsomme og pene ting. Designere mener at dette er en reaksjon på industrien av samme type mote, som fremmer falsk involvering i en pretensiøs livsstil. Svaret er en tilbakevending til å fremheve individets individualitet og ønsket om dristige eksperimenter i ens bilde. På nymotens nattklubber i London, som Anti Social og BoomBox, kan du allerede finne lyse unge mennesker som føder bildet av den nye bølgen. Lyse gylne toner, neon T-skjorter, grove jeans, omlakkerte sko - alt dette er det nye antrekket til moderne utfordrere. Eksperimentell sminke, miniskjørt, frisyrer i punkstil - et nytt utseende for moderne motefolk. Noen har allerede hastet med å gi et navn til den fremvoksende bevegelsen - "nu rave". Uansett hvordan det heter, vil jeg gjerne håpe at dette er en ny drivkraft for å komme ut av den komatøse tilstanden tilfeldig og genereringen av forskjellige helt forskjellige kreative retninger som kan berike kulturen i det nye århundret.

10.2 Mote og stil: forskjeller og relasjoner

Moten passerer, men stilen forblir...

Mote(Fransk modus, fra latin modus - mål, bilde, metode, regel, resept) - åpenbaringen av skjønnhet i tid. Gamle filosofer, som startet med Platon, mente at skjønnhet ikke kan uttrykkes tilstrekkelig en gang for alle. Derfor kan skjønnhet bare uttrykkes på en selvmotsigende måte. Og motsetninger, ifølge Kant, kan bare eksistere side om side. Over tid krystalliserer mote seg til en stil, som ofte er i motsetning til mote, selv om det finnes mote for stil.

Mote i det menneskelige samfunn- også et middel for å skape sosiale grenser, og for å skape en sum av sosiale egenskaper "venn eller fiende".

"Fasjonable" tiltrekker seg offentlig oppmerksomhet, og derfor spiller det ofte ingen rolle om det er positivt eller negativt for personer med lav sosial status, eller for "sosialt utsatte". I denne betydningen av ordet, under visse forhold, kan til og med nyfascisme, satanisme eller homoseksualitet bli mote.

I motens endring og variasjon oppstår løftet om et endelig ideal om "skjønnhet" (som ikke eksisterer) igjen og igjen. Hver gang en person lett tror på dette løftet, og hver gang han blir tvunget til å underkaste seg diktatene ny mote. Menneskekroppen er det grunnleggende emnet for motestyling.

Kategori "skjønnhet" er assosiert med den visuelle oppfatningen av en forbruksvare og brukes til å uttrykke sosial verdi i sensoriske tegn på form. For å betegne en superlativ grad av skjønnhet (veldig vakkert produkt) begrepet "vakker" brukes. Det særegne ved den estetiske vurderingen av et bestemt produkt er at skjønnhetsbegrepet ikke bare refererer til utseendets attraktivitet (dets geometriske form, farge, mønster), det er forbundet med evnen til å tilfredsstille folks behov. Med andre ord, skjønnheten til et produkt som en potensiell forbruksvare er nært knyttet til nytten. Siden formen til et produkt er en nødvendig del av dets innhold, og derfor dets nytte, liker forbrukeren (eller omvendt ikke liker) både selve produktet og dets form.

Kategori "hyggelig" begrepet "skjønnhet" er tvetydig. Når du spiser vakre og komfortable produkter, opplever en person en behagelig følelse. Imidlertid kan visse forbrukeregenskaper knyttet til begrepet behagelig kun betinget klassifiseres som estetiske. For eksempel egenskapen til touché i stoffer. Touché er den sensoriske oppfatningen av stoff som et resultat av berøringen. Det kan være behagelig eller ubehagelig avhengig av mykhet, tetthet, hårighet, elastisitet, tørrhet, stivhet og andre indikatorer på stoffet. Egenskapen til en berøring kan ikke defineres som vakker og stygg, det vil si fra et allment akseptert synspunkt er det ikke en estetisk egenskap. Samtidig er berøring en sensuell egenskap og kan derfor være en indikator på estetisk verdi.

Utvalget av estetiske egenskaper til materialer og ferdige produkter er tvetydig. Estetisk verdi De fleste materialer (papir, film, lær osv.) kan vurderes etter enkeltegenskaper - form, farge, tekstur og mønster. De estetiske egenskapene til ferdige produkter er komplekse og inkluderer fire undergrupper av egenskaper: informasjonsuttrykk, formrasjonalitet, integritet av sammensetning og perfeksjon av produksjonsutførelse.

Informasjonsuttrykk– et produkts evne til å gjenspeile, ved hjelp av kunstnerisk design, forskjellen mellom produktet og dets analoger og dets samsvar med de estetiske ideene og kravene etablert i samfunnet. De eneste egenskapene som bestemmer informasjonens uttrykksevne er originalitet, samsvar med stil og mote, og ikonisitet.

Originalitet– en refleksjon av nyheten til produktet, dets forskjell fra andre produkter av det samme funksjonelt formål. Stil

samsvar viser hvor godt produktet oppfyller kravene til moderne stil i utseende. Stil forstås som et stabilt (over lang tid) system av kunstneriske prinsipper, teknikker og midler for å uttrykke innholdet i ting. Det er stiler av epoke, nasjonal, industri, firma (forening), og spesifikke funksjonelle kompleks av forbruksvarer.

Utseendet til klær, møbler og andre gjenstander i miljøet, samt bygninger og strukturer, i hver stil av epoken gjenspeiler nivået av sosial og kulturell utvikling. Stilen til tidligere epoker er et slags avtrykk av en unik livsstil. Derfor fører forsøk på å gjenopplive utseendet til antikke gjenstander under moderne forhold, det vil si for lengst borte stiler ("retro" design), vanligvis til formalisme og stilisering.

Moderne stil preget av relativ enkelhet og fullstendighet av skjemaer (hovedsakelig rektangulært tverrsnitt for stasjonære produkter og en strømlinjeformet overflate for bevegelige objekter), klarhet og konsistens i strukturen, mangel på pretensiøsitet og komplekse dekorasjoner. Den nasjonale stilen gjenspeiler de tradisjonelle egenskapene til former og dekorasjoner som er karakteristiske for nasjoner og nasjonaliteter (for eksempel tradisjonell broderi av klær i Ukraina, den unike formen og dekorasjonen til hodeplagg i Sentral Asia etc).

Stilen til bransjen og selskapet gjenspeiler kjennetegn kunstnerisk design, som et resultat av at det skapes et originalt, unikt produktdesign som selger en spesiell "personlighet" til et selskap (bedrift) eller industri.

Mote i motsetning til stil representerer et midlertidig fellesskap av teknikker og midler for å uttrykke innholdet i ting. Med andre ord er mote den rådende smaken til mennesker (samfunnet) på et gitt tidspunkt. Forbruksvarer er mest utsatt for påvirkning fra mote, spesielt klær, sko og toalettsaker. Å endre mote er et naturlig ønske fra folk om å oppdatere fagmiljøet, for å forbedre produkter som har relativt kort levetid.

Formens rasjonalitet– en gruppeegenskap, hvis indikatorer kjennetegner hvor godt formen på produktet samsvarer med dets formål, design, materiale, om det er hensiktsmessig, og om formen antyder håndteringen av produktet. Vakker form skal ikke være et vedlegg til produktets design, det må samsvare med det. Et upraktisk å bruke, teknisk utdatert, funksjonelt ufullkomment produkt vil ikke være vakkert hvis det får en formelt perfekt form.

Integriteten til komposisjonen– karakteriserer graden av konsistens av alle deler og helheten i et produkt, forent av ett enkelt konsept og design. Selve ordet "sammensetning" betyr sammenkobling essensielle elementer arbeid (produkter), avslører innholdet. Produkt

kan ha optimal vekt, størrelse, design, farge, mønster, men disse komponentene representerer ennå ikke en integrert komposisjon hvis de ikke er kombinert og designet til en enkelt helhet, tatt i betraktning deres funksjonelle, design og estetiske integritet. Når de vurderer integriteten til sammensetningen, tar de hensyn til graden av organisering av den volumetrisk-romlige strukturen til produktet, det vil si om det er en underordning av deler og helheten som er sekundært til hovedsaken (for eksempel stroppen og lommeklaff på en jakke må samsvare med modellens generelle design). Sammensetningens integritet sørger også for harmoni av form - proporsjonaliteten og sammenkoblingen av delene, deres proporsjonalitet (forholdet mellom delene mellom seg selv og helheten) og skala - forholdet mellom størrelsene til delene av produktet og størrelsen på selve produktet i forhold til en person og andre produkter i det objektive miljøet. Alle forbruksvarer skal ha dimensjoner som tilsvarer størrelsen på menneskekroppen eller andre gjenstander i driftsmiljøet. For hvert produkt må riktig skala finnes, siden et brudd på skalaen fører til tap av integritet av sammensetningen og ensemblet til objektmiljøet, noe som gjør det vanskelig å bruke slike produkter (for eksempel en stol med setehøyde som er høyere enn vanlig).

Integriteten til komposisjonen betyr også orden i de grafiske og visuelle elementene i produktet, farge harmoni, en kombinasjon av tekstur og mønster (ornament) med den generelle utformingen av komposisjonen. Det bør huskes at ved hjelp av farge, tekstur og mønster er det mulig å oppnå ikke bare total komposisjonsintegritet, men også muligheten for visuelle illusjoner brukt av designere for å justere formen (tilsynelatende forstørrelse eller fjerning av et objekt , endring i proporsjoner, etc.). Dermed virker en vertikal form lengre enn en horisontal, en artikulert form virker mer uartikulert, blå og andre kalde farger fjerner og gjør objekter mindre, varme og mørke farger, tvert imot, bringer dem nærmere og derfor forstørre dem, forsterke inntrykket av gjenstandens tyngde og styrke.

§ 11. Bedriftsidentitet. Merke

11.1 Visuell kommunikasjon og begrepet bedriftsidentitet

11.1.1 Logo

Den visuelle komponenten i bomiljøet er et av de prioriterte objektene for designkreativitet. Denne situasjonen skyldes det faktum at mer enn 80% av all informasjon (informasjon, kunnskap) i livsprosessen en person mottar takket være den visuelle analysatoren (øynene i kombinasjon med de tilsvarende delene av hjernen).

Med den intensive utviklingen av innenlandsk kunstnerisk design på 60-tallet, begynte designtilnærmingen til anvendt grafikk å komme inn gjennom industriell grafikk (grafiske elementer på produkter) og emballasje. Toppen av denne prosessen skjedde på slutten av 60-tallet og begynnelsen av 70-tallet. Det teoretiske konseptet, som ble karakterisert som visuell kommunikasjon, ble dannet på grunnlag av semiotikk (en vitenskap som studerer egenskapene til tegn og tegnsystemer) og informasjonsteori, under hensyntagen til den sosiotekniske konteksten.

Elena Chernevich, en kunstkritiker, skrev: "grafisk design gjør informasjon til visuelle signaler som må tolkes entydig"; "strukturen til visuell kommunikasjon inkluderer: en tekstkilde som spesifiserer ikke-visualisert innhold, en visuell kommunikator, visuell tekst, en kommunikasjonskanal, en tekstmottaker"; "en ny type profesjonelle er i ferd med å dukke opp - den grafiske designeren blir en visuell kommunikator."

Konseptet med grafisk design, basert på konseptet funksjonalisme, forblir på mange måter attraktivt i dag, spesielt fra et metodisk synspunkt. Riktignok, under betingelsene for å forstå behovet for å styrke det kunstneriske prinsippet, stiltrender og motetrender.

Bedriftsidentiteten er utformet på grunnlag av en metodisk tilnærming utviklet over mange års internasjonal praksis, og tar hensyn til egenskapene til et bestemt selskap og konseptet for dets aktiviteter.

Objektene for kreativ oppmerksomhet til designgrafikk er mange og mangefasetterte. Etter å ha undersøkt den visuelle sammensetningen av et menneskeskapt habitat, kan vi skille flere konvensjonelle lag i det:

9. Første lag, som nesten alle deler av befolkningen har kontakt med, danner midler og systemer for visuell kommunikasjon i urbane, landlige og andre rom, i transport, etc. Dette inkluderer skilt, reklameinstallasjoner, butikkvinduer, tabeller med gatenavn og husnummer, skilter transportveier, trafikkskilt m.m.

10. Andre lag– midler for visuell kommunikasjon i bygningsrom, interiør: skilt, piktogrammer, skilt, annonser, plakater og andre medier.

11. Tredje lag – det mest spesifikke er knyttet til driften av bolig- og kommunale tjenester, store arrangementer av statlig eller til og med internasjonal skala, inkludert olympiader, festivaler, etc.

Grafisk form stil - et begrep som vanligvis betegner et system av visuelle og kommunikasjonsmidler designet for å skape et visst permanent visuelt bilde. Det inkluderer hovedelementene: skilt, logo, farge, font, samt hele spekteret av visuell informasjon: fra dokumentasjon, emballasje, suvenirer, reklame til elementer av visuell kommunikasjon, grafikk på klær, kjøretøy, bygninger, etc.

Merkeblokk inkluderer et varemerke, firmanavn, post- og bankdetaljer, liste over varer og tjenester, reklamesymbol for selskapet, slagord. Merkeblokken kan inneholde alle de oppførte elementene eller bare noen av dem. Merkeblokken er praktisk å bruke i mange tilfeller: fra design av brevhoder til design av produktemballasje.

Utvikler bedriftens farger, er det nødvendig å ta hensyn til evnene til trykkerier ved utskrift: aviser, for eksempel, formidler bare primærfarger, eller bruk to alternativer - farge (med et komplekst utvalg av farger) og svart og hvitt.

Publikasjonsformat Det kan være hva som helst, det må være originalt, dette vil bidra til bedre gjenkjennelse av informasjon og reklamemateriell.

Tagline- en kort setning, mottoet til et selskap eller produkt. Dette er et verbalt reklamesymbol for selskapet. I motsetning til et figurativt reklamesymbol for et selskap, er et slagord både et visuelt og lydbilde, noe som gir det eksepsjonell betydning som et element i et bilde eller et reklameverktøy.

Lydbilde- en musikalsk frase, komposisjon, flere toner for stemme eller musikkinstrumenter, en kombinasjon av visse lyder som fungerer som et slags identifikasjonsmerke for et selskap i radio- og TV-reklamer. hjem lydskiltfunksjon- det samme som selskapets grafiske skilt - identifikasjon. Lydbildet må ha alle kriteriene til et varemerke og kan registreres som det.

Ofte brukes et lydslogan som et lydbilde: en spesifikk, iscenesatt lydløsning som bruker selskapets slagord, noe som gir det attraktivitet og minneverdig. Forskjellen mellom et lydbilde og et lydslogan er at et slagord er en lydtolkning av et verbalt uttrykk, og et lydbilde er et selvstendig lydbilde knyttet til en bedrift.

Toppen av den store pyramiden av bedriftsidentitet og reklame er varemerket.

Varemerke (tjenestemerke)– et offisielt vedtatt begrep som betyr en betegnelse registrert på foreskrevet måte, utformet for å skille varer og tjenester til noen juridiske enheter eller enkeltpersoner fra lignende typer og tjenester fra andre personer. Synonymer for begrepet varemerke er - merkenavn, ganske enkelt merke, merkenavn, emblem. Den verbale delen av et merke eller verbalmerke kalles også et merkenavn, firmanavn, logo.

Et varemerke skal ikke forveksles med et beslektet objekt som er ganske nær det - et handelsnavn. Merkenavn– dette er navnet på et foretak som individualiserer organisasjonen, er av ubestemt, ikke-fremmedgjort karakter, og er ikke spesifikt registrert (metallurgisk anlegg, veveri, bad og vaskeri, etc.).

Et varemerke må være registrert før det kan brukes. Varemerkebeskyttelse utføres av staten i fem år fra datoen for registrering hos den russiske patent- og varemerkekomiteen (ROSPATENT).

· Hovedfunksjonen til et tegn er distinksjon, dvs. merket skal bidra til å skille lignende eller identiske varer, tjenester produsert eller levert av forskjellige produsenter.