Stijl "constructivisme" in ontwerp

Constructivisme is een richting die voornamelijk wordt geassocieerd met architectuur. Een dergelijke visie kan echter eenzijdig of zelfs fundamenteel verkeerd worden genoemd, omdat voordat het een architecturale methode werd, constructivisme bestond in ontwerp en drukwerk. In grafische vormen van creativiteit werd het constructivisme gekenmerkt door het gebruik van fotomontage in plaats van handgetekende illustratie, extreme meetkunde, ondergeschiktheid van de compositie aan rechthoekige ritmes. Ook het kleurenschema was stabiel: zwart, rood, wit, grijs met toevoeging van blauw en geel.

Klassieke stijl in ontwerp

Grafisch ontwerp in de klassieke stijl is gebaseerd op strikte canons: duidelijkheid, beknoptheid, harmonie en logica. Alleen typologische kenmerken van de afbeelding worden gebruikt. Klassiekers zijn altijd tijdloos en zijn tegenwoordig net zo populair als een paar decennia geleden. Deze stijl wordt gebruikt voor visitekaartjes, kalenders en ander kantoordrukwerk. elementen klassieke stijl: strikte frames, "glanzend", briljante verlopen, verschillende decoratieve elementen. Met betrekking tot kleuroplossingen klassieke stijl, dan zijn dit in de regel rijke en heldere tinten in combinatie met zilver of goud.

Victoriaanse stijl in ontwerp

belangrijkste kenmerk Victoriaanse stijl - verzadiging met details. Hier kwam het begrip “angst voor de leegte” weer in gebruik, maar in tegenstelling tot de traditionele interpretatie, bijvoorbeeld in de barokkunst, werd het een weerspiegeling van een ander, eclectisch denken. Dit is terug te zien in de vormgeving van zowel wooninterieurs als reclameposters die kenmerkend zijn voor deze periode.

Vanguard-stijl in ontwerp

Avant-garde is een algemene naam voor de trends in de Europese kunst die ontstonden aan het begin van de 19e en 20e eeuw, uitgedrukt in een polemische strijdvorm. De avant-garde wordt gekenmerkt door een experimentele benadering van artistieke creativiteit die verder gaat dan de klassieke esthetiek, door gebruik te maken van originele, innovatieve expressiemiddelen, evenals een benadrukte symboliek van artistieke beelden.

Amerikaans ontwerp uit het midden van de 20e eeuw

In de jaren '40 en '50 werd het concept van " goed design". In Italië heette het "belontwerp", in Duitsland - "goede vorm", in het noorden van Europa - " scandinavisch design De belangrijkste behoefte van mensen in de naoorlogse jaren was het vestigen van een normaal vredig leven. Het ontwerp dat aan deze maatschappelijke vraag voldoet, moest van hoge kwaliteit, "rustig", economisch, een lust voor het oog zijn. dingen willen uitdagen, protesteren of elitariseren.

Empire-stijl in ontwerp

Voor velen wordt het rijk geassocieerd met Sint-Petersburg, omdat het hoofdthema van de stijl wordt beschouwd als een monarchale en heroïsche oriëntatie. Deze stijl is vaak gericht op antieke afbeeldingen van Griekenland, Rome, Egypte. Kracht, grandeur, monumentaliteit kenmerken de Empire-stijl. Als decor kunnen verschillende militaire motieven worden gebruikt: harnassen, lauwerkransen, adelaars, Egyptische ornamenten worden vaak gevonden. In moderne advertenties wordt deze stijl het vaakst gebruikt door fabrikanten. alcoholische producten om de degelijkheid en mannelijkheid van het merk te benadrukken. Empire kan het effect van royalty creëren, majesteit.

Moderne stijl in ontwerp

Modern of art nouveau is precies het tegenovergestelde van klassiek en imperium. De onderscheidende kenmerken zijn: de afwijzing van rechte lijnen en hoeken ten gunste van meer natuurlijke, "natuurlijke" patronen, niet-standaard proporties, asymmetrie, bloemenornament. Deze lichtheid en romantiek komt meestal tot uiting in het gebruik van pastelkleuren. Art Nouveau ontkent de canoniciteit en helderheid van de elementen van de compositie. Het wordt meestal gebruikt om een ​​vrouwelijk publiek aan te trekken.

Art Deco stijl in design

Art Deco (Art Deco) is ontstaan ​​uit de avant-garde. Belangrijkste kenmerken: regelmaat, etnisch geometrische patronen, luxe. Het exotisme van deze stijl komt tot uiting in het gebruik van elementen van cultuur en tradities van verschillende landen en volkeren. Dit is het oude Mesopotamië, en de Maya-volkeren, en de Egyptische cultuur van het tijdperk van de farao's. Vaak gebruikt zijn verwijzingen naar de cultuur van het oude Griekenland, Rome, China en Japan, en, belangrijker nog, Rusland. U vindt herhalende geometrische vormen: cirkels, vierkanten, pijlen - dit is het resultaat van de Amerikaanse invloed van de jaren 20, toen mechanische en industriële vormen inspiratiebronnen werden voor ontwerpers. Een goed voorbeeld Art Deco-stijl wordt beschouwd als het ontwerp van een pakje Lucky Strike-sigaretten.

Stijl "Minimalisme" in ontwerp

Deze stijl is gebaseerd op eenvoud en beknoptheid. Monochroom, eenvoudige vormen, neutrale kleuren - dit is de prijs die u moet betalen als u zich op het hoofdobject of de afbeelding wilt concentreren. goede voorbeelden minimalisme vind je terug bij Japanse ontwerpers. Elegantie en eenvoud. Soms is dat alles wat nodig is om interesse in een afbeelding te wekken.

Pop Art-stijl in ontwerp

Pop-art (of populaire kunst) heeft tot doel massabeelden weer te geven, van consumptiegoederen tot beroemdheden. De meest memorabele afbeeldingen van deze stijl waren de afbeeldingen van Ernesto Che Guevara en Marilyn Monroe van Andy Warhol, de grondlegger van de stijl. De belangrijkste kenmerken van de stijl: helder, verzadigde kleuren en scherpe contrasten. Deze stijl is gericht op het aantrekken van een massapubliek, voornamelijk jonge mensen.

Stijl "Typografie" in ontwerp

Typografie kan worden beschouwd als de ruggengraat van modern grafisch ontwerp in reclame. Haar belangrijkste taak is informeren. In typografie is één element tekst. Verdere manipulaties van de ontwerper kunnen worden gedaan met lettertypen, kleur en de locatie van de tekst zelf. Een klassiek voorbeeld van deze stijl zijn verschillende etiketten, informatiefolders.

Grunge-stijl in ontwerp

Ooit ontstond de grunge-stijl als een alternatief voor gekamde glamour en onnatuurlijke nep-schoonheid, geïdealiseerd tot op het punt van cloying. Grunge kan worden gedefinieerd als vies, opzettelijk onverzorgd, soms zelfs lelijk. Nu is grunge een krachtige duurzame webdesigntrend die veel ruimte geeft voor zelfexpressie.

Moderne grunge streeft er niet naar om alle "gadgets" uit zijn arsenaal te gebruiken om eruit te zien als een vuilnisbelt of een stapel afval. Een paar visuele elementen zijn voldoende - en het ontwerp krijgt een heel ander geluid. De visuele component van grunge verandert eerder in een vorm van lichte nalatigheid of slijtage door langdurig en veelvuldig gebruik.

Grunge is een van de meest creatieve en leuke stijlen in webdesign. Hij geeft grote kansen om te experimenteren, kunt u verschillende grafische elementen uitproberen. En je hoeft je niet aan strikte formulieren en regels te houden.

Ontwerpers van Yourinspirationweb hebben 4 hoofdcomponenten van grunge-stijl overwogen. Het is de aanwezigheid van een of meer van deze elementen die bepalend zijn voor het behoren tot deze stijl.

1. Grunge kleurenpalet
   In grunge-ontwerp worden levendige en dynamische kleuren vaak vervangen door meer gedempte en matte kleuren. Typische kleuren zijn beige, bruin, zwart en grijs. Grunge schuwt pastelkleuren en typische Web 2.0-stijlkleuren.
2. Texturen en patronen
   We kunnen zeggen dat dit een fundamenteel element is voor de grunge-stijl. Voor de achtergrond zijn verschillende "onverzorgde" visuele elementen gebruikt, zoals afbeeldingen van stalen wapening, gescheurde spijkerbroeken, houten oppervlakken, evenals oppervlakken met verschillende geluiden en slijtage. Hier - een enorm veld om te experimenteren. Het belangrijkste is dat het passend moet zijn.
3. Realistische details
   Grunge heeft, net als de handgemaakte stijl, een zwak voor allerlei door de mens gemaakte dingen. Dit kunnen stickers, polaroids, stukjes papier, stukjes briefpapier, paperclips zijn. Evenals elementen zoals vlekken, vlekken, spatten en vlekken op het oppervlak.
4. Grunge-lettertypen
   Grunge-lettertype kan slijtage, ruwheid of vouwen hebben. Het kan bestaan ​​uit ongelijke en onregelmatige lijnen en eruit zien alsof er een soort manipulatie mee is uitgevoerd. Of het kan ook een handgeschreven lettertype zijn.

Nieuwe trends in grafisch ontwerp verschijnen vrij zelden. Als de ene trend de andere vervangt, wordt het pas na verloop van tijd duidelijk, en zelfs dan niet altijd. Sommige ideeën en patronen worden geboren binnen grote digitale gemeenschappen zoals Drebbble of Behance, maar slechts een paar specialisten kunnen nauwkeurig voorspellen welke trend de cultuur, mode en alle grafische vormgeving in het algemeen het sterkst zal beïnvloeden.

Trends in grafisch ontwerp zijn nooit van korte duur en verdwijnen nooit spoorloos. Ze dringen geleidelijk ons ​​leven binnen en winnen langzaam aan populariteit. En ook langzaam naar de achtergrond verdwijnen, steeds minder gevraagd. Alle belangrijke trends die in 2016 relevant zullen zijn, kwamen niet uit het niets. Deze trends hebben gedomineerd voor verschillende recente jaren, lichtjes veranderend, maar tegelijkertijd absoluut herkenbaar blijven.

Veel grafisch ontwerpers volgen wat er in hun branche gebeurt en proberen nieuwe benaderingen in hun werk te gebruiken. Dit is logisch - met trendanalyse kunt u clichés en clichés kwijtraken. Welke trends zullen de belangrijkste zijn in 2016?

MODERNE RETRO

In tegenstelling tot conventionele retro, richt de moderne retrostijl zich op de stijl van de jaren 70 en 80. Dit is het tijdperk van de eerste personal computers, videogames, actieve verkenning van de ruimte en de snelle ontwikkeling van digitale technologieën. Een voorbeeld is het werk van de Filipijnse ontwerper Ralph Cifry - nostalgie naar het recente verleden is heel duidelijk terug te vinden in zijn werk. In de Retro Technologies-serie verzamelde hij veel herkenbare items en apparaten die tegenwoordig bijna niemand gebruikt - dit zijn film, audiocassettes, diskettes, vinylspelers, semafoons en nog veel meer.

De ontwerpers van de studio van The Welcome Branding Group wendden zich ook tot retro stijl toen ze de opdracht kregen om een ​​serie posters te maken voor vinylplatenwinkel MusicLab. Hierdoor ziet het ontwerp eruit alsof het midden jaren 70 van de vorige eeuw is gemaakt.

Maar in het ontwerp van de producten van het merk Write Sketch & is de grafische stijl van de jaren 80 duidelijk zichtbaar.

Ontwerper Elin McGuire liet zich bij het ontwerpen van blikjes voor Coca-Cola inspireren door het ooit zo populaire arcadespel Space Invaders, dat in 1978 verscheen en ongelooflijk populair was. Het resultaat is een leuke pixelart die herinneringen oproept aan de allereerste computergames.

MATERIAAL ONTWERP

Modern grafisch ontwerp en digitale technologieën zijn zo nauw met elkaar verbonden dat ontwerpers worden beïnvloed door trends die andere sectoren domineren, zoals webontwikkeling. Toen Google zijn concept van Material Design introduceerde, had bijna niemand verwacht dat het een impact zou hebben op het hele ontwerp. Deze visuele taal kenmerkt zich door bewuste kleurkeuzes, massieve typografie en gedurfd gebruik van witruimte.

Material Design lijkt in veel opzichten op Flat 2.0, maar het is een volledig aparte ontwerprichting. Het heeft meer realisme, diepte, volume en beweging. En hoewel Google zijn visuele taal heeft gemaakt voor gebruik in de digitale omgeving, kunnen de principes ervan in de meeste worden gebruikt verschillende soorten ontwerp.

HELDER KLEURENPALET

Trends zoals modern retro en Material Design hebben het gebruik van heldere en ongebruikelijke kleurencombinaties in design gemeen. Daarom zullen ontwerpers actief felle kleuren gebruiken in hun ontwerpen. En ondanks het feit dat de trend om gedempte tinten te gebruiken nu domineert op het web, is het tegenovergestelde waar in grafisch ontwerp - pakkende en verzadigde kleuren zijn in de mode.

• PANTONE 13-1520 Rozenkwarts
• PANTONE 15-3919 Sereniteit
• PANTONE 12-0752 Boterbloem
• PANTONE 16-3905 Lila Grijs
• PANTONE 15-1040 IJskoffie
• PANTONE 16-1548 Peach Echo
• PANTONE 19-4049 Snorkel Blauw
• PANTONE 13-4810 Limpet Shell
• PANTONE 17-1564 Fiesta
• PANTONE 15-0146 Groene flits

Uiteraard is er een trend naar felle kleuren zoals perzik, geel, diepblauw en knalgroen. Combinatie van felgroen en gele bloemen gebruikt door de ontwerpers van de In The Pool-studio, die werkten aan het maken van een poster voor de internationale conferentie Paris Climate 2015 gewijd aan het probleem van de opwarming van de aarde.

De graphic uit de jaren 80 is geïnspireerd door ontwerper Tron Burgundy tijdens het werken aan een poster voor de Walk The Moon-show. Heldere kleuren en geometrische vormen doen denken aan een andere trend in grafisch ontwerp die aan kracht wint.

GEOMETRISCHE CIJFERS

Het gebruik van geometrische vormen is een opvallende trend, hoewel het verschil in benadering duidelijk is. Tegenwoordig gebruiken steeds meer ontwerpers zogenaamde polygonen, die worden gebruikt bij het maken van 3D-modellen en videogames. Tot voor kort zou deze grafische techniek voor de kijker onbegrijpelijk zijn geweest, maar nu is alles veranderd en zullen steeds vaker illustraties verschijnen die op de een of andere manier geometrische vormen gebruiken.

NEGATIEVE RUIMTE

Negatieve of negatieve ruimte is een integraal onderdeel van elk goed ontwerp. Door deze techniek te gebruiken, kunt u diepte of dubbele betekenis aan het ontwerp toevoegen. Meestal wordt negatieve ruimte gebruikt bij het maken van een logo of bij branding, maar niets verhindert het gebruik ervan in andere soorten grafisch ontwerp.

Ontwerper John Randal heeft een zeer interessant logo gemaakt voor The Swan & Mallard, dat zwaan, eend en ampersand heel goed combineert, allemaal dankzij het vakkundige gebruik van negatieve ruimte.

Een ander voorbeeld is de concertposter voor het evenement 123 Years The Best Of British Music. De kijker ziet eerst de viool en maakt dan pas onderscheid tussen de nummers 1, 2 en 3, die in de naam van het evenement staan.

EMOTIONELE TYPOGRAFIE

Deze trend laat zien dat typografie kan worden gebruikt om een ​​dramatisch effect te creëren. Grote letters trekken de aandacht en u kunt de indruk versterken door het gebruik van heldere kleurencombinaties, texturen en ongebruikelijke opstelling van elementen.

UNIEKE ILLUSTRATIES

Ontwerpers stappen geleidelijk af van het gebruik van stockillustraties. De reden is te gelijkaardige beelden en gebrek aan individualiteit. Geen enkele ontwerper wil dat zijn werk eruitziet als een cliché, en hetzelfde geldt voor merken die moeite hebben om zich te onderscheiden van de concurrentie. Het gebruik van stockfoto's in een ontwerp vermindert de originaliteit en er bestaat ook het risico dat sommige elementen terug te zien zijn in het werk van andere ontwerpers.

Dus in 2016 zal de trend voor aangepaste illustraties zeer merkbaar zijn. Ze zullen worden gebruikt in verschillende projecten, van printontwerp tot bestemmingspagina's van websites.

IN PLAATS VAN CONCLUSIE

Natuurlijk moet je de trends volgen. Maar het is geen goed idee om nieuwe benaderingen in het ontwerp te gebruiken alleen omdat ze in zwang zijn. En als je zo graag eens iets nieuws wilt proberen, zorg er dan maar voor dat deze of gene trend goed in het project past en goed begrepen wordt door het publiek. Toch is het beter om pragmatisch te blijven en alleen elementen of kleurencombinaties te gebruiken die passen bij het ontwerp.

Grafische werken

Theater

Boek, theater

Boekafbeeldingen en scenografisch ontwerp zijn die gebieden van creativiteit waar kunst raakvlakken met andere kunstvormen, waar een veelzijdige cultuur van de kunstenaar wordt gevraagd. Bij boek- en theaterontwerp ontstaat het artistieke resultaat wanneer de visuele oplossing wordt gecorreleerd met het literaire of theatrale weefsel van het werk.

Het leven, dat zich op het toneel ontvouwt en geïnspireerd is door de schoonheid van zang, gebaren, landschappen, belichaamt de wereld van de kunst, waarmee alleen de waarde van het zijn werd geassocieerd. Theater is een bijzondere wereld, waar fictie en werkelijkheid één en hetzelfde zijn. De belangrijkste attractie van de kunstwereld ligt in haar schoonheid. In theatraal werk probeerden ze van het podium een ​​'koninkrijk van schoonheid' te maken.

Alles wat het begrip "theatraliteit" omvat - verhevenheid en niet-alledaags leven, magie en onthechting, waarheid en fictie - wordt een kenmerkende eigenschap van met name grafische werken.

Nadat ze zich tot de grafische wereld had gewend, verhoogde de kunstwereld haar cultuur in een paar jaar. Wat de artiesten ook doen - een boek, een tijdschrift, een theaterprogramma, een envelop voor visitekaartjes, poster - ze zagen hun doel in het verfraaien van de publicatie. In de grafische kunst domineert het idee van schoonheid. Het ontwerp van boeken en tijdschriften begint met de omslag en bouwt vervolgens voort op screensavers en eindes, drop-caps en koppen.

Vignet- het belangrijkste ontwerpelement. motieven- bloemen, linten, guirlandes, vazen. Miriskussniki werden vaak vignetmasters of vignetters genoemd.

5.7.5 Publicatie van het tijdschrift "World of Art"

Het eerste kunst geïllustreerde tijdschrift. Toen ze begonnen met het publiceren van het tijdschrift, begonnen de kunstenaars hun kijk op het leven erop te realiseren, hun mogelijkheden te onthullen, de grafische stijl uit te werken. Alle grafische afbeeldingen van de "World of Art" hebben deelgenomen aan de zoektocht naar het artistieke imago van het tijdschrift, professioneel, ontwerpprincipes van ontwerp worden gebouwd. Kunstenaars bedenken op welk papier ze het tijdschrift drukken, welk lettertype, kiezen de reproductietechniek, bestellen het drukken in verschillende drukkerijen en bewaken de kwaliteit van de productie.

Het tijdschrift werd uitgegeven door S. Diaghilev. De mecenassen S. Mamontov en M. Tenishcheva gesubsidieerd, maar de particuliere subsidies eindigden na een jaar en nog eens vier jaar bestond het tijdschrift op kosten van de overheid, met het begin van de financiële crisis in het land, stopte het tijdschrift de publicatie met nummer nr. 12 voor 1904.

Bij het ontwikkelen van hun grafische stijl gaan ze uit van de tweedimensionaliteit van het bedrukte vel, coördineren de aard van de afbeeldingen en de lettertypeset.

Grafisch heeft een eigen conventionele taal gekregen, het onderscheidt zich door de afwezigheid van illusie, gestileerde tekening, het spel van zwart en wit, lijnen en vlekken.

"World of Art" bracht de eerste generatie kunstenaars samen die hun professionele activiteit problemen van de nationale kunst, maar correleerden en maten hun creativiteit met alles wat er op dat moment gebeurde in de kunst van andere landen.

Het tijdschrift moest alles weerspiegelen wat nieuw, belangrijk was in de kunst, zowel in binnen- als buitenland. The World of Art laat de lezer kennismaken met de workshops Abramtsev en Talashka, met de kunst van de westerse moderniteit (de werken van Aubrey Beardsley zijn de eerste die worden gepubliceerd), de promotie van Russische kunst is ook aan de gang, er worden tijdschriften gepubliceerd die aan het werk zijn gewijd van K.A. Somov, A.P. Ostroumova, V.A. Serov, M.A. Vrubel.

Voor getalenteerde individuen die deze creatieve gemeenschap vormden, was de realiteit niet de omgeving, maar het innerlijke leven vol dromen en schoonheid. Ze wendden zich tot vervlogen tijden - de 18e "dappere eeuw", 30 jaar van de 19e eeuw. Gaandeweg beginnen de thema's en motieven uit het verleden de overhand te krijgen in de schilderijen en grafiek van de World of Art-kunstenaars. Retrospectiviteit is hun handelsmerk. De werken van de World of Arts zijn gemakkelijk te herkennen aan hun verfijnde stilering; ze namen als basis: de tijd van Peter I en Lodewijk XIV, Russisch portret uit de 18e eeuw en Duitse gravure, boekgrafieken uit het Poesjkin-tijdperk, enz.

De creativiteit van de World of Arts ontwikkelt zich parallel met de meest serieuze studie van de Russische cultuur van de 18e - begin 19e eeuw. Benois verzamelt systematisch informatie over de kunstenaars van die tijd. Diaghilev werkt aan de studie van het werk van Levitsky, met als resultaat de tentoonstelling "World of Art", gewijd aan portretten in 1905, waar meer dan 2000 werken van Russische en West-Europese kunstenaars en beeldhouwers werden tentoongesteld.

60 nummers van het tijdschrift en 5 tentoonstellingen zijn het resultaat van de intense activiteit van de World of Art, die het in het middelpunt van het hele artistieke leven van Rusland heeft geplaatst. Tijdens deze periode kwam het esthetische programma van deze vereniging volledig tot uiting, de creatieve individualiteit van al haar deelnemers werd bepaald (in de regel waren dit al professionele kunstenaars, gevestigde persoonlijkheden).

De laatste fase in hun activiteit was het ontwerp van de "Russische Seizoenen" die met triomf in Parijs plaatsvonden, waar ze alle opera- en balletproducties ontwierpen.

De culturele rol van de "World of Art" bleek belangrijker dan de bijdrage van de individuele creativiteit van haar leden. De collectieve acties van de "World of Art" hebben altijd de toon gezet van het hele artistieke leven. De door hen ontwikkelde artistieke stijl werd voortgezet en ontwikkeld op het gebied van grafische afbeeldingen - in de werken van de zogenaamde "tweede generatie" van de "World of Art". Alle kunstenaars die hem toebehoorden, wijdden zich aan grafische afbeeldingen, nadat ze de professionele status ervan hadden goedgekeurd.

Om te begrijpen wat internationale stijl is, is het noodzakelijk om het concept stijl in grafisch ontwerp in het algemeen te definiëren. De Amerikaanse onderzoeker en grafisch ontwerptheoreticus Steven Heller noemt stijl een ontwerpstijl die gerelateerd is aan tijd en plaats. Dit woord wordt ook gebruikt om de manier van een individuele auteur of een groep auteurs te definiëren. In engere zin wordt stijl soms aangeduid als een vastgestelde reeks vereisten voor het ontwerp van elk type product of document, bijvoorbeeld "maak het in de stijl van krantenkoppen". De ene stijl groeit uit de andere, ze vertakken zich, bestaan ​​parallel aan elkaar, sterven en opnieuw.

De internationale stijl werd veroorzaakt door de behoeften van grote bedrijven aan identificatiesystemen.

Het concept 'stijl' in grafisch ontwerp is nauw verwant aan het concept 'grafische taal' en wordt er vaak mee geïdentificeerd. Een grafische taal is een bepaalde reeks visuele technieken die kenmerkend zijn voor een bepaalde stijl. Het kan gaan om de principes van compositie (statisch of dynamisch, geordend of chaotisch), de aard van kleur- en toonverhoudingen, plastische technieken (gebruik van vaste stoffen, linialen, enz.), het arsenaal aan gebruikte lettertypen.

In het grafische ontwerp van de Art Nouveau-stijl werd, naast de dynamiek, een statische, soms zelfs symmetrische compositie gebruikt, die de neiging had om het vlak van het blad gelijkmatig te vullen, marges en kaders werden bijna altijd gebruikt, waardoor het blad in zones werd verdeeld. kleuren stijlen zijn rijk en genuanceerd, pastelkleuren bestaan ​​naast open, ornamenten die typerend zijn voor de artistieke stijl als geheel werden vaak gebruikt, voornamelijk getekende displaylettertypen. Al het bovenstaande vormt de grafische taal van de Art Nouveau. In de "modernistische" grafiek van het Bauhaus is het, ondanks het relatief korte tijdsinterval ertussen, totaal anders. Composities krijgen een centrum en periferie, in sommige gevallen worden ze dynamisch, met een uitgesproken diagonaal. De kleurenschema's van de Bauhaus-ontwerpers worden schaarser en minimalistischer, ornamentiek verdwijnt, rechte en cirkelvormige lijnen domineren, grillig kronkelende Art Nouveau-lettertypen maken plaats voor strikt geometrische. Grafische taal wordt, in tegenstelling tot stijl, niet geassocieerd met tijd, plaats en situatie, waardoor we deze concepten niet volledig kunnen identificeren.

De toevoeging van het modernisme

Oude stijlen en oude werkmethoden konden niet dienen voor een productie die ver vooruit was gevorderd. Individuele dingen die door toegepaste kunstenaars zijn gemaakt, droegen het stempel van een hoge esthetische smaak, maar de producten die uit de muren van de fabrieken kwamen, hadden niets met esthetiek te maken.

In zijn boek Grafische stijlen. Van Victoriaans tot postmodern, Stephen Heller verwijst naar Modern, of Art Nouveau zoals het gewoonlijk wordt genoemd in de Engelstalige literatuur, als de eerste internationale stijl. Dit is echt de eerste richting die beweert de hele onderwerpomgeving te creëren, en wordt niet geassocieerd met historische prototypen.

De verdienste van moderne architecten en ontwerpers is dat ze bijna helemaal opnieuw een nieuwe plastische taal hebben gecreëerd, ze hebben bewezen dat het mogelijk is om een ​​esthetisch perfect ding te creëren, niet op basis van klassieke elementen die door de Grieken zijn uitgevonden aan het begin van de beschaving, zoals bijvoorbeeld een bouwkundige opdracht. Ze probeerden een nieuwe esthetische omgeving te creëren, waarbij ze alle elementen van het objectieve leven in één enkele stilistische sleutel vormden. De werkingsprincipes blijven echter hetzelfde. De kunstenaars concentreerden zich op het zo mooi en elegant mogelijk maken van het ding, waarbij ze het repliceren vergeten.

Het belangrijkste onderdeel van de grafische art nouveau-taal was de illustratie van de auteur, die complexe ornamenten en individuele handgetekende lettertypen bevat. Dit kostte veel tijd aan het maken van de originele lay-out en in de regel hoge materiaalkosten voor de productie (kleurendruk was in die tijd een luxe). Art Nouveau bleek te duur en de alomtegenwoordige maar kortstondige populariteit in Europa had nooit tijd om de oceaan over te steken.

Nieuw artistieke stromingen het begin van de twintigste eeuw, zoals kubisme, futurisme, suprematisme, gaven leven aan zo'n wereldwijd fenomeen in de toegepaste kunst als het modernisme. Gehele of gedeeltelijke afwijzing van het principe van figurativiteit van oude kunststijlen, het zoeken naar nieuwe visuele technieken, revolutionaire oriëntatie en radicalisme zijn de meest karakteristieke kenmerken deze stromen. Kazimir Malevich waren zijn experimenten in het suprematisme eigenlijk gericht op het creëren van een plastische taal van de toekomst, vrij van enige verfraaiing, bestaande uit eenvoudige vormen, en waarbij de belangrijkste factor de compositie is, vlak of volume-ruimtelijk. Gerelateerd aan suprematisme, heeft grafisch ontwerp altijd beelden en benaderingen geleend van andere gebieden van kunst en populaire cultuur. Visuele citaten, verwijzingen van alle soorten, nabootsing van stijlen is een essentieel kenmerk van het pad van grafisch ontwerp, zijn metamorfose in de 20e eeuw. Het resultaat hiervan was het postmodernisme, als slotakkoord van de moderne cultuur.

"De mislukkingen van het nieuwe behoren tot het verleden" Frederic Jameson, literair criticus.

Postmodernisme aan het einde van de 20e eeuw. vroege tekenen"postmodernisme", begon halverwege de jaren zeventig te verschijnen. In grafisch ontwerp was dit vooral duidelijk in het ontwerp van hoezen voor muziekproducten - platen, cassettes, cd's. Hoge graad mobiliteit, gericht op actieve consumentengroepen - dit alles werd een breed terrein voor experimenten, hoewel de trend zeker niet beperkt bleef tot dit gebied. De Engelse criticus Rick Poynor noemt als voorbeeld de cover van de Duitse elektronische muziekband Kraftwerk. In 1978 werd een album uitgebracht met strakke synth-melodieën en pulserende robotritmes die een blijvende impact hadden op de ontwikkeling van dansmelodieën in de jaren tachtig en een sterke afwijking was van de muziek van die tijd. De plaat heette "Die AlenschMaschine" (Mens-machine).

Het ontwerp van de albumhoes deed denken aan de Sovjet-constructivistische typografie van de jaren twintig. De historische band is versterkt door het gebruik van rood, zwart en wit als hoofdkleuren. Dezelfde compositie met een dicterende diagonale en typografische stijl werd gebruikt op de achterkant van de envelop, tegen de achtergrond van verschillende geometrische vormen. Het ontwerp van Karl Kleefisch was geïnspireerd op het werk van de avant-garde "constructeur" L. Lissitzky en was eigenlijk zijn citaat (lees lenen, maar geenszins een parodie). De ontwerper en de muzikanten wilden benadrukken dat de muziek als "avant-garde" moet worden opgevat.

Na 70 of 80 jaar klassiek modernisme was het resultaat de uitputting van intellectuele middelen. “In een wereld waarin stilistische vernieuwing niet meer mogelijk is, rest alleen nog het imiteren van dode stijlen, spreken door maskers en met de stemmen van stijlen in een denkbeeldig museum.”

Het gebruik van "retrostijlen" werd het bepalende grafische beeld van de late 20e eeuw. Een voorbeeld is het werk van Poly Sher. Haar goede kennis en begrip van de historische vormen van futurisme, constructivisme, dadaïsme, Nederlandse De Stijl, Duitse Bauhaus, Art Deco en Art Nouveau, haar eclectische vermogen om het opnieuw uit te vinden en te gebruiken in het voordeel van haar klanten hebben haar tot een invloedrijke figuur gemaakt qua ontwerp.

Paul Cher en Terry Koppel. Brochure "Grote Ondernemingen", verspreiding, 1984

In ons land werd de keuze voor een eenvoudigere manier van stijlen kopiëren, ideeën lenen grotendeels bepaald door het gebrek aan continuïteit in de grafische vormgeving. Het kan niet gezegd worden dat dit het gevolg was van een laag ontwerpniveau in het algemeen. Veel beroemde ontwerpers en kunstenaars dompelden zich graag onder in de stijlen van vervlogen tijden.

Victoriaanse stijl

Victoriaanse stijl (victoriaans): Brits, Amerikaans, Frans, kunstnijverheid: Brits, Amerikaans. Art Nouveau (Art Nouveau): Frans / Belgisch, Jugend-stijl, Glasgow-stijl, Weense Secession, Amerikaans, Italiaans. Vroegmodern (vroegmodern): plakatstil, wiener werkstatte. Expressionisme: Duits. Modern (modern): Futurisme, vorticizm (Suprematisme?), Constructivisme, De Stijl, Bauhaus, Nieuwe Typografie. Art Deco: Frans, Duits, Zwitsers, Oost-Europees, Italiaans, Engels, Amerikaans, stroomlijnen, Deens. Dada (Heroïsch realisme) Laatmodern (laatmodern): Zwitsers, Engels, Amerikaans, Zwitsers internationale stijl, huisstijl, revival, eclecticisme, Pools, psychedelisch (psychedelisch), Japans. Postmodern (postmodern): Memphis / Basel / Zürich, Amerikaanse "new wave", Amerikaanse punk, Amerikaans postmodernisme, Europese "new wave".

Kitsch

Een van de meest opvallende trends van de afgelopen jaren, grenzend aan het exotische. De aard van kitsch, de oorsprong ervan, wordt geassocieerd met de herhaling en heroverweging van reeds gevestigde klassieke patronen. Maar in het proces van herhaling is er een zekere opsomming: ander materiaal, schaal, omgeving, enz. De grens tussen klassiekers en kitsch is bijna volledig onzichtbaar, aangezien de huidige kitsch "van het hoogste en beste merk" is. De duurste materialen en erkende fabrikanten die de prestaties van technische vooruitgang niet verbergen en demonstreren. Keer terug naar de natuur en benadrukte duurzaamheid. Een mengeling van echte retro en fantasieën erover.

Kleurenspectrum: onder het flitsende bereik van roze tot giftig groen en paars, voert de agressieve rode kleur de hoofdrol. Ook goud, wit en zwart.

Eclecticisme

Wist je dat we in een eclectisch tijdperk leven? Eclecticisme is gewoon een mengsel. Dit is de naam van het tijdperk van de linkse ontwikkeling van architectuur en design. Eclecticisme komt wanneer de volgende dominante stijl al "zichzelf heeft ontwikkeld", en er nog geen nieuwe is gecreëerd, dit is een overgang, een heroverweging. Tegelijkertijd wenden architecten en ontwerpers van de huidige tijd zich vaak tot het hele vorige architecturale erfgoed en historische stijlen, waarbij ze verschillende stijlvormende elementen van een bepaalde tijd opnieuw sorteren en de verzamelde ervaring opnieuw bekijken. De combinatie van heterogene artistieke elementen is al merkbaar in het laatoude Romeinse interieur. Door oude stijlen volledig te kopiëren (interesse in authenticiteit), laat eclecticisme elementen van verschillende stijlen formeel naast elkaar bestaan ​​in één interieur. Moderne stijl kan in zichzelf een "mengsel van het onmengbare" manifesteren, van een subtiele toespeling op het groteske. Het is nogal intuïtief om de stijl van dit of dat interieur te bepalen, het past vaak niet in een specifieke klassieke definitie. gevormd tijdens gezamenlijk werk ontwerper en klant, het kan een of andere stilistische richting uitgaan. Eclecticisme wordt een onafhankelijke stijl met zijn eigen kenmerken die er alleen inherent aan zijn.

High Tech

Nieuwe mogelijkheden van materialen en ontwerpen, snelle ontwikkeling verschillende industrieën De wetenschap heeft geleid tot een nieuwe stijl - helder, in tegenstelling tot alle vorige, en in het begin een beetje schokkend. Ultramoderne hightech-stijl, bevordert esthetiek de nieuwste technologieën. Het volledige gebrek aan decor wordt gecompenseerd door het "werk" van het materiaal. Techno is een van de varianten van hi-tech. De basisprincipes van hi-tech stijl: benadrukte grafische en laconieke lijnen, een overvloed aan heldere en duidelijke geometrische vormen, een minimum aan details, een overvloed aan glas, metaal en plastic, heldere open kleuren. Hightech onderscheidt zich van de voorgaande stadia door demonstratieve supertechniek: alles is praktisch, functioneel.

Favoriete kleuren: metallic, zilver, wit, zwart; materialen: metaal, glas. Hi-tech is ideaal voor fans van minimalisme.

Kleur: metallic, zilver, wit, zwart. Hi-tech is nog steeds een van de huidige stijlen. Deze stijl, die vorm kreeg in het laatste derde deel van de twintigste eeuw. praktisch volledige afwezigheid Het decor wordt hier gecompenseerd door het lichtspel op het glas, de schittering van chroom en metalen oppervlakken en het patroon van natuurlijk hout. Hieraan kan open baksteen en een verscheidenheid aan moderne synthetische materialen worden toegevoegd. Hi-tech is een stijl die de esthetiek van het materiaal, de dynamiek en de druk bevordert, dit is een stijl voor jonge mensen in hart en nieren.

functionalisme

Na het einde van de Eerste Wereldoorlog kostte het enige tijd om de economie te stabiliseren en grote bouwprojecten uit te voeren. In omstandigheden van gedwongen "inactiviteit" richten vooraanstaande experts hun creatieve energie op experimenteel en theoretisch werk; zij ontwikkelen projecten en modellen die de uitgangspunten bevatten van de architectuur van de komende periode.

Overmatige nadruk op het utilitaire karakter en de functie van dingen was kenmerkend voor sommige modellen die in de jaren '30 in het Bauhaus (experimentele school-werkplaats) werden gemaakt voor massaproductie in fabrieken.

Kleurenspectrum zeer divers en omvat prachtige combinaties van kleuren. Minimalisme. Rechtlijnigheid, eenvoud, gebrek aan patronen, tekeningen, accessoires. Dit is een zoektocht naar absolute vorm, streven naar perfectie, beknoptheid en terughoudendheid.

Verdere vorming van de stijl wordt geassocieerd met de activiteiten van de experimentele school-workshop "Bauhaus". Plaatsing van een klein aantal artikelen. In de jaren 50 van de 20e eeuw was minimalisme erg populair als rationele stijl. Ingetogen grafische reeks Minimalisme is een moderne interpretatie van de oude oosterse stijl. Het wordt gekenmerkt door: de ultieme beknoptheid van vormen, de volledige afwezigheid van decor, ornamenten, helderheid van compositie, monochroom, nadruk op de natuurlijkheid van texturen, werken met grote vlakken, afbeeldingen. De minimalistische stijl gebruikt nooit tekeningen, patronen; de voorkeur wordt gegeven aan zwart, wit, crème en grijze kleuren.

Art Deco

Tegenwoordig wordt Art Deco (fr. art deco-letters, "decoratieve kunst") wereldwijd erkend als een synoniem voor showiness. Het is ontstaan ​​als een stijl in 1908 - 1912 en bereikte zijn hoogtepunt tussen 1925 en 1935. De term zelf komt van de naam van de 1925 International Exhibition of Decorative Arts and Crafts Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modemes, maar als term voor artistieke stijl ontstond het in 1966, na de heropleving van de tentoonstelling in Parijs. Daarvoor heette het "jazz modern", "zigzag modern", "gestroomlijnd modern".

Ooit zeer populair en wijdverbreid, art deco, en vandaag de dag nog steeds effectief hulpmiddel herscheppen van elegantie en luxe. Art Deco dankt zijn oorsprong aan de invloed van zulke uiteenlopende bronnen als Art Nouveau, Kubisme en Bauhaus enerzijds, oude kunst Egypte, Oost, Afrika, Amerika aan de andere kant. Art Deco combineerde neoclassicisme en stroomlijning, sierlijkheid en speelsheid, monumentaliteit en elegantie tegelijk. Vertegenwoordigers van deze stijl negeerden de massale industriële productie van goederen, ze stonden voor exclusieve productie artikelen. Bij de productie van producten werden waardevolle en dure materialen gebruikt - slangenleer, ivoor, brons, kristallen, exotisch hout. De favoriete vormen waren geometrische ornamenten van zes-, acht-gons, ovalen en cirkels, driehoeken en ruiten. Daarnaast werden plantvormen van de recent wijdverbreide Art Nouveau, diverse citaten uit het classicisme en bruiklenen uit Egyptische, Afrikaanse en andere exotische culturen veel gebruikt.

Zo zijn er in Art Deco vele richtingen te onderscheiden: elegant-klassiek, expressief-exotisch, maar ook diverse modernistische varianten. Art Deco begon met een verrukking van luxe en versieringen, maar later veranderde deze stijl richting het concept functioneel ontwerp, voor het eerst naar voren gebracht door het Bauhaus, en dit gebeurde toen Duitse ontwerpers in Amerika aankwamen, op de vlucht voor vervolging in nazi-Duitsland, en hun ideeën naar de Amerikaanse school voor art deco brachten. In de jaren '30 en '40 werd de VS omarmd door de mode voor 'modern' in de Art Deco-stijl. "Art deco. Style of Artistic Fantasy”, Suzanne A.Sterno De laatste chique stijl van Europese hoofdsteden.

Een mengelmoes van elementen van Empire, archaïsche Egyptische kunst, Indiaans exotisme en Afrikaanse primitieve kunst, automobiel- en luchtvaartdesign, anderzijds is het een “feest voor en na de pest”, waarbij men de dorst en het genot voelt van leven, samen met een begrip van zijn kwetsbaarheid en vergankelijkheid. Art Deco stijl wint weer aan populariteit. Als richting ontwikkelde het zich halverwege de jaren twintig. 20ste eeuw en gecombineerde retrostijlen van alle tijdperken en landen. In onze tijd trekt Art Deco met een combinatie van kunst en techniek een open beroep op luxe. Vormen en lijnen In tegenstelling tot de bloementhema's van de Art Nouveau, gaf Art Deco de voorkeur aan geometrische vormen en ornamenten, rechte lijnen, abstracte composities, patronen met oosterse en Afrikaanse motieven. Een van de meest voorkomende ornamenten van de jaren dertig is de Egyptische halve cirkel, die de rijzende zon symboliseert. De afbeelding van naakte vrouwenfiguren met ontwikkelde spieren en in expressieve "gebroken" poses is zeer kenmerkend.

Kleurenspectrum. Een grillig kleurenspel: ivoor, rijke bruintinten, alle tinten goud.

Modern

Art Nouveau - de stijl van de late XIX - begin XX eeuw, introduceerde fundamenteel nieuwe decoratieve elementen in het interieurontwerp, waarbij ze de voorkeur gaven boven constructieve.

In Rusland en Engeland werd de moderne stijl Art Nouveau genoemd, in België en Frankrijk - Art Nouveau ("nieuwe kunst"), in Duitsland - Yugent-stijl ("jonge stijl"), in Oostenrijk - afscheiding "(scheiding, vertrek") . Afwijzing van oude stijlvormen, zoeken en gebruiken van nieuwe materialen: ijzer, glas, gewapend beton.

De slogan "terug naar de natuur". Een complex systeem lineair ornament: de basis van motieven is sterk gestileerde bloemen en planten, zwanen. Het stijlsymbool is de verfijnde vorm van de cyclamenbloem.

Kleurenspectrum: gedempte tonen, kleuren zonder tinten.

nieuwe golf"

Het eerste decennium van de nieuwe eeuw leek wat verward na de gekke schommelingen van de afgelopen jaren, het bevroor in afwachting van een nieuwe golf. Ze zeggen echt dat alles wat nieuw is een goed vergeten oud is. Maar hoeveel tijd zal het ons echt kosten om deze oude te onthouden? De enorme achterstand van de jaren negentig loste letterlijk op in het gebrek aan vis en de ellendige aarzeling van het begin van de 21e eeuw. Nieuwe legende, maar moeilijk te geloven. Die stagnatie zie je de afgelopen zes jaar letterlijk in alles terug. Het is de moeite waard om bijvoorbeeld het aanbod van onze televisie en media te bekijken. Zielige pogingen om in te spelen op de belangen van schandalen en het leven van 'hemelse' beroemdheden, die zogenaamd als voorbeeld dienen, veroorzaken vaak niets dan culturele misselijkheid. Een complete set zonder informatieve rommel wordt ons aangeboden onder het mom van een broodje kaviaar. Wat te zeggen over mode. Waar zijn de vroegere alternatieven gebleven, vraagt ​​men zich af? Halleluja, ze begonnen nog steeds weinig nieuws te sturen vanuit hun ongeoorloofde ballingschap. Zes jaar later begonnen eindelijk zeldzame creatievelingen aan de horizon te verschijnen. Wereldmodeontwerpers fluisterden over de komst van een nieuwe golf. Nu al zijn er voorspellingen over de heropleving van felle kleuren in het komende voorjaar. De echo van de disco-ethiek van de jaren negentig is eindelijk voelbaar. Het klinkt alsof echo's van de goede oude rave-cultuur hun geluid toevoegen. De ontwerpers van het Londense East-End verklaren openlijk de komst van een nieuwe generatie die hunkert naar meer dan alleen maar leuke en mooie dingen. Ontwerpers geloven dat dit een reactie is op de industrie van hetzelfde type mode, die een valse betrokkenheid bij een pretentieuze levensstijl bevordert. Het antwoord is een terugkeer naar het benadrukken van de individualiteit van het individu en de wens om moedig te experimenteren met het eigen imago. In de nieuwerwetse nachtclubs van Londen, zoals Anti Social en BoomBox, is het al alomtegenwoordig om slimme jonge mensen te ontmoeten die het imago van de nieuwe golf vormgeven. Heldere gouden tinten, neon T-shirts, ruwe jeans, opnieuw geverfde schoenen - dit is allemaal de nieuwe kleding van moderne uitdagers. Experimentele make-up, minirokken, punkkapsels - een nieuw beeld van moderne fashionista's. Sommigen haastten zich al om de opkomende beweging "nude rave" te noemen. Hoe het ook wordt genoemd, ik hoop dat dit een nieuwe impuls is om uit de comateuze staat van casual te komen en verschillende creatieve richtingen te genereren die totaal van elkaar verschillen en de cultuur van de nieuwe eeuw kunnen verrijken.

10.2 Mode en stijl: verschillen en relaties

Mode gaat voorbij, maar stijl blijft...

Mode(fr. modus, van lat. modus - maat, afbeelding, methode, regel, recept) - de onthulling van schoonheid in de tijd. Oude filosofen, te beginnen met Plato, geloofden dat schoonheid niet voor eens en voor altijd adequaat kan worden uitgedrukt. Daarom kan schoonheid alleen op tegenstrijdige manieren worden uitgedrukt. En tegenstellingen kunnen volgens Kant alleen in de tijd naast elkaar bestaan. Na verloop van tijd kristalliseert mode uit tot stijl, wat vaak in tegenspraak is met mode, hoewel er mode voor stijl is.

Mode in de menselijke samenleving- ook een middel om sociale grenzen te creëren, en om de som van sociale tekens van 'vriend of vijand' te creëren.

'Modieuze' trekt de aandacht van het publiek, en daarom maakt het voor mensen met een lage sociale status, of voor de 'maatschappelijk achtergestelden' vaak niet uit of het positief of negatief is. In deze zin van het woord kan onder bepaalde voorwaarden zelfs neofascisme, satanisme of homoseksualiteit in de mode raken.

In de verandering en vluchtigheid van de mode komt de belofte van een ultiem ideaal van "schoonheid" (dat niet bestaat) keer op keer naar voren. De mens gelooft elke keer gewillig deze belofte en wordt elke keer gedwongen om de dictaten te gehoorzamen nieuwe mode. Het menselijk lichaam is een fundamenteel onderwerp van modestyling.

Categorie "de schoonheid" geassocieerd met de visuele perceptie van de consument en wordt gebruikt om sociale waarde uit te drukken in sensueel waargenomen tekens van vorm. Om de overtreffende trap van schoonheid aan te duiden (zeer mooi product) de term "mooi" wordt gebruikt. De eigenaardigheid van de esthetische evaluatie van een bepaald product is dat het concept van schoonheid niet alleen gerelateerd is aan de aantrekkelijkheid van het uiterlijk (de geometrische vorm, kleur, patroon), het wordt geassocieerd met het vermogen om het meest volledig te voldoen aan de behoeften van mensen . Met andere woorden, de schoonheid van een product als potentieel consumentenartikel hangt nauw samen met de doelmatigheid ervan. Aangezien de vorm van een product een noodzakelijk onderdeel is van zijn inhoud en bijgevolg van zijn bruikbaarheid, houdt de consument zowel van het product zelf als van zijn vorm (of omgekeerd).

Categorie "prettig" dubbelzinnig concept van "schoonheid". Bij het consumeren van mooie en comfortabele producten ervaart een mens een gevoel van genot. Individuele consumenteneigenschappen die verband houden met het concept aangenaam kunnen echter slechts voorwaardelijk als esthetisch worden geclassificeerd. Bijvoorbeeld de aanrakingseigenschap van stoffen. Touché is de zintuiglijke waarneming van stof door aanraking. Het kan aangenaam of onaangenaam zijn, afhankelijk van de zachtheid, dichtheid, behaardheid, elasticiteit, droogheid, stijfheid en andere indicatoren van de stof. De aanraakeigenschap kan niet worden gedefinieerd als mooi en lelijk, d.w.z. het is geen esthetische eigenschap vanuit het algemeen aanvaarde gezichtspunt. Tegelijkertijd is aanraking een zintuiglijke eigenschap en kan daarom een ​​indicator zijn van esthetische waarde.

Het bereik van esthetische eigenschappen van materialen en afgewerkte producten is dubbelzinnig. esthetische waarde de meeste materialen (papier, film, leer, enz.) kunnen worden beoordeeld aan de hand van enkele eigenschappen - vorm, kleur, textuur en patroon. De esthetische eigenschappen van afgewerkte producten zijn complex en omvatten vier subgroepen van eigenschappen - informatieve expressiviteit, rationaliteit van vorm, integriteit van de compositie en perfectie van productieprestaties.

Expressiviteit van informatie- het vermogen van een product om, door middel van artistiek ontwerp, het verschil tussen een product en analogen weer te geven en de overeenstemming ervan met de esthetische ideeën en vereisten die zich in de samenleving hebben ontwikkeld. De enige eigenschappen die de informatieve zeggingskracht bepalen, zijn originaliteit, conformiteit met stijl en mode, en betekenis.

Originaliteit- een weerspiegeling van de nieuwheid van het product, het verschil met andere producten van hetzelfde functioneel doel. stijl

naleving laat zien hoe het product qua uiterlijk voldoet aan de eisen van moderne stijl. Stijl wordt opgevat als een stabiel (gedurende lange tijd) systeem van artistieke principes, technieken en middelen om de inhoud van dingen uit te drukken. Er zijn stijlen van het tijdperk, nationaal, industrieën, bedrijven (verenigingen), een specifiek functioneel complex van consumptiegoederen.

Het uiterlijk van kleding, meubels en andere producten van de objectieve omgeving, evenals gebouwen en constructies, in elke stijl van het tijdperk weerspiegelt het niveau van sociale en culturele ontwikkeling. De stijl van voorbije tijdperken is een soort afdruk van een unieke levensstijl. Daarom leiden pogingen om in moderne omstandigheden het uiterlijk van antiek te doen herleven, dat wil zeggen, lang vervlogen stijlen (design "retro"), meestal tot formalisme, stilering.

Moderne stijl Het wordt gekenmerkt door relatieve eenvoud en volledigheid van vormen (voornamelijk rechthoekige doorsnede voor stationaire producten en een gestroomlijnd oppervlak voor bewegende objecten), helderheid en consistentie van structuur, gebrek aan pretentie en complexe decoraties. De nationale stijl weerspiegelt de traditionele kenmerken van vormen en versieringen die kenmerkend zijn voor naties en nationaliteiten (bijvoorbeeld traditioneel borduurwerk van kleding in Oekraïne, een eigenaardige vorm en decoratie van hoofdtooien in Centraal-Azië enz).

De stijl van de branche en het bedrijf weerspiegelt: kenmerken artistiek design, waardoor een origineel, uniek productontwerp ontstaat dat een bijzonder “gezicht” verkoopt aan een bedrijf (onderneming) of branche.

Mode in tegenstelling tot stijl is een tijdelijke gemeenschap van technieken en middelen om de inhoud van dingen uit te drukken. Met andere woorden, mode is de dominante smaak van mensen (de samenleving) op een bepaald moment. Consumentengoederen worden het meest beïnvloed door mode, met name kleding, schoenen en toiletartikelen. Modeverandering is een natuurlijke wens van mensen om de onderwerpomgeving bij te werken, producten te verbeteren waarvan de levensduur relatief kort is.

Rationaliteit van vorm- een groepseigenschap, waarvan de indicatoren kenmerken hoe de vorm van het product overeenkomt met het doel, het ontwerp, het materiaal, of het handig is, of de vorm de aard van de behandeling van het product suggereert. mooie vorm mag geen bijlage zijn bij het ontwerp van het product, het moet ermee overeenkomen. Een onhandig in gebruik, technisch verouderd, functioneel onvolmaakt product zal niet mooi zijn als het zelfs een formeel perfecte vorm krijgt.

De integriteit van de compositie- kenmerkt de mate van consistentie van alle onderdelen en het geheel in het product, verenigd door één concept en ontwerp. Het woord "samenstelling" betekent de relatie essentiële elementen werken (producten), waardoor de inhoud ervan wordt onthuld. Product

kunnen een optimale massa, grootte, ontwerp, kleur, patroon hebben, maar deze componenten vertegenwoordigen nog geen volledige compositie als ze niet worden gecombineerd en ontworpen tot één geheel, rekening houdend met hun functionele, ontwerp en esthetische integriteit. Bij het beoordelen van de integriteit van de compositie, houden ze rekening met de mate van organisatie van de volumetrisch-ruimtelijke structuur van het product, d.w.z. of er een ondergeschiktheid is van delen en het geheel, secundair aan de belangrijkste (bijvoorbeeld de riem en flap van een jaszak moet overeenkomen met het algemene ontwerp van het model). De integriteit van de compositie zorgt ook voor de harmonie van vorm - de evenredigheid en onderlinge samenhang van delen, hun evenredigheid (de verhouding van delen tot elkaar en het geheel) en schaal - de verhouding van de grootte van de delen van het product en de grootte van het product zelf in relatie tot een persoon en andere producten van de objectieve omgeving. Alle goederen moeten de afmetingen hebben die passen bij het menselijk lichaam of andere items in de werkomgeving. Voor elk product moet de juiste schaal worden gevonden, omdat een schending van de schaal leidt tot een verlies van integriteit van de compositie en het ensemble van de objectomgeving en het moeilijk maakt om dergelijke producten te gebruiken (bijvoorbeeld een stoel met een zitting hoogte groter dan normaal).

De integriteit van de compositie betekent ook de ordelijkheid van de grafische en figuratieve elementen van het product, kleur harmonie, een combinatie van textuur en patroon (ornament) met het algehele ontwerp van de compositie. Houd er rekening mee dat men met behulp van kleur, textuur en patroon niet alleen de algehele integriteit van de compositie kan bereiken, maar ook de mogelijkheid van visuele illusies die door ontwerpers worden gebruikt om de vorm te corrigeren (schijnbare toename of verwijdering van een object, verandering in verhoudingen, enz.). Dus een verticale vorm lijkt langer dan een horizontale, een gesegmenteerde vorm lijkt meer ongearticuleerd, blauwe en andere koude kleuren verwijderen en verminderen producten, warme en donkere, integendeel, breng ze dichterbij en vergroot ze daarom, verbeter de indruk van zwaarte en sterkte van het object.

Sectie 11. Huisstijl. Merk

11.1 Visuele communicatie en het concept corporate identity

11.1.1 Logo

De visuele component van de habitat is een van de prioritaire objecten van ontwerpcreativiteit. Deze situatie is te wijten aan het feit dat meer dan 80% van alle informatie (informatie, kennis) in het levensproces een persoon ontvangt via de visuele analysator (ogen in combinatie met de overeenkomstige delen van de hersenen).

Met de intensieve ontwikkeling van binnenlands artistiek ontwerp in de jaren 60, begon de ontwerpbenadering toegepaste grafische afbeeldingen te betreden via industriële grafische afbeeldingen (grafische elementen op producten) en verpakkingen. Het hoogtepunt van dit proces vond plaats eind jaren 60 - begin jaren 70. Het theoretische concept, dat werd gekarakteriseerd als visuele communicatie, werd gevormd op basis van semiotiek (een wetenschap die de eigenschappen van tekens en tekensystemen bestudeert) en informatietheorie, rekening houdend met de sociaal-technische context.

Elena Chernevich, een kunsthistorica, schreef: "grafisch ontwerp zet informatie om in visuele signalen die ondubbelzinnig moeten worden geïnterpreteerd"; "De structuur van visuele communicatie omvat: een tekstbron die niet-gevisualiseerde inhoud definieert, een visuele communicator, een visuele tekst, een communicatiekanaal een tekstontvanger"; "Er ontstaat een nieuw type professional - de grafisch ontwerper wordt een visuele communicator."

Het concept van grafisch ontwerp, gebaseerd op het concept van functionalisme, blijft in veel opzichten vandaag aantrekkelijk, vooral vanuit methodologisch oogpunt. Toegegeven, onder de voorwaarden van het begrijpen van de noodzaak om het artistieke principe, stijltrends en modetrends te versterken.

De bedrijfsidentiteit is ontworpen op basis van een methodologische benadering die is ontwikkeld in het proces van vele jaren van internationale praktijk, en rekening houdend met de kenmerken van een bepaald bedrijf, het concept van zijn activiteiten.

De objecten van creatieve aandacht van design graphics zijn talrijk en veelzijdig. Nadat we de visuele component van de door de mens gemaakte habitat hebben overwogen, kunnen we er verschillende voorwaardelijke lagen in onderscheiden:

9. Eerste laag, waarmee bijna alle lagen van de bevolking contacten hebben, visuele communicatiemiddelen en -systemen vormen in stedelijke, landelijke en andere ruimten, in het vervoer, enz. Dit omvat borden, reclame-installaties, etalages, tafels met straatnamen en huisnummers, borden transportroutes, verkeersborden, etc.

10. Tweede laag- visuele communicatiemiddelen in de ruimtes van gebouwen, interieurs: borden, pictogrammen, borden, advertenties, posters en andere media.

11. De derde laag - de meest specifieke, in verband met de exploitatie van de huisvesting en gemeentelijke diensten, grote evenementen van een staat of zelfs internationale schaal, met inbegrip van olympiades, festivals, enz.

Grafisch vorm stijl - een term die gewoonlijk verwijst naar een systeem van visueel-communicatieve middelen die ontworpen zijn om een ​​bepaald permanent visueel beeld te creëren. Het omvat de belangrijkste elementen: teken, logo, kleur, lettertype, evenals de hele verscheidenheid aan visuele informatie: van documentatie, verpakkingen, souvenirs, reclame tot visuele communicatie-elementen, afbeeldingen op kleding, voertuigen, gebouwen, enz.

Merk blok omvat een handelsmerk, bedrijfsnaam, post- en bankgegevens, een lijst van goederen en diensten, een reclamesymbool van het bedrijf, een slogan. Het bedrijfsblok kan alle opgesomde elementen bevatten of slechts enkele ervan. Het corporate blok is in veel gevallen handig in gebruik: van het ontwerpen van briefpapier tot het ontwerpen van productverpakkingen.

ontwikkelen bedrijfskleuren, het is noodzakelijk om bij het afdrukken rekening te houden met de mogelijkheden van drukkerijen: kranten zenden bijvoorbeeld alleen primaire kleuren uit of gebruiken twee opties: kleur (met een complex kleurenpalet) en zwart-wit.

publicatie formaat het kan van alles zijn, het moet origineel zijn, dit zal bijdragen aan een betere herkenning van informatie en reclamemateriaal.

slogan:- een korte zin, het motto van het bedrijf of product. Dit is een verbaal reclamesymbool van het bedrijf. In tegenstelling tot het picturale reclamesymbool van het bedrijf, is de slogan zowel een visueel als een audiobeeld, waardoor het buitengewoon belangrijk is als element van het beeld of het reclamemedium.

audiobeeld- een muzikale zin, compositie, een paar noten voor stem of muziekinstrumenten, een combinatie van bepaalde geluiden die dienen als herkenningsteken van het bedrijf in radio- en televisiecommercials. huis audio teken functie- hetzelfde als het grafische teken van het bedrijf - identificatie. Het audiobeeld moet aan alle criteria voor een merk voldoen en mag als zodanig geregistreerd worden.

Vaak wordt een audioslogan als audiobeeld gebruikt: een specifieke, geënsceneerde audio-oplossing door middel van de bedrijfsslogan, die het aantrekkelijk en gedenkwaardig maakt. Het verschil tussen een audiobeeld en een audioslogan is dat een slogan een audiointerpretatie is van een verbale uitdrukking, terwijl een audiobeeld een onafhankelijk geluidsbeeld is dat bij het bedrijf hoort.

De top van de grote piramide van huisstijl en reclame is het handelsmerk.

Handelsmerk (servicemerk)- een officieel aanvaarde term die een naar behoren geregistreerde aanduiding betekent die bedoeld is om goederen en diensten van sommige rechtspersonen of individuen te onderscheiden van homogene soorten en diensten van andere personen. Synoniemen voor de term handelsmerk zijn - merknaam, alleen een merk, merknaam, embleem. Het verbale deel van het merk of het woordmerk wordt ook wel de merknaam, handelsnaam, logo genoemd.

Een merk moet niet worden verward met een vrij dicht aangrenzend object - een handelsnaam. Merknaam- dit is de naam van de onderneming die de organisatie individualiseert, van onbeperkte, niet vervreemde aard is, niet specifiek is geregistreerd (metaalfabriek, weverij, bad- en wasfabriek, enz.).

Een merk moet worden geregistreerd voordat het kan worden gebruikt. Een handelsmerk wordt door de staat beschermd gedurende vijf jaar vanaf de datum van registratie bij het Russische Comité voor octrooien en handelsmerken (ROSPATENT).

· De belangrijkste functie van het teken is om te onderscheiden, d.w.z. het teken moet helpen om soortgelijke of identieke waren, diensten, vervaardigd of geleverd door verschillende fabrikanten, te onderscheiden.